PÓS.PREMIÈRE

É TUDO IGUAL. SÓ MUDA O ENDEREÇO...

2011-03-16T14:20:00.004-03:00

Caros leitores,

o Pós-Première nasceu há pouco mais de um ano como um projeto descontraído, um ambiente na rede onde poderia repartir minhas opiniões sobre o cinema e debater com outras pessoas que dividem a mesma paixão que a minha.

Recentemente, recebi uma proposta que não poderia recusar. Don Vito Corleone faria o mesmo. Inclusive, esse é o motivo da irregularidade das postagens nas últimas semanas, acordos ainda estavam na mesa. Um veículo de comunicação da cidade que moro me convidou a hospedar o blog em seu site. Como jornalista em formação e com o tal diploma abolido pelos incompetentes do STJ, topei no ato. Sem falar que o Gazeta Maringá praticam jornalismo de qualidade, e eu jamais submeteria o Pós-Première a qualquer Zé Jornalista por aí.

Sendo assim, peço aos meus amigos e leitores que conquistei nesse espaço que migrem para lá e alterem o link para este aqui: http://www.gazetamaringa.com.br/blog/pospremiere/

Este será meu novo endereço.
Mas o resto, já sabem ou nem deveriam duvidar: continua o mesmo.

Abraços!
Elton Telles

Oscar 2011 - Comentários e Previsões Finais (Categorias Principais)

2011-02-25T12:53:00.026-03:00

MELHOR FILME

Vai Vencer: O Discurso do Rei? Não. A Rede Social!

Votaria em: Toy Story 3

Não me interpretem mal. Considero “O Discurso do Rei” um ótimo filme. Exibe uma estrutura clássica e acadêmica, é formal, meticuloso, detalhista, sintonizado, equilibrado, charmoso, quadradinho, mauricinho, engomadinho, afetado... Enfim, chega a ser pedante em alguns momentos tamanha paixão que o filme sente por si mesmo. Mas ressalto, é um drama com pitadas de humor muito bem realizado. Porém, não corresponde a 1/3 da inteligência e relevância de “A Rede Social”, por exemplo, para ser consagrado no Oscar do próximo dia 27. Nessa disputa, o rei perde a majestade com facilidade. Bom, teoricamente deveria perder, mas aí entra em campo o influente Harvey Weinstein, produtor conhecido pelo histórico de arquitetar campanhas exageradas e antiéticas para arrancar à força estatuetas daqueles que merecem muito mais o prêmio do que os filmes os quais sua empresa – antigamente, a Miramax; hoje, The Weinstein Company – distribui. Somente isso explica a supremacia repentina do rei gago nas premiações mais determinantes ao Oscar, considerando que “A Rede Social” tinha sido praticamente unânime nas associações dos críticos. Essa é o principal embate dessa edição. A politicagem vai prevalecer ou o bom senso vai ecoar na cerimônia desse domingo? Como “Toy Story 3” não tem mesmo chances de vencer, torço pelo “filme do Facebook”, mas se “O Discurso do Rei” ganhar, vou lamentar mais pela manipulação escancarada dos votos do que pelo vencedor em si. Antes esse do que “Minhas Mães e Meu Pai”...

MELHOR DIRETOR

"Todos vocês podem me adicionar..."

Vai vencer: David Fincher (A Rede Social)

Votaria em: Darren Aronofsky (Cisne Negro)

Até o momento em que Tom Hooper foi agraciado pelo sindicato dos diretores no início deste mês, todo mundo apostava em David Fincher para levar Direção. Com a vitória inesperada do britânico, somada às consagrações de “O Discurso do Rei” no sindicato dos produtores e dos atores, o filme da realeza passou a ser cogitado a ganhar até em categorias que não merecesse sequer a indicação. Este é mais um caso. Bacana que Hooper adota um padrão diferenciado, com planos que fogem do visual convencional, mas há um problema de decupagem das cenas em seu trabalho que é gritante. Enfim, a coerência diz (ou não) que o melhor filme ganhe nessa categoria também, portanto aposto na excelente dissecação do universo pouco confiável criado em “A Rede Social”, embora minha torcida seja para a brilhante condução de Aronofsky por “Cisne Negro”. Se O. Russell ou os Coen levarem será uma surpresa.

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL

Vai Vencer: David Seidler (O Discurso do Rei)

Votaria em: Christopher Nolan (A Origem), mas não vi “Another Year”

Aqui não vou nem estender a discussão senão soarei deselegante, então vamos para o próximo rs.

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO

"Paraíba! Tá aqui o meu cartão".

Vai Vencer e Votaria em: Aaron Sorkin (A Rede Social)

Antes de qualquer coisa, devo dizer que acho estupidez a Academia considerar o roteiro de uma sequência, adaptado. Não tem muita lógica essa classificação, visto que os personagens e o argumento de “Toy Story 3” se reproduzem, mas a história em si é original. Ainda que seja, pra mim, o melhor filme entre os indicados, devo reconhecer que a adaptação do livro “Bilionários por Acaso” para o cinema é de uma genialidade ímpar. A estrutura rítmica e o texto afiado de Sorkin são os principais fatores para que o filme seja um dos melhores de 2010. A concorrência é encorpada por filmes notáveis, mas comem poeira, porque “A Rede Social”, nessa categoria, é “CEO, bitch!”.

MELHOR ATOR

"Eu te arranho!"

Vai vencer: Colin Firth (O Discurso do Rei)

Votaria em: Jesse Eisenberg (A Rede Social), mas não vi “Biutiful”

Já prevejo o apedrejamento rs. Não pensem que criei algum tipo de implicância com “O Discurso do Rei”. Não mesmo, já até falei no texto introdutório que considero um ótimo filme e é justamente nas atuações soberanas de seu elenco que residem o ponto forte da pequena produção inglesa. Colin Firth está soberbo no filme. Na verdade, merecia ter vencido no ano passado por “Direito de Amar”, mas, como de praxe, a Academia não vai perder a oportunidade de retratar o erro concedendo a Firth – que está no auge da carreira – o Oscar de Melhor Ator. É um papel desafiador. Gagueira é algo realmente difícil de reproduzir com convencimento – até o magnífico Paul Giamatti já errou –, sem falar (trocadilho) na dicção e no timbre de voz adotado pelo ator para compor o Rei George VI. Entretanto, Eisenberg, que não esteve preso a nenhuma dessas artificialidades, matou a pau e conseguiu humanizar um personagem que já nasce com antipatia do espectador. Pela naturalidade e raciocínio rápido de sua atuação, meu voto seria dele. Do outro lado, James Franco carrega “127 Horas” nas costas e Jeff Bridges, ladrão de banco e de vaga, não merecia estar aí e deveria ser obrigado a pedir desculpas publicamente a Ryan Gosling pelo incidente de sua indicação.

MELHOR ATRIZ

"Mas quem disse que vou perder?"

"EU! Vai encarar?"

Vai vencer e Votaria em: Natalie Portman (Cisne Negro)

Diferentemente da categoria pouco empolgante do ano passado, a de Melhor Atriz dessa edição dá gosto de ver. Ainda há um burburinho nos bastidores da possibilidade de Annette Bening levar o Oscar. Convenhamos que há fatores de sobra que a levam à vitória: o peso de sua carreira, por ser uma excelente atriz que ainda não levou o seu, por ser a presidente da comissão dos atores na Academia, por ter aparecido em todos os talk shows possíveis da TV na última semana etc. Mas Natalie Portman samba (ou dança balé, enfim) em cima dela. Se tem uma coisa que será muito injusta na noite é Portman sair de asas abanando. Concorda, Hilary?

"SUUUUUURE"

MELHOR ATOR COADJUVANTE

"Capitão Barbossa é um ícone. Fucking Jack Sparrow!"

Vai vencer e Votaria em: Christian Bale (O Vencedor)

Ele é o favorito, mas seu temperamento instável, sua fama de ser um perfeito idiota muitas vezes ofusca seu talento. Uma coisa é certa: nenhum diretor de fotografia vai votar nele rs. Quem ganha espaço com isso é o australiano Geoffrey Rush como o ator fracassado que se passa de fonoaudiólogo para curar a gagueira do monarca inglês em “O Discurso do Rei”. Como todo ator secundário que se preze, ambos dão o respaldo fundamental aos protagonistas, isso graça à excelente química que os atores dividem em cena como pela admirável performance de cada. Não farei desfeita se Rush levar o seu segundo careca dourado, mas a sinergia de Christian Bale, a composição de seu personagem em si resulta um trabalho soberbo. Pra mim, ele é o verdadeiro protagonista de “O Vencedor”, mas compreensível sua classificação como coadjuvante. Assim como Bridges, Jeremy Renner roubou banco e uma vaga, mas não reclamo jamais das lembranças a Mark Ruffalo por “Minhas Mães e Meu Pai” e John Hawkes como o tio ambíguo em “Inverno da Alma”. Mas nessa briga, Bale nocauteia cada um no primeiro assalto e sem muito esforço.

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE

"O que vocês acharam da minha campanha estilo MTV girl?"

Vai Vencer e Votaria em: Melissa Leo (O Vencedor)

Com exceção de Jacki Weaver, acho que as demais indicadas nessa categoria têm possibilidades de vencer. Helena Bonham Carter por trazer momentos de graciosidade como a esposa apoiadora em “O Discurso do Rei”, além de este ser o filme com mais indicações da noite e Amy Adams por ser uma atriz em plena ascensão artística, queridíssima por todas e interpretando praticamente o mesmo papel de Mrs. Burton, adicionando o “fuck” ao vocabulário. Depois de Melissa Leo ter feito a cagada de bancar uma campanha para se promover e se justificado para “aparecer em capas de revistas” (tenha dó...), seu favoritismo se esvaiu e as atenções se voltaram para a jovem Hailee Steinfeld – a verdadeira protagonista de “Bravura Indômita”. Ainda assim, acho ignorância desmerecer o ótimo desempenho de Leo como consequência de sua atitude. Qualquer uma delas tem chances de levar o Oscar, mas ainda confio no bom senso da Academia para escolher aquela que é a melhor entre as cinco. Apesar dos pesares.

MELHOR FILME ESTRANGEIRO

Vai Vencer: Incêndios (Canadá)

Votaria em: Abstenção

Dos 5 indicados, o único que consegui assistir foi o doentio e genial “Dente Canino”, representante da Grécia. Não posso falar pelos demais, mas acho que nada seria mais surpreendente se este levasse o Oscar. Seria bizarro, uma fuga à previsibilidade que predomina nessa cerimônia. Mas a briga está mesmo entre “Biutiful” (México) – que tem grandes chances por Javier Bardem também ter sido indicado a Melhor Ator; “Em um Mundo Melhor”, a dinamarquesa Susanne Bier volta à cerimônia depois de concorrer com o belo “Depois do Casamento” em 2007; e “Incendies”, do Canadá, que conta a história de crianças que vão ao Oriente Médio procurar o pai. O filme foi muito bem recebido pela crítica e tem o perfil emocionante que o Oscar sempre busca no exterior. Por isso, aposto que será este último.

MELHOR ANIMAÇÃO

Vixe, esse é complicado. Acho que preciso de um algoritmo.

