Direito de Amar

Após assistir ao filme “Direito de Amar”, assinado pelo estilista Tom Ford, costurei algumas similaridades desta produção com uma pequena preciosidade britânica chamada “Hunger” – que, lançado em 2008, ainda continua inédito no Brasil e continua sem previsão de estreia por aqui. Assim como Ford, o artista plástico Steve McQueen jamais havia trabalhado com cinema anteriormente e, considerando a inexperiência de ambos em uma função um tanto quanto desafiadora, é mais do que admirável constatar o resultado positivo que alcançaram em seus trabalhos como estreantes. A razão por ter estabelecido esse paralelo entre esses ótimos filmes não tem apenas como motivo o fato de que os dois diretores são novatos atrás das câmeras, muito menos porque são artistas de outros segmentos experimentando o sabor do cinema, mas sim, pelo desafio a que se proporam de retratar histórias estritamente introspectivas e espinhosas logo em seus primeiros trabalhos. Não era uma tarefa fácil, mas para sorte de Ford e McQueen, eles tiveram respaldo de profissionais da área técnica e de atores completamente imersos em personagens frágeis e de exigente caracterização – refiro-me a Colin Firth e Michael Fassbender, de “Hunger”. O resultado são dois grandes filmes que mereciam mais destaque do que realmente tiveram no ano de seus respectivos lançamentos.

Baseado na polêmica obra autobiográfica de Christopher Isherwood, “Direito de Amar” é escrito pelo próprio Ford em companhia do também estreante David Scearce. Passado no turbulento ano de 1962, quando a disputa territorial entre Estados Unidos e Cuba estava em andamento, o filme se baseia no dia posterior de um professor universitário ao saber da morte de seu parceiro há 16 anos. Desiludido, a única alternativa encontrada pelo homem é o próprio suicídio, que pretende realizar na noite do mesmo dia. Porém, no meio do caminho, George (Firth) cruza com pessoas e situações que acabam fazendo-lhe dar uma nova chance a si mesmo.

Um dos grandes trunfos de “Direito de Amar” é a serenidade que acompanha todo o transcorrer do filme. Embora o tema seja naturalmente doloroso, os roteiristas se mostram perspicazes por não recorrer a artifícios sentimentalistas com o objetivo determinado de fazer o espectador se debulhar em lágrimas. Como exemplo, temos o momento em que presenciamos a notícia recebida por George de que seu parceiro de longa data morreu em um acidente. Enquanto muitos aproveitariam a situação para explorar a dor do protagonista, a continência de Ford se resume a mostrar um close na face do personagem, que amparado pela ausência de música e pela pontualidade de Firth, resulta em uma cena econômica e, ao mesmo tempo, tocante e arrebatadora. Sem alterar o tom rítmico ou extrapolar em alguma cena para que se torne uma experiência “marcante”, a homogeneidade da história é sóbria, atrativa e pode ser considerada pessoal, pois acaba transferindo a responsabilidade ao espectador de administrar cada sentimento ao testemunhar as cenas rigorosamente arquitetadas pelo diretor.

Por outro lado, como qualquer estreante no ofício, Tom Ford não é uma exceção à longa lista de diretores novatos que extrapolam nos estilismos e na composição milimetricamente calculada das cenas. Embora esse perfeccionismo seja um deleite para os olhos, em certas situações acabam, involuntariamente, obstruindo maior aproveitamento do que se passa em cena; mas, certas vezes, também confere mais charme e elegância ao conteúdo em si, como o belo registro de quando o casal está conversando deitado sobre uma montanha sinuosa em um p&b convidativo. A propósito, o trabalho de iluminação do diretor de fotografia Eduard Grau é fabuloso e traduz significados importantes à trama. Percebam que a luz nunca está diretamente apontada para George, já que o mesmo se encontra em uma fase de “trevas” e solidão, enquanto as pessoas que se dirigem a ele sempre aparecem iluminadas com uma cor intensa. Sem falar nas alternâncias da luz pálida, quase sépia, para um ambiente mais quente e saturado. A estética do filme é impecável, incluindo-se os detalhes ricos do design de produção junto à magistral trilha sonora composta pelo maestro polonês Abel Korzeniowski.

Premiado em Veneza e indicado ao Oscar de Melhor Ator, Colin Firth entrega a melhor atuação de sua carreira até então. Sem deixar transparecer o desespero que seu personagem alimenta interiormente, George camufla sua depressão em um sujeito introspectivo e reservado, mas que se mostra disposto a aproveitar aquele que talvez fosse seu último dia de vida. E Firth, mais uma vez, realiza um trabalho brilhante ao mergulhar no íntimo de um personagem tão complexo, que exterioriza seus sentimentos com discrição e cautela. E no campo de coadjuvantes, o grande destaque é a talentosa Julianne Moore, que está radiante no pouco tempo que aparece em cena.

“Direito de Amar” entra para o hall quilométrico das traduções mais porcas que um filme já recebeu. Em meio a tanta beleza e sofisticação, um título digno de novela mexicana. Vai entender essas distribuidoras... Fato é que a estreia de Tom Ford nos cinemas resulta em uma dos filmes mais delicados e singelos do ano, que beneficiado por um trabalho harmônico de uma equipe em total sintonia, alia beleza estética com um roteiro enxuto e emocionante.


NOTA: 8,0


DIREITO DE AMAR (A Single Man) EUA, 2009
Direção: Tom Ford
Roteiro: Tom Ford e David Scearce
Elenco: Colin Firth, Julianne Moore, Matthew Goode e Nicholas Hoult