"Hummmmm... vamos ver, vamos ver..."

Vai Vencer e Votaria em: Toy Story 3

MELHOR DOCUMENTÁRIO

Vai Vencer: Trabalho Interno

Votaria em: Abstenção

“Exit Through the Gift Shop” é de longe o melhor dos três indicados desta categoria que tive a oportunidade de conferir. O outro é o corajoso “GasLand”, que retrata as perfurações no solo realizadas por grandes empresas petroquímicas para extração de gás natural. O documentário mostra como essa prática denigre o meio ambiente, chegando a afetar a água de famílias que residem próximas aos rios usados para essa atividade. “Restrepo” documenta o cotidiano de um pelotão situado no Korengal Valley, considerada a região mais perigosa do Afeganistão. É um filme com forte carga emocional, mas a altura que chegamos com essa batalha no Oriente Médio, é muito pouco mostrar apenas a rotina dos soldados, sem falar que vários documentários já fizeram o mesmo. N”ao vi “Lixo Extraordinário”, nem “Trabalho Interno”, mas considerando o assunto recente que este último retrata sobre a crise financeira de 2008, minha previsão fica com ele.

Oscar 2011 - Comentários e Previsões Finais (Categorias Técnicas)

2011-02-23T12:48:00.026-03:00

MELHOR FOTOGRAFIA

Vai vencer: Roger Deakins (Bravura Indômita)

Votaria em: Matthew Libatique (Cisne Negro)

Minha aposta para o veterano Roger Deakins implica nas nove indicações anteriores que recebeu – cinco delas para filmes dos Irmãos Coen – sem, no entanto, levar nenhuma estatueta pra casa. Já passou da hora de premiá-lo. Seu trabalho magnífico em “Bravura Indômita” faz de alguns takes verdadeiras obras de arte, a fotografia de Deakins é para se admirar, é contemplativa e enriquece a trama com beleza e uma plasticidade evocativa. Seria minha primeira opção, caso Matthew Libatique não fosse lembrado pela calculada iluminação hipnótica de “Cisne Negro”, o que me faria incondicionalmente duvidar da capacidade mental dos votantes dessa comissão. Acompanhando a vibrante câmera de Aronofsky, o diretor de fotografia captura com efervescência os distúrbios da protagonista, atribuindo significados fundamentais à narrativa, sem falar no catártico e inesquecível grand finale. Reconheço as poucas chances de ganhar, mas seria uma grata surpresa, tal qual se levasse Wally Pfister por “A Origem” – vencedor do sindicato dos fotógrafos –, Jeff Cronenweth por “A Rede Social” ou até Danny Cohen pelo belo registro de “O Discurso do Rei”. Categoria bem equilibrada e com excelentes trabalhos. Que vença o melhor – ou o que mais tem histórico.

MELHOR EDIÇÃO

Vai vencer e Votaria em: Angus Wall e Kirk Baxter (A Rede Social)

Na ausência inexplicável de Lee Smith por “A Origem”, o melhor trabalho de montagem do ano com larga vantagem, eu torço e aposto na dupla de “A Rede Social”. Qualquer um que levar se não eles, será injustiça.

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE

Vai vencer e Votaria em: A Origem

A Academia esse ano resolveu não restringir os indicados a filmes fantásticos ou reconstituições de época – representados aqui principalmente por “Alice no País das Maravilhas” e “O Discurso do Rei”, respectivamente. É louvável a abrangência para a construção do Velho Oeste de “Bravura Indômita”, a grandiloquência de “Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 1” e “A Origem”, um filme que aposta em um design de produção contemporâneo, mas detalhista em sua concepção. Entretanto, essa categoria está bem dividida. O hype imensurável de “O Discurso do Rei” entra em confronto com a releitura de Lewis Carroll feita pelo extravagante Tim Burton, cujas produções são figurinhas carimbadas nos departamentos técnicos. E pra completar o duelo, o filme de Nolan, que venceu o sindicato dos diretores de arte, é um forte concorrente. Tudo pode acontecer, mas ficarei fiel naquele que considero o melhor entre os cinco.

MELHOR FIGURINO

Vai vencer: Jenny Beavan (O Discurso do Rei)

Votaria em: Mary Zophers (Bravura Indômita)

Aqui a história se repete como em Direção de Arte: a preferência é por filmes de época com luxuosos vestidos, principalmente, usados por monarcas ingleses. Por que essa tradição seria quebrada esse ano justamente com o filme que totaliza o maior número de indicações nessa edição? No entanto, substitua os longos por ternos elegantes e peças muito bem modeladas e temos Jenny Beavan já preparando seu discurso de rainha. Não vi “A Tempestade”, confeccionado pela grande Sandy Powell, mas acho que de 6.000 votantes, nem 500 conferiram o filme hahaha. Comemoro a presença do classudo italiano “Eu sou o Amor” na disputa, mas o figurino de “Bravura Indômita” imprime a alma de seus personagens, num rico trabalho de vestimentas repleto de detalhes e acabamentos concisos, secos, sem firulas – o oposto de “Alice no País das Maravilhas”, cuja desenhista icônica, Colleen Atwood, tem grandes chances de levar o seu terceiro pra casa.

MELHOR TRILHA SONORA

Vai vencer e Votaria em: Trent Reznor e Atticus Ross (A Rede Social)

Mais crédito que o Oscar ganha comigo esse ano por selecionar cinco potentes trilhas sonoras no meio de tantas outras igualmente memoráveis – “Tron – O Legado”, “O Escritor Fantasma”, “O Mágico” só para citar algumas que ficaram de fora. Todas são merecedoras, mas a Academia tem a chance de fugir da obviedade premiando um trabalho mais autoral e moderno. Refiro-me às composições eletrônicas viciantes do frontman do Nine Inch Nails em parceria com o músico Atticus Ross para o “filme do Facebook”.

MELHOR MAQUIAGEM

Vai vencer: Minha Versão do Amor

Votaria em: Abstenção

Aqui só me resta palpitar, porque dos 3 indicados, só assisti “O Lobisomem”, que sai na frente como a principal aposta entre a maioria. Mas tanto “Caminhos da Liberdade” quanto “Minha Versão do Amor”, filmes que não dependem exclusivamente deste departamento para contar suas histórias, foram bem recebidos e podem surpreender na premiação. É o que espero. Sem contar que “O Lobisomem” é uma caganeira, né?

MELHOR MIXAGEM DE SOM

"The Social Network" Sound for Film Profile from Michael Coleman on Vimeo.

Vai vencer e Votaria em: A Rede Social

Outra categoria bem formada, mas que ficaria irretocável com a presença de “Tron – O Legado” e “Cisne Negro”. O padrão da Academia é premiar os mais barulhentos, mas o design sonoro de “A Rede Social” é fora de série. Os diálogos bem definidos e encorpados sonoramente – um filme majoritariamente concentrado em conversas – em combinação perfeita com a riqueza da trilha sonora bem encaixada resultam em um trabalho soberbo. “A Origem” tem grandes chances de se consagrar, o que não seria injusto de forma alguma. Mas lembramos que foi o filme dos Coen que venceu o sindicato. Aí a situação fica mais apertada...

MELHOR EDIÇÃO DE SOM

SoundWorks Collection: The Sound of TRON LEGACY from Michael Coleman on Vimeo.

Vai vencer e Votaria em: A Origem

Finalmente “Tron” consegue entrar em alguma coisa! Mas não é páreo para os efeitos sonoros fabulosos concebidos por Richard King, cada vez mais próximo de sua terceira estatueta dourada. “Como Treinar o Seu Dragão” e “Cisne Negro” mandaram lembranças.

MELHORES EFEITOS VISUAIS

Vai vencer e Votaria em: A Origem

Quase não dormi tentando decidir em qual votaria... mas não há dúvidas de que o Troféu Abacaxi vai para “Além da Vida”, que só entrou na categoria por uma única cena (redundante, mas devo enfatizar), que é a do Tsunami, deixando “Tron” e “Scott Pilgrim Contra o Mundo” de fora. Porém, é no mínimo hilário ver um filme de Clint Eastwood indicado a Efeitos Visuais rs.

MELHOR CANÇÃO ORIGINAL

"Algum leitor quer que eu cante na sua festa de aniversário?"

Vai vencer e Votaria em: “We Belong Together” (Toy Story 3)

Se antes achava a categoria bem irregular, com o tempo, aprendi a gostar das músicas indicadas – algumas foram vencidas pelo cansaço, confesso. Essa é uma das categorias mais difíceis de se prever, é chute de trivela. Eu aposto que Randy Newman leva o seu segundo, porém não se deve descartar a possibilidade de ser batido pela Rapunzel, do alpinista amputado ou pela a cantora country decadente. Aqui é questão de gosto pessoal mesmo, não tem muitos critérios para escolher o vencedor. Pra falar a verdade, sou indiferente a qualquer que seja o escolhido dessa categoria. Qualquer um está valendo.

PODCAST

Participei junto aos companheiros Klerky Washington e Alessandro Zanchin, do blog Mise-en-Cine, de um podcast especial com as previsões ao Oscar de todas as categorias. Para ouvir, clique aqui.

E pra não perder o bom humor, nem piada, nem o espaço, aqui um vídeo do que alguns esperam da cerimônia deste ano:

127 Horas

2011-02-18T13:10:00.006-02:00

Abril de 2003. Foi nesse período que o escalador Aron Ralston reservou um final de semana ensolarado para se aventurar em mais uma de suas expedições buscando explorar a beleza natural de escarpadas regiões montanhosas e aproveitar a espetacular paisagem geográfica para registrar a viagem com os dispositivos de sua única – e fiel – acompanhante, uma pequena câmera de mão. O lugar escolhido para o desbravamento foi o cânion Blue John, localizado nos confins do Estado de Utah, oeste dos Estados Unidos. Lá, Ralston conhece duas excursionistas perdidas e se oferece como guia para orientá-las no percurso, mas o destino do rapaz é outro: sua pretensão é chegar até um local estratégico para praticar rapel. No entanto, para economizar tempo e disposição física, o alpinista resolve cortar o trajeto por um atalho, mas se depara, literalmente, com uma pedra no meio do caminho. Ao apoiar-se nas paredes rochosas em uma fenda estreita, uma pedra de meia tonelada o derruba até à superfície e esmaga sua mão, o que lhe deixa prisioneiro no deserto por agonizantes 127 horas. As lembranças desse lamentável episódio deram origem ao livro “Between a Rock and a Hard Place”, recentemente adaptado para as telonas pelos oscarizados Simon Beaufoy e Danny Boyle. O resultado é uma experiência empírica das mais insuportáveis do cinema contemporâneo, e o filme em si uma das produções mais audaciosas e admiráveis em termos narrativos de 2010.

Afinal, a premissa do filme é um desafio por natureza. Como manter um público de espectadores acostumados com shows pirotécnicos de efeitos visuais permanecerem interessados em uma história que se passa quase integralmente no mesmo cenário e com um único personagem? Todos os departamentos do filme trabalham a favor para que “127 Horas” não se transforme em 93 minutos de pura monotonia, e conseguem a proeza com louvores. Não sei se é início de uma onda ou pura coincidência, mas o “cinema claustrofobia” é uma vertente que está ganhando certo destaque, considerando alguns lançamentos recentes, como “FilmeFobia” – terror brazuca experimental e pouco conhecido –, “Enterrado Vivo” e o 3-D “Santuário”, atualmente em cartaz nos cinemas. “127 Horas” incrementa esse tipo de exemplar, cuja sensação angustiante de sentir-se refém de alguma estrutura – sejam ela as profundezas do mar, um caixão ou uma rachadura entre duas montanhas – é a condição básica para o espectador corajoso que intenciona acompanhar o desfecho da armadilha casual.

Para potencializar o grau de desespero do protagonista encurralado e não deixar a sessão enfadonha, o roteiro aposta em flashbacks e algumas ilusões decorrentes da situação deplorável que ele se encontra – sem água e mantimentos, chega a beber a própria urina e comer a lente de contato. Assim, o espírito aventureiro que denunciava nos primeiros minutos se dissipa e o filme passa a investir em um drama existencialista. Durante os 5 dias que permaneceu preso nas rochas, Aron repensa a própria conduta, rendendo o melhor momento da trama quando simula um talk show representando ao mesmo tempo o anfitrião irônico e o convidado – ele mesmo – em posição desconfortável por reconhecer seus fracassos comportamentais sustentados pelo egoísmo, que o rapaz se autodeclara praticante ativo.

Sem demonstrar interesse de transformá-lo em um tipo de herói, “127 Horas” se mostra até relativamente intolerante com algumas atitudes reprováveis do alpinista, que perto da morte, passa a avaliar alguns acontecimentos dos quais se questiona os pensamentos que o levou às conclusões de seus atos – sobretudo quando envolve a namorada, que, aparentemente, ainda mexe com sua cabeça. Se algumas das recordações do protagonista se excedem e soam desnecessárias, outras beiram o lirismo, como quando Aron, enclausurado entre as rochas com direito a apenas 15 minutos diários de raio solar, se recorda de um evento da infância em que ele e seu pai assistem ao nascer do sol – sem dúvidas, uma lembrança que jamais lhe assaltaria a memória se não fosse pela emboscada que se encontra. Aí, entra em campo a espetacular montagem de Jon Harris, responsável não apenas pela requintada inserção dos flashbacks e pela dinâmica da tela dividida em partes, mas pelos cortes rápidos e precisos que entregam cada reação do rapaz com pontualidade.

Debruçando-se sobre uma linguagem moderna próxima ao videoclipe, que muito se aproxima daquela empregada em “Quem Quer Ser um Milionário?”, o diretor Danny Boyle se apropria do ritmo frenético, impulsionado pelo hábil jogo de câmeras registrando enquadramentos diferenciados, o que confere mais dinamismo à cena. Da mesma forma, Boyle utiliza recursos estéticos interessantes, como alternar o registro convencional do filme com a filmadora não-profissional de Ralston ou o recuo apressado adotado em duas cenas específicas, quando situa o espectador da profundidade em que ele se encontra e a distância do local até seu ponto de partida, evidenciado no momento em que o rapaz sedento fantasia uma bebida e a câmera localiza um Gatorade transpirando no banco traseiro de seu carro. Acompanhando todas essas alternâncias com propriedade, a fotografia da dupla Anthony Dod Mantle e Enrique Chediak é outro fator muito bem trabalhado no filme, desde a luz que salienta a aridez e o clima escaldante do cânion até a iluminação executada com profissionalismo, que altera conforme os diversos ângulos captados no mesmo ambiente.

As áreas técnica do filme, ressalto, são impecáveis. Contudo, o perfeito casamento telepático com que se comunicam pode passar despercebido por muitos espectadores não apenas pela aflição que a história evoca, mas devido ao tour de force de James Franco. Sem nenhum outro elemento para dividir a cena consigo, Franco é o centro absoluto das atenções e sua atuação é não menos que brilhante nas horas de desespero, de delírios, de esperança, tudo expressado com realismo, que, claro, não seria tão fiel se não fosse pelo desempenho dos profissionais técnicos. É uma pena, portanto, a desconfiança de que o filme vá sair com nenhuma estatueta entre as 6 categorias que compete no Oscar desse ano – incluindo Melhor Filme e Roteiro Adaptado. Mas analisando friamente a concorrência pesada, talvez essa possível “esnobada” possa consagrar filmes melhores. Ou então “O Discurso do Rei”.

NOTA: 8,0

127 HORAS (127 Hours) EUA, 2010
Direção: Danny Boyle
Roteiro: Simon Beaufoy e Danny Boyle
Elenco: James Franco, Kate Mara, Amber Tamblyn e Clémence Poésy

Bravura Indômita

2011-02-16T10:54:00.013-02:00

É inegável que os irmãos Joel e Ethan Coen sustentam uma das filmografias mais prolíficas do cinema contemporâneo. Fiéis a um estilo próprio que patentearam ao longo dos anos, é admirável a hábil transição de gêneros com que a dupla vem construindo sua carreira, sem deixar, no entanto, de empregar uma visão particular aos universos que concebem, geralmente sustentados por peculiaridades que fogem do padrão tradicional. É igualmente interessante e curioso o prestígio e respeito conquistado não apenas entre grande parcela da crítica, mas também a aprovação do público, que de uns anos para cá, se mostrou interessado pelos filmes “subversivos” dos irmãos, promovendo-os a absolutos sucessos de bilheteria. Após o merecido Oscar por “Onde os Fracos Não Têm Vez”, os Coen ganharam popularidade, e isso é comprovado pelo faturamento comercial da comédia lançada em 2008, “Queime Depois de Ler” – 60 milhões – e de seu mais novo trabalho, o remake da obra homônima de 69, “Bravura Indômita”. O retorno positivo deste último não representa um grande evento, mas é marcante se considerarmos que o novo filme da dupla foi vendido como um congênere do “faroeste clássico”. E convenhamos que para um gênero relegado no cinema recente atrair um significativo número de espectadores, que, ao todo contabiliza aproximados US$ 163 milhões somente nos Estados Unidos - a maior arrecadação dos 27 anos que estão em atividade – é um acontecimento e tanto.

Mas se por um lado fico contente com o reconhecimento, por outro, é impossível esconder o desapontamento por saber que o ápice da carreira dos Coen vem a ser com um dos exemplares mais inexpressivos do repertório artístico dos irmãos. Despindo-se da austeridade que caracteriza alguns de seus trabalhos mais memoráveis e exibindo baixo teor de ousadia em um enredo que casaria perfeitamente com uma típica abordagem incrédula, os diretores se resguardam ao optar por um tratamento convencional à trama. Essa escolha não significa exatamente um demérito, mas, da mesma forma, limita o desenvolvimento de alinhar a belíssima forma ao conteúdo pasteurizado.

Escrito pelos próprios, baseado no livro de Charles Portis, “Bravura Indômita” conta a história da destemida Mattie Ross (Steinfeld), uma garota de 14 anos que contrata o agente mais perigoso de Fort Smith, o beberrão Rooster Cogburn (Bridges), para encontrarem o covarde Tom Chaney (Brolin), autor do assassinato a sangue frio do pai da menina. Em meio à região montanhosa de Arkansas durante o inverno cortante, os dois partem à procura do criminoso, contando também com a colaboração do Texas Ranger LaBoeuf (Damon), que está atrás de Chaney há meses, de olho em uma recompensa gorda oferecida pelo Estado.

Em entrevistas para promover o filme, os Irmãos Coen disseram que o filme está mais para uma releitura da obra de Portis do que, essencialmente, um remake do faroeste protagonizado por John Wayne – que lhe rendeu um Oscar de Melhor Ator, com pinta de Honorário. No entanto, as comparações entre ambos são inevitáveis. Enquanto a produção de Henry Hathaway converte a história da garota em busca de justiça – ou vingança – em uma aventura com direito a cavalgadas intermináveis e uma trilha sonora empolgante – composta pelo gênio Elmer Bernstein –, a versão dos Coen se debruça em um drama com clima mais sombrio, reflexivo, com ritmo linear e diálogos mais bem elaborados. Infinitamente mais maduro e profundo do que o filme de 69, “Bravura Indômita”, contudo, substitui a mastigação pedante do original por uma verborragia desnecessária, denotando o oportunismo dos roteiristas em encaixar certas informações requeridas pela obra literária em qualquer “buraco” do script, como o momento em que Cogburn conta o episódio em que roubou um banco à Mattie em pleno posicionamento de ataque sobre uma colina. Isso sem mencionar as desavenças entre o federal e LaBoeuf forçadas pelo roteiro, cuja única clara intenção é afastar o personagem de Damon para que o mesmo retorne, cenas depois, em um momento de perigo em que os protagonistas necessitam de ajuda.

Beneficiado por um elenco homogeneamente eficaz, Jeff Bridges faz o possível para não se render completamente à caricatura natural de seu personagem embrutecido, e é bem sucedido nesse quesito, embora soe invariavelmente prosaico em algumas situações. O ator acerta nas soluções encontradas para rodear os estereótipos que sua figura carrega sem render integralmente a eles. Enquanto isso, Matt Damon empresta o sotaque texano para compor o sensível policial que, a princípio, se apresenta como uma barreira para a captura do bandido, mas logo se revela um verdadeiro cúmplice para a missão dos protagonistas. Indicada ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante quando, na verdade, é a grande protagonista da história, Hailee Steinfeld estreia no cinema exibindo segurança em um papel dramático que exige habilidade da intérprete, e a novata de 14 anos se sai admiravelmente bem na composição de Mattie, alternando com naturalidade a teimosia e persistência de lutar com a fragilidade e insegurança típicas de uma garota tão nova, vinda do campo. E se Josh Brolin nada faz aqui, devo destacar a curta, porém excelente aparição do irreconhecível Barry Pepper como o fora-da-lei Lucky Ned Pepper, que para um bandido temido se revela um homem atencioso para ouvir os relatos da jovem.

Aliás, a tridimensionalidade dos personagens é um dos pontos positivos do roteiro de “Bravura Indômita”. Se muitos espectadores ficarão insatisfeitos pela ausência de cenas aventureiras e de combate – que para um filme que se vende “faroeste”, é mesmo um chute no saco –, ao menos, não podem reclamar do desenvolvimento pessoal de cada personagem, que apoiados em boas atuações, se mostram não apenas figuras representadas, mas seres humanos afundados em sua complexidade.

Emoldurado em uma fotografia magnífica concebida pelo veterano Roger Deakins – parceiro habitual da dupla – e embelezado pela trilha sonora pura e nostálgica do ótimo Carter Burwell, “Bravura Indômita” ganha pontos por retratar uma narrativa ultrapassada com lucidez, mas é sacrificado pela monotonia excessiva e perde o tom devido ao conformismo desestimulante da direção. Alguns ainda teimam em identificar certas “marcas registradas” dos irmãos cineastas no filme, mas, pra mim, precisa muito mais do que um indígena enforcado na árvore sem motivo aparente ou um homem vestindo couro de urso para me convencer de que este é um Coen autêntico.

NOTA: 6,0

BRAVURA INDÔMITA (True Grit) EUA, 2010
Direção e Roteiro: Joel e Ethan Coen
Elenco: Jeff Bridges, Hailee Steinfeld, Matt Damon, Josh Brolin e Barry Pepper

Cisne Negro

2011-02-12T18:37:00.009-02:00

Se traçarmos um paralelo entre os quatro filmes anteriores que compõem a curta filmografia do diretor Darren Aronofsky e o seu último, “Cisne Negro”, é possível identificarmos alguns aspectos ressonantes ao núcleo principal desta obra. A obsessão doentia pelo matemático que entra em colapso mental no obscuro “Pi”; o vício deteriorante dos personagens infelizes que povoam o chocante “Réquiem para um Sonho”; a dedicação integral do cientista vivido por Hugh Jackman no belo “Fonte da Vida”; e a exposição do corpo aos sacrifícios que peleja “O Lutador” de Mickey Rourke para chegar à forma. Guardadas as devidas proporções, essas também são algumas submissões que a insegura personagem central de “Cisne Negro”, a jovem bailarina Nina Sayers (Portman) enfrenta – involuntariamente, em alguns casos – para consagrar uma performance nos palcos sem deixar vestígios de erros. O combustível que a move – e desloca Nina para um pesadelo extremo – é o objetivo de ser perfeita. Partindo de um conceito amplamente subjetivo e inalcançável em muitas ocasiões, Aronofsky mais uma vez localiza seus personagens em momentos de insanidade, submerge sua câmera no psicológico corrompido da protagonista e convida o espectador a um verdadeiro e fascinante espetáculo de horrores, fruto das loucuras comportamentais e dos delírios violentos antes sufocados por Nina, que no filme despertam e são externalizados pela garota com fúria absoluta.

Todos os sentimentos reprimidos pela jovem, seja por conta da rígida educação da mãe controladora ou talvez pelas próprias limitações que impunha a si mesma, ganham nova dimensão e se “materializam” em devaneios assombrosos que chegam a ponto de fundir-se com a realidade. E é justamente nessa amálgama de acontecimentos envolvendo o real atrelado à mente conturbada de Nina que “Cisne Negro” se revela um filme tão inspirado e entorpecedor. A estrutura do pensamento remete a David Lynch, sobretudo o ousado “Império dos Sonhos”, cuja protagonista vivida por Laura Dern é uma atriz que adota nova personalidade devido à concentração intensiva que dá à sua personagem no filme dentro do filme, o que não se difere muito daqui. Nina está tão concentrada em interpretar Odile, a irmã malvada do Cisne Branco e uma das personagens fundamentais da produção “O Lago dos Cisnes”, que a bailarina acaba ganhando características físicas da ave e agindo de maneira estranha, conforme o perfil sedutor e agressivo do tal Cisne Negro do título.

Além das tentativas de superar as próprias exigências, Nina se depara com três fatores externos que, vistos pela protagonista como uma ameaça para que ela atinja a perfeição, funcionam como um motor que intensifica seu quadro de loucura. Um deles, naturalmente, é o diretor artístico da produção, Thomas Leroy (Cassel, excelente), um profissional crítico e exigente, que vê potencial em Nina, mas reclama com frequência dos passos fundados no classicismo e no rigor estético matematicamente calculado da bailarina ao se apresentar, o que vai de encontro com a sensualidade e caráter explosivo do Cisne Negro. Dentro de casa, a figura da mãe opressora, em quem Nina se espelha inversamente, pois tendo sido também uma bailarina no passado, Erica (Hershey, espetacular) fracassou como dançarina e abandonou a carreira nos palcos para se dedicar à maternidade – aliás, há uma cena fabulosa que se transforma em uma luta de egos entre mãe e filha, quando uma se vê logo rebaixada, aponta a fragilidade da outra para se sobressair. E, por fim, a presença da bela e hedonista Lily (Kunis, de tirar o fôlego), uma das bailarinas da mesma companhia que ambiciona “roubar” o papel principal do espetáculo das mãos / asas de Nina.

A despeito de Winona Ryder, que se perde no overacting, o elenco de apoio é irretocável, exibindo um dinamismo em cena que impressiona. Grande contribuição, inclusive, se deve ao soberbo trabalho de Darren Aronofsky, finalmente sendo reconhecido pela competência que vem demonstrando há pouco mais de uma década – a tardia indicação ao Oscar de Melhor Diretor fala por si. Aronofsky é conhecido por extrair o máximo de seus atores, sendo não apenas habilidoso na condução da história, mas atencioso e detalhista ao explorar seu elenco. Porém, mais que isso, o diretor recusa a abordagem como simples testemunha, optando por mergulhar de cabeça – assim como sua protagonista – no mundo de balé, tanto em trazer o cotidiano das bailarinas para garantir mais autenticidade, como pela opção de transformar sua câmera em um mais um dançarino ao acompanhar os admiráveis movimentos de Nina, que atinge o ápice na sufocante e inesquecível sequência final, uma das mais acachapantes que conferi recentemente no cinema. Entregando uma mise em scène espetacular, Aronofsky ainda situa o espectador no inconsciente da bailarina, acompanhando todos os seus desequilíbrios sem perder o tom e ainda é feliz por provocar e permanecer uma constante sensação de mistério que acompanha o filme – como a opção de vários personagens surgindo de âmbitos escuros, mais uma referência a Lynch, e que o fotógrafo Matthew Libatique capta com perfeição.

Vale destacar a interessante relação do diretor com os espelhos que decoram diversos cômodos, tanto na casa, como na companhia de dança. A interpretação varia, porém observo que os reflexos anunciam significados mais densos que mereciam uma parte 2 da crítica para ser explicado. Essa preocupação com os detalhamentos só reforça a brilhante direção de Aronofsky, que vem a cada projeto se confirmando como um dos melhores de sua geração. E já falando nos espelhos, que, grosso modo, encaro um obstáculo que impede Nina de respirar e enxergar outro mundo a não ser o do balé, o design de produção de “Cisne Negro” oferece um trabalho genial, pois solidifica as ideias da história, como o realce das obsessões compartilhadas pela protagonista. Percebam a cena em que ela toma banho na banheira a presença de um quadro com dois patos brancos posicionado sobre sua cabeça, ou até mesmo em seu quarto, rodeado de ursos de pelúcias indicando sua meiguice, o momento em que decide seguir os conselhos de Thomas e se masturbar, um urso de cisne negro aparentemente a encarando como se reafirmasse “sweet girl”. Sem contar o porta-jóias com a bailarina e o toque do celular com a música-tema de Tchaikovsky, elementos que aprisionam a bailarina em um mundo do qual nem a própria parece ter intenções de sair – nem que isso a leve à autodestruição.

Abraçando as questões psicológicas e complexas da personagem com total convicção, Natalie Portman incendeia a tela com sua atuação visceral e de total entrega, em um dos melhores trabalhos de composição de personagem que vi neste ano. É fantástico perceber como a atriz incorpora toda a insegurança de Nina, mas se revela verdadeiramente assustadora em outras cenas, algumas vezes até no mesmo take, como a cena no camarim – sinto o frio na espinha só de lembrar. Isso sem falar no esforço físico de aprender as técnicas desse dificílimo esporte no intervalo de um ano – claro, com a ajuda de dublês, a via crúcis fica mais fácil, mas se Portman não aprendeu, devo confessar, que é ainda mais admirável por ter sido tão convincente.

Dessa forma, unindo dois trabalhos fabulosos e que encontraram a química perfeita, o sucesso de “Cisne Negro” e o reconhecimento na temporada de premiações – 5 míseras indicações ao Oscar, merecia mais... – se dá principalmente à catarse do diretor ao lado de sua atriz em estado de graça. Se ao final de “Bastardos Inglórios”, o diretor Quentin Tarantino reconhece que talvez esteja diante de sua obra-prima, a última fala de Natalie Portman em “Cisne Negro”, eu diria, não se limita apenas à personagem, mas também ao seu desempenho espetacular no filme. Quem viu, sabe.

NOTA: 9,5

CISNE NEGRO (Black Swan) EUA, 2010

Direção: Darren Aronofsky

Roteiro: Mark Heyman, Andrés Heinz e John McLaughlin

Elenco: Natalie Portman, Vincent Cassel, Mila Kunis, Barbara Hershey e Winona Ryder

O Vencedor

2011-02-07T10:00:00.004-02:00

Em uma desses vários cartazes de campanha para as premiações, os chamados FYC (For Your Consideration), que objetiva chamar a atenção de votantes dos mais diversos círculos e associações para que reconheçam a qualidade do filme ou algum trabalho interno da produção, deparei-me com este em que um crítico exalta “O Vencedor” como um mix satisfatório de “Rocky” com “Um Sonho Possível” – e colocaram “Os Infiltrados”, do Scorsese, no balaio sem motivo aparente. A ligação com a história romanceada do pugilista interpretado por Stallone é óbvia, já que “O Vencedor” também é ambientado em um bairro de classe trabalhadora e seu protagonista é um boxeador que luta (literalmente) pelo reconhecimento de sua carreira. O que fez grande parte dos cinéfilos torcerem o nariz foi a menção ao filme de Sandra Bullock, que transformou uma bela história real de perseverança em uma enxurrada de clichés acovardados, comprovando ser uma legítima armadilha sentimental. Entretanto, para manter o equilíbrio, a interessante equipe de envolvidos na criação artística de “O Vencedor” assinalava um motivo suficiente para dar chances ao drama. O resultado final não foge do esperado: um trabalho bem realizado, com os alicerces fortificados em aspectos convencionais e estereotipados dos “filmes de superação”, uma distinção que parece, a cada ano, se consolidar como um gênero. No mais, se reproduz chavões aqui e acolá, por outro lado, o filme se torna compensatório e cativante pelos esforços do diretor e por um elenco impecável.

Roteirizado a oito mãos, “O Vencedor” se baseia na história real do revestidor de calçadas Micky Ward (Wahlberg), que nas horas de descanso, veste suas luvas e sobe ao ringue para ser treinado pelo irmão, Dicky Ward (Bale), um antigo boxeador que já vivenciou seus dias de glória, mas hoje se encontra rendido pelas drogas. Em uma de suas disputas agendadas, de última hora seu oponente fica gripado e incapaz de lutar, mas Micky é convencido pelo irmão treinador e pela mãe empresária, Alice (Leo), de que ele não pode desistir à essa altura. Humilhado em cima do ringue por um adversário mais forte e com peso superior ao seu, o rapaz encontra confiança nos braços da namorada Charlene (Adams), que não demora muito para perceber os abusos da família do rapaz, pois o usa como estepe para faturar uns trocados. Surge uma relação conflituosa em que Micky se vê profundamente dividido entre a tradição familiar que sempre o ajudou – apesar dos interesses – e a escolha de alavancar sua carreira com o auxílio de profissionais do ramo, tese defendida pela mulher que ama.

Como se percebe pela sinopse descrita, “O Vencedor” não é um filme sobre boxe, mas utiliza o universo desse esporte para assentar sua história sobre companheirismo, persistência e desintegração familiar. A trama é conhecida, batida de muitos outros exemplares, mas as qualidades que diferenciam esse trabalho dos demais é o desempenho dos envolvidos e a maneira humanista e apaixonada de como o enredo é desenvolvido, sendo muito desses ganhos decorrentes da ótima condução do diretor David O. Russell. Vivendo sempre à margem de Hollywood, apesar dos bons filmes que preenchem seu currículo – entre eles, “Três Reis” e “Huckabees – A Vida é uma Comédia” –, até agora, este é o ápice de sua carreira. Alguns vão acusar O. Russell de trair sua pessoalidade com um drama tão banal, mas mesmo com um material gasto, a mão do diretor é determinante para o sucesso do filme, que não desvia todos os clichés, mas, ao menos, sua abordagem quase documental contorna e dá fôlego para boa parte deles.

Da mesma forma, o elenco em perfeita sintonia garante mais emoção e autenticidade a “O Vencedor”, suplantando a ideia de que até mesmo os estereótipos dos gêneros, se bem trabalhados, podem dar bom acabamento para uma história. E voilá! Absolutamente todos os personagens do filme são caricaturas, mas as representações dessas figuras ganham complexidade e se revelam atraentes devido aos trabalhos admiráveis dos atores. Mais uma vez se submetendo a transformações físicas para compor um personagem – vide “O Operário” e “O Sobrevivente” –, desta vez, Christian Bale emagreceu vários quilos e ficou semi-calvo para interpretar Dicky, um homem na casa dos 40 anos, que se vangloria por ter nocauteado o mito do boxe Sugar Ray Leonard – que faz uma pequena aparição no filme. Mas por trás de toda noção de estrelismo, esconde um irmão carente e atencioso, que ainda que se demonstre relapso e irresponsável com os treinos, ama Micky incondicionalmente. E nessa variante de hiperatividade, ternura e um pouco de agressividade, Bale se mostra como o verdadeiro protagonista do filme, dominando todas as cenas em que aparece e roubando todas as atenções pra si. Sua atuação irrepreensível encontra a parceria perfeita com a interesseira Alice, vivida com total entrega pela excelente Melissa Leo.

Amy Adams encontra em sua Charlene a oportunidade de se desfazer da imagem que a definiu da garota bonitinha, certinha e apaixonante – vide “Retratos de Família” e “Encantada”, interpretando uma jovem determinada que não leva desaforo para casa, nem que seja para resolver seus problemas na porrada. E Mark Wahlberg, também assumindo o posto de produtor do filme – assim como Darren Aronofsky, um dos produtores executivos da fita –, com seu personagem sensível, mas pouco exigente em questões de dramaticidade, assume total importância na trama por, além de ser o principal fator que move a história, também funciona como o elo catalisador que liga todos os demais personagens.

Enfraquecido pelas cenas de boxes pouco empolgantes e ainda por forçar a barra em algumas cenas, como a permanência de Dicky na prisão, que lhe dá o direito de assistir a um documentário na TV a cabo e a acompanhar a luta do irmão por telefone com a mãe – depois reclamam do sistema carcerário do Brasil... –, o filme é bem recriado pelo trabalho de figurino assinado por Mark Bridges e pelo visual cru, setentista, apesar de o filme se passar em 1993. Nomeado a 7 indicações ao Oscar, “O Vencedor” não é uma embriaguez de originalidade, nem nada, mas o lugar-comum do filme é muito bem executado a ponto de fazer o espectador acreditar que tudo é novidade.

NOTA: 7,0

O VENCEDOR (The Fighter) EUA, 2010
Direção: David O. Russell
Roteiro: Scott Silver, Paul Tamasy, Eric Johnson e Keith Dorrington
Elenco: Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo e Jack McGee

Cinelista: As 10 Melhores Cenas de Striptease do Cinema

2011-02-03T19:32:00.006-02:00

10) Jamie Lee Curtis em “True Lies” (1994)

“C*r*lh*, essa aí é a irmã do Michael Myers?!”, admira um adolescente de 15 anos. Do clássico de John Carpenter para um dos filmes de ação mais marcantes e mentirosos (a evidência está até no título) dos anos 90, a sensacional Jamie Lee Curtis não deixou sua imagem restrita apenas à rainha do grito que deu vida nos dois primeiros capítulos da série “Halloween” – depois voltaria 20 anos depois em mais duas sequências desnecessárias. A filha de Tony Curtis e Janet Leigh vingou no cinema revelando um timing cômico surpreendente, como o conferido em “True Lies”, filme do na’vi James Cameron antes de afundar o navio. Sinceramente, eu não conseguiria pensar em outra atriz para protagonizar essa sexy e divertida cena com a mesma desenvoltura com que Curtis a domina. Difícil é desgrudar os olhos de seu corpo perfeitamente esculpido, mas se o leitor conseguir, vai perceber nas próprias expressões da atriz que, por trás de toda a sensualidade desfilada pela personagem, esconde ali uma excelente comediante que está, obviamente, se divertindo. E não posso deixar de comentar as caras de sonso de Arnold Schwarzenegger, provando que nem para admirar a dança naturalmente hipnotizante, o cara convence.

9) Michael Ontkean em “Vale Tudo” (1977)

Talvez não seja o melhor filme de esportes, mas certamente o original “Vale Tudo”, dirigido por George Roy Hill, é um dos mais engraçados, feel good movies politicamente incorretos que já vi. É de se surpreender Paul Newman em um papel despretensioso como o técnico de hockey sarcástico e inesquecível pelas suas tiradas ofensivas dirigidas aos jogadores que treinava ou a quem pretendesse prejudicar seu time. No entanto, ainda com a contribuição do eterno “indomável” engrandecendo o filme, “Vale Tudo” não teria o mesmo apelo se não contasse com um ótimo time de comediantes em total sintonia, que dão o tom certo ao projeto. Entre eles, Michael Ontkean e seu striptease na pista de gelo enquanto os adversários se esmurram pelos desentendimentos da partida. Com o apoio da banda e aprovação do público feminino presente na arquibancada, Ontkean liga o “foda-se” para a competitividade do jogo fracassado e faz o seu show particular em uma cena hilária que desmoraliza a seriedade com que são encarados os torneios esportivos. Score!

8) Demi Moore em “Striptease” (1996)

Com merecimento, “Striptease” foi o grande vencedor do Framboesa de Ouro em 97, abocanhando 6 troféus, incluindo Pior Filme e Pior Diretor. Andrew Bergman, que dirigiu a parafernália, até foi receber pessoalmente a distinção pelo seu trabalho. Esse Cinelista não tem a intenção de avaliar o resultado da obra, e sim, levantar as melhores cenas de striptease do cinema. E, justiça seja feita, seria uma marmelada a ausência deste filme no ranking. Sem dublês, Demi Moore deixa o público do clube onde trabalha para levantar uma grana com o queixo caído, o que inclui Burt Reynolds dando aulas de canastrice. A performance selvagem e explosiva da dança atrelada ao “conjunto da obra” de Moore proporcionam a cena-chave da história, talvez a única que preste no meio disso tudo.

7) Linnea Quigley em “A Volta dos Mortos Vivos” (1985)

Quigley é considerada uma rainha dos filmes B dos anos 80. Entre seus sucessos, estão “A Noite do Demônio” e o aclamado pelos alternativos “Hollywood Chainsaw Hookers”, que conta a história de uma gangue de prostitutas armadas com serras elétricas para se defenderem dos clientes mal intencionados. How cool is that? Entretanto, Linnea Quigley só conseguiu esses papeis depois da ótima repercussão de sua Trash – o nome já diz muita coisa –, uma garota punk, de cabelos vermelhos e maquiagem pesada, que junto aos amigos, tentam fugir dos cadáveres ressuscitados por um gás tóxico na pacata Louisville em “A Volta dos Mortos Vivos”. A cena mais marcante do filme e que elevou a atriz à adoração dos nerds punheteiros foi a sequência em que, filosofando sobre a sensação de ser devorada por um zumbi, sobe em uma túmulo no cemitério e faz um striptease bizarro e escandaloso para a sorte daquelas criaturas que ainda não tiveram seus olhos consumidos por vermes terrestres. A cena é inesperada e fantástica, virou um clássico do trash. Na real, a atriz tem uma aparência meio piranha, mas gosto de sua personagem diferente neste filme, que não é a loira peituda, sempre em perigos. Isso se chama diversificar as opções artísticas. Ou não.

O YouTube não tem o vídeo disponível da cena específica do striptease, infelizmente, mas este é o início e já dá uma boa amostra do que esperar.

6) Kim Basinger em “9 ½ Semanas de Amor” (1986)

A cena do striptease de Kim Basinger em “9 ½ Semanas de Amor”, no auge de sua beleza, é icônica. Foi a partir daí que a música “You Can Leave Your Hat On” na voz do cantor Joe Cocker se tornou a clássica trilha sonora para tirar a roupa na frente do(a) companheiro(a). Um ambiente com a fotografia mergulhada em sombra propositalmente para não revelar tudo – talvez esse o segredo do melhor striptease: o não mostrar tudo –, a roupa que acompanha os movimentos do corpo perfeito e... Kim Basinger, né, acho que nem preciso ficar me prolongando sobre a beleza enfática da atriz, que, até hoje, aos 57, bate um bolão. Daí o leitor se pergunta: “oras, se a cena é tão boa assim, então por que está na 6ª posição”. Eu respondo: “Mickey Rourke”. Todo mundo está “entusiasmado” com o strip de Basinger e temos que aguentar o macaco de circo do Rourke, que mais parece estar assistindo a um filme de Chaplin ou fazendo caretas para um bebê sorridente do que vendo a atriz dançar, de tão over e mané que está em cena. Ao menos, Schwarzenegger na 10ª posição não rebaixava a cena; aqui, Rourke a torna semi-brochante. Troféu Abacaxi pra ele e para o diretor Adrian Lyne, que deve gargalhar quando sua esposa decide tirar a roupa e talz.

5) Sophia Loren em “Ontem, Hoje e Amanhã” (1963) e “Prêt-à-Porter” (1994)

O tempo foi muito generoso com Sophia Loren, uma das atrizes símbolos, talvez a mais importante, do cinema italiano em sua época de ouro. Aliás, a safra italiana de atrizes daquela época era praticamente insuperável no quesito beleza, vide Claudia Cardinale, Silvana Mangano, Sandra Milo, Giulietta Masina... a lista é farta. Em 1963, interpretando a prostituta solidária Anna na terceira parte da comédia “Ontem, Hoje e Amanhã”, do mestre Vittorio de Sica, Loren atende ao pedido de seu cliente fiel, Marcello Mastroianni – este foi o 4º filme dos 13 que o casal dividiria a cena –, e faz um striptease para inveja das espectadoras e delírio do público masculino, incluindo o diretor Robert Altman. Tanto é que trinta anos depois, o cineasta fez uma dobradinha de striptease com Loren e Mastroianni como voyeur em uma passagem de “Prêt-à-Porter”, homenageando o saudoso de Sica, mas “invertendo” os papéis, como se o homem, dessa vez, se vingasse ao que a personagem lhe fez no filme de 63. Além de um corpo que dispensa adjetivações, o sorriso de Sophia Loren e seus olhos grandes de felina encantam qualquer um. Eu também uivaria que nem um idiota rs.

4) Rebecca Romijn em “Femme Fatale” (2002)

“Sério que essa é a Mística do X-Men”, admira o mesmo adolescente de 15 anos. E finaliza: “vou pro quarto. Não esperem por mim”.

Fim da história.

3) Abigail Breslin em “Pequena Miss Sunshine” (2006)

Eu já coloquei um homem na lista, agora uma criança? Sinto-me obrigado a relembrar o leitor de que o tema dessa Cineslita é elencar as 10 melhores CENAS de striptease do cinema, e não a mais sensual. Embora isso conte pontos para algumas, este, obviamente, não é o caso. São várias as explicações para Abigail Breslin estar muito bem posicionada, tanto pela sua dança inocentemente perversa até a resolução da cena, que é fantástica. Mas talvez o principal motivo seja o “suspense” criado em torno do filme sobre a apresentação da garota nesse maldito concurso freakshow e o espectador se deparar com uma criança linda, real, sincera, obediente, uma criança de verdade que só quer subir no palco e mostrar o seu melhor. A cena é hilária e comovente ao mesmo tempo. “Pequena Miss Sunshine” é um dos filmes mais bacanas e acolhedores visto nos últimos anos, e sem Abigail Breslin nada disso existiria.

Ah, perdoem a versão dublada em italiano da cena, é que Fox retirou o vídeo original do YouTube, provavelmente porque ninguém mais locava o filme por já saber o final.

2) Jane Fonda em “Barbarella” (1968)

“Barbarella” é um filme esperto. As mulheres vão querer assistir porque a protagonista é uma heroína, uma figura forte, mas que não se abdica de sua beleza e feminilidade. E os homens vão querer ver porque... bom, porque não tem melhor maneira de conquistar o público masculino no cinema do que exibir um striptease de Jane Fonda já nos créditos iniciais. Pronto, sucesso garantido. Mas, curiosamente o filme foi um fracasso retumbante nas bilheterias da época de seu lançamento e foi o tempo que o elevou a status de cult. A cena é engraçada pelo amadorismo dos efeitos visuais e hilária pela maneira sensual em que a personagem-título arranca sua roupa de astronauta quando não tem ninguém a observando, sendo o único striptease da Cinelista que não tem um espectador. Sem dizer que tirar a roupa, fazer contorcionismos e exibir esse belo corpo com gravidade zero não é privilégio de muitos; a única que vi fazendo até hoje foi Ba-Ba-Barella. Um clássico obrigatório.

1) Robert Carlyle, Mark Addy, Tom Wilkinson, Paul Barber, Steve Huison e Hugo Speer em “Ou Tudo Ou Nada” (1997)

O que eu deveria comentar aqui? Que essa é uma das melhores comédias dos anos 90 e que esse final, especificamente, é um dos mais engraçados do cinema? Play!

Inverno da Alma

2011-01-31T11:18:00.003-02:00

Não é muito comum o cinema norte-americano mostrar com sinceridade as fraquezas sociais da América, como regiões de extrema indigência que aparentam ainda viver na Idade Média, considerando os hábitos e costumes das pessoas que povoam o local aliado à falta de prosperidade que estas sentem, vítimas do cenário precário o qual estão aprisionadas. O desbravamento de Wim Wenders em “Medo e Obsessão” (2004), por exemplo, chama a atenção para uma parte de Los Angeles devastada pela miséria e violência – e o cineasta alemão objetiva com sua investigação colocar em cheque o encantamento que muitos espectadores sentem em relação aos Estados Unidos, a famosa “terra dos sonhos”. Ambientado do outro lado do país, entre o Estado de Nova York e o Canadá, “Rio Congelado” (2008) é outra produção que não faz concessões em retratar as condições inóspitas dos personagens, que encontram na ilegalidade a solução mais fácil de substituir o almoço à base de pipoca e suco artificial por uma refeição decente. Outro interessante e corajoso filme que mergulha na pobreza e na ignorância dos personagens, emprestando uma região de penúria para contar sua história é o depressivo “Inverno da Alma”, o independente mais elogiado pela crítica em 2010. Além da relação com o espaço, os três filmes se dialogam por apresentarem heroínas nos papéis centrais, vividas de forma intensa e convincente por três atrizes notáveis do cinema americano atual: Michelle Williams, Melissa Leo e Jennifer Lawrence. E não é à toa que o trio está indicado ao Oscar este ano – as duas primeiras, claro, por outros trabalhos.

Situado nas Montanhas Ozark, região subdesenvolvida que compreende os Estados de Missouri e Arkansas, no sul dos EUA, o roteiro escrito pela também diretora Debra Granik em parceria com a sócia, Anne Rosellini, se desenvolve nos esforços de Ree (Lawrence), uma garota de 17 anos que abdica do sonho de ingressar o Exército para cuidar da mãe doente e de seus dois irmãos caçulas. Um dia, a jovem recebe a visita do xerife da região, informando-lhe que seu pai traficante de drogas pagou a fiança da prisão, mas alienou a casa e toda a madeira do território como garantia de sua liberdade; porém ele precisa comparecer ao tribunal nos dias seguintes, caso contrário, todas as posses da família ficarão sob a guarda da Polícia. Ree se encarrega de procurar o pai, mas a busca incessante se torna ameaçadora quando a garota se envolve com alguns membros da vizinhança, o que inclui seu tio violento, Teardrop (Hawkes).

Para facilitar a própria via crúcis que se anuncia, ela vai à propriedade de algumas pessoas para ajudá-la, e o roteiro se revela perspicaz e eficiente na apresentação dos personagens secundários, exibindo o perfil de cada figura infeliz que rodeia aquele ambiente atrasado, em um curto espaço de tempo. Sem auxílio e ainda levando desaforo pra casa, resta à protagonista a custosa missão de partir na jornada sozinha, entretanto, sem abandonar as responsabilidades que assume para sustentar sua família. E são nessas duas variações interligadas do enredo que o roteiro enxuto da dupla se desenvolve, abrindo espaço tanto para a beleza natural de algumas cenas, como quando ensina os irmãos a manusearem uma espingarda ou a esfolarem um esquilo para comerem, como outros momentos que envolvem situações violentas e dolorosamente insuportáveis. O grande mérito de Granik e Rosellini é manter o filme sobre um manto de imprevisibilidade, o que potencializa ainda mais a curiosidade do espectador diante do (chocante) desfecho da história.

Segundo trabalho nos cinemas de Debra Granik – o primeiro foi “Down to the Bone”, que impulsionou a carreira da atriz Vera Farmiga –, “Inverno da Alma” traduz uma concentração narrativa admirável. Não apenas em relação à história, mas no que concerne à delineação dos personagens, à importância de cada um e suas reações mediante ao que reúne todos naquele espaço: o sumiço do pai da garota. Sem querer apresentar provas concretas, Granik deixa a cargo do espectador a desconfiança e a crença do que julgar mais coerente para a resolução do caso; a dúvida é bastante incômoda, mas o realismo cruel de “Inverno da Alma” definitivamente não intenciona passar a mão na cabeça do espectador, e o gradativo tom de suspense estabelecido pela diretora confirma essa declarada “despreocupação” de afago.

Contando com um elenco de apoio predominante de rostos desconhecidos, John Hawkes deixa escapar ótimas nuances na sua caracterização como o tio ambíguo da protagonista, que mesmo se oferecendo disposto a protegê-la, não demonstra nenhum tipo de emoção com a sobrinha. Dale Dickley se beneficia pelo rosto marcado e se destaca como a vizinha fria e perigosa, uma mulher ignorante que recorre à violência física como principal método para resolver seus problemas. Chamo atenção para a curta, mas importante aparição de Sheryl Lee, a eterna Laura Palmer de “Twin Peaks”, que interpreta a amante do foragido. E, claro, resenhar “Inverno da Alma” sem comentar o tour de force de Jennifer Lawrence é o mesmo que escrever sobre “Psicose” e ignorar Hitchcock. Presenteada com uma personagem complexa e destemida, a semi-estreante imprime personalidade em um desempenho sóbrio e intenso. Entregando-se totalmente ao papel, a atriz não excede no sotaque sulista e interage com o ambiente sujo de maneira realista e sem espetacularizar nenhum movimento. Atuação contida de uma personagem robusta e bem definida, que lhe vale a atenção merecida que vem recebendo nas premiações, inclusive a recente candidatura ao Oscar de Melhor Atriz.

Além da nomeação para Lawrence, “Inverno da Alma” recebeu indicações para a atuação coadjuvante de Hawkes, para o roteiro adaptado do livro homônimo, de Daniel Woodrell, e Melhor Filme, representando a grande surpresa da categoria principal desta edição. E se frequentemente nas críticas eu lamento algumas traduções redutoras e estúpidas que muitas distribuidoras rebatizam os filmes estrangeiros no Brasil, também acho bacana reconhecer quando um título seja pertinente à obra. Além de lírico, “Inverno da Alma” se adequa perfeitamente ao coração petrificado em gelo e à inexistência de sangue nas veias da maioria daqueles corpos sem misericórdia, nem sentimentos. Uma grata surpresa.

NOTA: 7,5

INVERNO DA ALMA (Winter’s Bone) EUA, 2010
Direção: Debra Granik
Roteiro: Debra Granik e Anne Rosellini
Elenco: Jennifer Lawrence, John Hawkes, Dale Dickley, Lauren Sweetser e Garret Dillahunt

Eu Matei Minha Mãe

2011-01-27T10:19:00.005-02:00

Durante a aula de francês, a professora Julie (Clément) propõe um trabalho aos alunos para ser feito em grupo: entrevistar um dos pais e colher dados referentes aos seu emprego e condições trabalhistas, com o intuito de levantar estatísticas sobre a profissão que seus responsáveis exercem. Ao receber a folha de tarefas, Hubert (Dolan) se dirige à professora e pergunta se poderia fazer o exercício baseado em sua tia, justificando que não encontra o pai com frequência – o que é uma verdade – e, para evitar mais um diálogo indesejado com a matriarca histérica com quem divide o mesmo teto, ele inventa que sua mãe está morta. Daí a denominação “Eu Matei Minha Mãe”, que muitos espectadores devem ter ficado hesitantes com a rispidez e crueldade do título, mas na verdade o filme é um drama familiar com pitadas de humor que se sustenta no confronto diário envolvendo a desvairada Chantale (Dorval) e seu filho adolescente mimado e aspirante a artista. Trata-se de um relacionamento difícil entre a mãe impaciente e descontrolada e o garoto de 16 anos, que já se enerva só por examinar os movimentos da boca da mãe e seus desleixos de etiqueta enquanto esta saboreia um pão com manteiga logo pela manhã – imaginem o que acontece quando ela termina a refeição. No entanto, sem querer defender a figura materna, que não bate mesmo bem da cabeça, acho que seria perfeitamente compreensível se o filme se chamasse “Quero Matar Meu Filho”, porque o jovem não fica em débito com a mãe quando o assunto é estupidez. E o que resta a fazer o espectador diante de um filme protagonizado por duas figuras estritamente insuportáveis, que trocam farpas apenas para na cena seguinte se reconciliarem e depois se ofenderem gratuitamente?

“Eu Matei Minha Mãe” segue basicamente esse esquema monótono e previsível, e as poucas subtramas – se é que posso chamar assim – são inclusas apenas para ressaltar o sentimento de deslocação do protagonista naquele ambiente e os personagens coadjuvantes são usados para confortar suas angústias de viver com uma mãe que ele adora odiar. Aí entram a sua professora, que se transforma em uma conselheira, pois também alimentava divergências com o pai; seu namorado Antonin (Arnaud), que pode até ser considerado uma distração para Hubert, já que o interesse amoroso que o rapaz sente pelo protagonista não é recíproco; e, por fim, a sua “sogra”, uma mulher liberal e despojada, que permite o filho fazer sexo de porta aberta seguido de um cigarrinho de artista, inclusa na história apenas para estabelecer um contraponto frouxo com a mãe “morta” do título. No entanto, apesar da superficialidade do roteiro, há elementos que merecem ser destacados como a questão da homossexualidade, que poderia ser mais um assunto para gerar embate entre eles, mas é encarado de forma singela na trama, como um atestado de confiança que sentem um pelo o outro – mas convenhamos que tem que se esforçar para não desconfiar de nada, vendo a parede do quarto do filho estampada com fotos de James Dean, River Phoenix logo acima da cama e um pôster de “Titanic”.

Escrito, dirigido e produzido pelo canadense Xavier Dolan, o rapaz de apenas 20 anos também assina os créditos de figurinista de “Eu Matei Minha Mãe”, sua (elogiada) estreia nos cinemas, que lhe rendeu três prêmios no Festival de Cannes em 2009 e dezenas de outras honrarias em festivais menores. É curioso por um lado porque percebemos que o filme é beneficiado com um fôlego mais jovial, tem uma pegada firme que oscila alguns momentos videoclípticos até aceitáveis, porém é muita pompa e pouco conteúdo. Este é um ótimo representante do “cinema-frescura”, daqueles que mais se preocupam em como dizer, mas não dizem absolutamente nada. Com a pretensão óbvia e desesperada de se esquivar das concepções convencionais, como diretor, Dolan se limita na própria linguagem frenética e, ao mesmo tempo, contemplativa que emprega à sua história, reciclando os mesmos clichés das famílias desestruturadas, e apenas recontando-os de uma maneira diferente. Algumas opções se revelam interessantes, como o close em objetos que compõem o cenário que os personagens estarão inseridos na próxima cena, mas a (falta de) noção de espaço e os enquadramentos supérfluos e milimetricamente calculados acabam distraindo em vez de ajudar o espectador a adentrar o clima “pesado” do filme.

A despeito do overacting, Dolan se sai correto na composição de seu personagem ingrato – que o próprio criou, devo ressaltar –, ao passo que a ótima Anne Dorval rende alguns momentos inesquecíveis, positivamente – quando conversa com o diretor de um colégio por telefone – e negativamente, como na cena em que invade aos berros a escola do filho para tirar satisfações com o garoto, o que me fez virar a cara de vergonha em perceber ao absurdo que o roteiro apela para comprarmos a ideia de que Hubert tem mesmo motivos para odiar a sua mãe. Ai, ai. Porém, apesar das brigas intermináveis, compreendemos pelas cenas de reconciliação que esses dois loucos escondem um amor mútuo, só que não fazem questão de mostrar.

Com mais dois filmes engatados graças ao sucesso de “Eu Matei Minha Mãe” – que Dolan declarou ser semi-autobiográfico –, o diretor ainda tem que confirmar a que veio e talvez sair da zona de conforto, senão vai acabar como um Louis Garrel da vida. O que, sinceramente, eu acho que é a sua intenção.

NOTA: 5,0

EU MATEI MINHA MÃE (J’ai Tué ma Mère) Canadá, 2009
Direção e Roteiro: Xavier Dolan
Elenco: Xavier Dolan, Anne Dorval, François Arnaud, Suzanne Clément e Patrícia Tuslane

O Turista

2011-01-24T19:48:00.007-02:00

O principal atrativo que faz de “O Turista” um filme imperdível é a equipe invejável de profissionais envolvidos na criação artística do longa. Em março do ano passado, quando o projeto foi anunciado, muitos cinéfilos já ficaram antenados com um possível grande filme de espionagem que poderia surgir, pois levando em consideração o time de grandes nomes que encabeçam a fita, era de se esperar uma obra-prima. Chamem para diretor o alemão Florian Henckel von Donnersmarck, que fez plateias de todo mundo se emocionarem com o belíssimo “A Vida dos Outros”, e ainda lhe atribua a missão de roteirizar um filme de ação com pitadas de romance ao lado de escritores do calibre de Christopher McQuarrie e Julian Fellowes. Nada mais do que um James Newton Howard para se encarregar da trilha sonora, como responsável de dar a iluminação adequada a uma Veneza estonteante um tal de John Seale, Joe Hutshing fica incumbido de editar o resultado final das filmagens e ninguém mais do que uma “costureira” conhecida no mercado como Colleen Atwood para desenhar alguns vestidos luxuosos para a atriz principal. Para engrossar o caldo, convide como protagonistas nada mais do que Johnny Depp e Angelina Jolie, dois dos atores mais cobiçados de Hollywood – e das revistas de fofocas – e façam deles um casal romântico. Voilá! O manual para se fazer um clássico do gênero ou, ao menos, um ótimo entretenimento está pronto. Contudo, é lamentável que, na prática, absolutamente todas (TODAS!) essas peças fundamentais para “O Turista” engrenar estavam enferrujadas, rendendo uma das maiores frustrações dos últimos anos que reúna tantos oscarizados por metro quadrado.

Em Paris, as câmeras atentas da Scotland Yard, em operação junto com a polícia local, registram cada movimento da bela Elise (Jolie) na tentativa de surgir alguma informação para capturar o seu amante, Alexander Pierce, um fugitivo que não está apenas na mira da Polícia Metropolitana de Londres por desviar milhões em impostos, mas também na lista de procuras do mafioso Reginald Shaw (Berkoff), que fora roubado por Pierce enquanto este era seu empregado. Na cena inicial, a mulher recebe um bilhete assinado pelo foragido ordenando-a a embarcar no próximo trem para Veneza, encontrar um homem durante a viagem que possa “lembrá-lo” e repassar sua identidade ao desconhecido, como um plano para despistar os inimigos. Elise escolhe o pacato e sensível professor de matemática Frank (Depp), que está na Itália a passeio, e a partir dessa atraente sequência inicial, pode-se esperar todos os clichés possíveis dos filmes sobre “o homem errado”, só que com doses miseráveis de carisma e suspense.

Pra começar, uma “brincadeira despretensiosa” – expressão semelhante ao que muitos críticos usam para defender esse rascunho de cinema: qual gênero “O Turista” poderia ser classificado? Não me julguem, também acho arbitrário querer enquadrar um filme dentro de um gênero específico, considerando a natureza multifacetada de muitos projetos, mas acho válido, ao menos, citar uma das denominações até como um repasse de informação a outras pessoas interessadas. Eu sei, por exemplo, que a maioria dos votantes do Globo de Ouro se divertiu e conseguiram achar alguma graça nas piadas cretinas do filme a ponto de classificá-lo como uma comédia e indicar a produção em uma das categorias máximas da premiação. De acordo. Outras pessoas têm o livre arbítrio de achar um filme de ação, já que a trilha sonora de Howard é eletrizante – ótima de se ouvir no computador – e tenta convencer o espectador a todo custo de que as cenas de perseguição presentes no filme são mesmo empolgantes, o que eu discordo completamente. Achei de uma monotonia sacal e uma falta de ritmo que incomoda; poucas vezes presenciei uma sequência tão patética e desestimulante como aquela em que Elise tenta resgatar Frank com um barco nos canais de Veneza, o que me custou a acreditar que foram necessários dois montadores para executar esse trabalho ridículo – entre eles o duplamente oscarizado Joe Hutshing. A arma de defesa de muitos: “o filme não cai nos clichés dos filmes de ação norte-americanos, tem um ar mais europeu”. Hã? Assistam “Um Homem Misterioso”, com George Clooney, e depois conversamos.

Romance? Também pode ser, já que lá pelas tantas, dois indivíduos completamente diferentes acham um ponto em comum entre si e se apaixonam, trocam um ou dois beijos e o preço do ingresso do cinema só para ver Depp e Jolie se beijando já foi garantido. Minha versão: durante todo o filme, tive a impressão de ter um muro de 2 metros separando os atores em lados opostos, pois a química e o dinamismo entre o casal é nulo, inexistente e inexpressivo. Como se sentir fisgado e considerar “O Turista” um romance se o par que supostamente deveria ser romântico não passa de dois tocos de madeira? E pra comprometer ainda mais o projeto, parece que ninguém avisou à Jolie que ela deveria interpretar uma “agente da Interpol disfarçada para capturar o homem que ela ama (!)”, em vez disso, a atriz apenas faz exposição da sua figura, lambuzando os lábios de batom vermelho, vestindo roupas elegantes, mas exageradas para todas as ocasiões que aparece – foi mal, Atwood – e desfilando por entre os cenários para que todos os figurantes – que nem estes se salvam – cedam espaço para Mrs. Pitt possa desfilar. Linda? Uau, simplesmente deslumbrante, quem fala mal das curvas e dos olhares fatais de Angelina Jolie não bate bem da cabeça, mas este é um filme, e não um comercial da Dolce e Gabbana, oras. E Johnny Depp também não fica devendo em nada com sua performance absolutamente vergonhosa, sem dúvidas, a pior de sua carreira.

A única explicação (ou não) para uma direção tão mecânica e sem um pingo de autenticidade de von Donnersmarck talvez tenha sido a o peso da responsabilidade de estrear no cinema comercial norte-americano já dirigindo um filme com uma equipe monstruosa em termos de talento, o que naturalmente tenha brotado muita expectativa em cima da produção. No mais, por conta da sua estreia avassaladora no comando de “A Vida dos Outros”, ainda deposito alguma confiança no diretor. Seu próximo trabalho é que vai definir a que realmente veio. Enfim, exibindo uma história sem fôlego extraído de um roteiro primário e mal desenvolvido, “O Turista” simplesmente é um filme que não tinha razão de existir porque representa uma vergonha para todos os envolvidos, que, sem dúvidas, tem muito mais potencial do que essa porcaria, como diriam os defensores, de “caráter europeu”.

NOTA: 1,0

O TURISTA (The Tourist) EUA, 2010
Direção: Florian Henckel von Donnersmarck
Roteiro: Florian Henckel von Donnersmarck, Christopher McQuarrie e Julian Fellowes
Elenco: Johnny Depp, Angelina Jolie, Paul Bettany, Timothy Dalton e Steven Berkoff

Sentimento de Culpa

2011-01-20T21:53:00.005-02:00

Quem nunca assistiu a um filme acompanhado de alguém que, ao término da sessão, se sentiu frustrado por não acontecer “nada”? É curioso perceber que a maioria das pessoas vai ao cinema mais com a intenção de acompanhar os desdobramentos de uma história, em vez de testemunhar um retrato da realidade, que mesmo não apresentando grandes acontecimentos ou reviravoltas mirabolantes, de alguma forma, produz algum efeito positivo – ou negativo, desconfortável, por que não? – no espectador por introduzir nas entrelinhas, de forma sutil, um assunto que desperta a reflexão. Há muitos teóricos que depositam a responsabilidade sobre Hollywood por terem usado o cinema como uma simples ferramenta para contar histórias, afirmação esta que casa perfeitamente com a do renomado cineasta francês François Truffaut, que, certa vez, disse algo semelhante à “os melhores filmes não têm os melhores roteiros”. Eu considero essa citação polêmica e oscilante, pois dependendo do meu humor, assino embaixo, mas isso varia conforme o filme, a situação, o tempo, o espaço e vários outros fatores que devem ser avaliados. No mais, discordo muito dos detratores de que Hollywood é a “culpada” por pasteurizar o cinema e reduzi-lo a meras histórias com modelo definido – começo, desenvolvimento e desfecho –, já que todo o mundo basicamente importou e progrediu com essa ideia, de uma forma ou de outra.

Enfim, sendo norte-americano ou não, é de se comemorar quando nos deparamos com um filme que foge completamente desse conceito esquemático e se preocupa mais com o clima, com o ambiente, com o momento e com os personagens, buscando uma maneira de casar esses aspectos com veracidade e fazer com que soam interessantes para o espectador. “Sentimento de Culpa” é um desses raros exemplares, tendo o seu maior mérito a negação do esforço para que tudo pareça convincente, pois tudo flui com perfeita naturalidade. Escrito pela também diretora Nicole Holofcener, a trama se baseia em duas famílias cuja única similaridade que dividem é a de morarem no mesmo prédio, em apartamentos opostos. Kate (Keener) e Alex (Platt) administram um mercado mobiliário, em que as peças antiquadas são compradas de filhos de idosos recém-falecidos. Com a intenção de ampliar os cômodos da casa, o casal praticamente risca os dias no calendário para que a senhora de 91 anos que mora ao lado, a ranzinza Andra (Guilbert), bata as botas para que eles possam comprar seu apartamento, que ela divide com a jovem neta Rebecca (Hall). Entre passeios pelo bairro com os cachorros e encontros casuais no elevador, as duas famílias ficam unidas e dessa aproximação, nasce entre eles uma modesta amizade concomitante ao tal sentimento de culpa do título.

Com certeza, esse seria mais um filme que muitos espectadores acomodados diriam que “nada” acontece. Na verdade, não há mesmo um assunto evidente que o filme pretende discutir, mas sem invadir a privacidade dos personagens, o roteiro de Holofcener consegue a proeza de contar sua eficiente história apenas retratando os momentos de conforto e os pontos de fraquezas dessas figuras – e é justamente essa irresistível dicotomia que os fazem ser pessoas tão reais. No entanto, se for para destacar “sobre” o que é “Sentimento de Culpa”, arriscaria em dizer que se trata de um belo retrato sobre a rejeição do inevitável processo de maturidade/envelhecimento e da efemeridade da existência humana.

O primeiro tema é representado pela adolescente de 15 anos Abby (Steele), que se preocupa com as acnes em forma de vulcões que pipocam em seu rosto e vislumbra com um jeans caríssimo para realçar seu corpo em formação. A irônica e malvada irmã mais velha de Rebecca, Mary (Peet, ótima), se enquadra no quesito de negar o próprio envelhecimento, já que reserva horas do seu tempo para se esticar uma cama bronzeadora a fim de se aparentar mais jovem, e quando não está fritando o corpo na máquina, prontifica-se a vigiar (e invejar) a garota mais nova pelo qual seu namorado a trocou. Também se pode incluir nesse time o pai da família, interpretado por Oliver Platt, que frequentemente tira sarro da vizinha idosa, caçoa de um homem de cabelos brancos em determinada cena e para esconder a idade que tem, decide fazer tratamentos faciais e sentir-se satisfeito com a própria aparência.

Já a questão da morte, além de Rebecca trabalhar em uma clínica onde tira radiografia de mulheres com possíveis tumores na mama – sendo o contato com casos de óbito, portanto, inevitável – a jovem ainda tem em casa uma senhora com um pé na cova por conta da saúde debilitada, que apenas aguarda o momento pelo qual todos – menos ela – estão esperando. E não poderia deixar de citar a própria questão dos móveis usados e vendidos pelo casal. É engraçado e, ao mesmo tempo, doloroso acompanhar os sintomas de arrependimento que assaltam Kate, interpretada com absoluto talento por Catherine Keener. Atuando como protagonista em todos os quatro filmes de Holofcener desde então – entre eles, os corretos “Encontro de Irmãs” e “Amigas com Dinheiro” –, Keener constrói uma personagem complexa que se revela um paradoxo em forma de gente, mesclando meiguice, solidariedade e delicadeza, já que praticamente sustenta os mendigos do seu bairro, com o egoísmo e o sarcasmo de seus comentários ácidos. Mas, assim como todos, são personagens tremendamente humanos, palpáveis, que foram muito felizes em cair nas mãos de atores competentes como os que aqui se encontram – tanto que o Independent Spirit Awards deste ano vai conceder o prêmio Robert Altman Awards de Melhor Elenco para este excelente grupo de atores. Honra merecidíssima, diga-se.

Alternando entre momentos dóceis e outros um tanto agressivos – com a fabulosa cena do jantar em “comemoração” dos 91 anos de Andra, em que todos até poderiam fazer uma vaquinha para lhe dar um caixão de presente –, “Sentimento de Culpa” é simultaneamente um filme agradável e amargo como fel, nocivo, porém com um humor negro que chega a ofender, maduro e ingênuo, e, por fim, engraçado pela argúcia, mas também emocionante graças ao seu realismo. E se um pequeno filme independente de 90 minutos conseguiu combinar tantas qualidades opostas – como a sua personagem central – e não soar forçado, no mínimo, é um filme que não deve ser ignorado.

NOTA: 8,0

SENTIMENTO DE CULPA (Please Give) EUA, 2010
Direção e Roteiro: Nicole Holofcener
Elenco: Catherine Keener, Rebecca Hall, Oliver Platt, Amanda Peet, Sarah Steele e Ann Guilbert

Atração Perigosa

2011-01-18T13:38:00.006-02:00

O início da década passada representou um declínio em queda livre na carreira artística de Ben Affleck, após a glória de conquistar em 97 o Oscar de Roteiro Original por “Gênio Indomável”. A partir daí, focando suas atenções na área da atuação, Affleck encarou papeis coadjuvantes em filmes badalados, como “Armageddon” e “Shakespeare Apaixonado”. A popularidade do ator aumentou, no entanto, ao protagonizar blockbusters de qualidade duvidosa como “Pearl Harbor”, “O Demolidor” e o fracasso “Sobrevivendo ao Natal”, os quais lhe rendeu algumas merecidas indicações ao Framboesa de Ouro. Com a moral no mais profundo abismo negro da indústria e ainda denegrindo a própria imagem em programas de TV se gabando do sucesso efêmero, a situação do ator engrossou quando engatou um romance desgastado pela mídia com a cantora e atriz Jennifer Lopez, que, juntos, se aventuraram em um dos filmes mais bizarros do cinema, “Contato de Risco”. Ninguém esperava um retorno de alguém já fadado ao fracasso, mas o progressivo comeback de Affleck começou em 2006, quando foi laureado no Festival de Veneza com o prêmio de Melhor Ator por “Hollywoodland – Bastidores da Fama”. No ano seguinte, estreando na função de diretor, Affleck comandou “Medo da Verdade”, projeto corajoso que conta com uma narrativa admiravelmente bem conduzida; e em 2009, ofuscou um grande elenco na pele de um congressista ambicioso em “Intrigas de Estado”. Recentemente, dirigiu e protagonizou o thriller “Atração Perigosa”, um dos filmes mais elogiados pela crítica em 2010 e que registrou um invejável faturamento nas bilheterias: US$ 92 milhões só nos EUA.

Os números favoráveis estabelecem Ben Affleck como um cineasta que tem um futuro promissor por trás das câmeras, e seu último filme pode ser, até agora, considerado o ápice de sua filmografia curta, porém notável. Ainda colhendo as cinzas do passado fruto das más escolhas e influências, a redenção do ator se apresenta, principalmente, pela revelação dos competentes trabalhos de direção como este. Baseado no livro “Prince of Thieves”, de Chuck Hogan, a história se passa na cidade de Boston, mais precisamente em uma parte dela, a comunidade de Charlestown – “A Cidade”, do título original –, uma região perigosa encoberta pela nuvem negra do medo e da insegurança.

“Mãe” de assaltantes de bancos e carros-fortes, Charlestown, como indica a citação de um oficial da polícia logo nos créditos iniciais, tem uma tradição hereditária de bandidagem. Partindo desta afirmação, o roteiro se desenrola e introduz a gangue liderada por Douglas McRay (Affleck), cujo pai, Stephen (Cooper) foi setenciado à prisão perpétua ao ser detido roubando um carro-forte. O rapaz comanda uma equipe de ladrões cuidadosos, responsáveis e com total disciplina antes de agir, mas algo sai errado durante um assalto a um banco e eles levam como refém a jovem gerente Claire (Hall), que, mais tarde acaba se envolvendo com o líder do grupo sem realmente saber quem ele é. Essa aproximação com a vítima irrita seu comparsa e melhor amigo James (Renner), que exibindo um perfil agressivo e pouco temperamental, cria discórdias entre os membros, que, posteriormente, se veem como os alvos principais de uma investigação do FBI, sob o comando do incrédulo agente especial Adam Frawley (Hamm).

“Atração Perigosa” é um competente filme de ação que se mostra hábil em balancear cenas em que a adrenalina escorre pelo celulóide com outros momentos mais construtivos para a história, o que inclui alguns detalhes ditos pelos personagens que julgamos desnecessários, mas que, no decorrer da trama, é utilizado com inteligência pelo roteiro bem delineado. Ainda que traga nada de inovador ao gênero, o filme é interessante pelo olhar que Affleck lança sobre Boston, permanecendo fiel às suas pretensões, sem querer aprofundar nenhum descabido tipo de estudo social sobre divergências entre classes – talvez a principal explicação desse alto contingente de violência em Charlestown. Se recorresse com afinco a este tipo de análise, o material perderia o tom e a identidade, além de perigar o contato com o óbvio que caracteriza tantas produções que levantam críticas superficiais. Mais contido, em contrapartida, o diretor investe em registros panorâmicos da cidade, destacando pontos de referência e áreas residenciais, justamente com a intenção de mostrar o contraste de uma região aparentemente pacífica e com locações bem planejadas, mas que é conhecida como uma verdadeira faculdade do crime, cujo conteúdo se aprende desde o berço.

Outro ponto eficiente de “Atração Perigosa” consiste nas ótimas cenas de ação, sobretudo a que envolve uma perseguição pelas ruas apertadas da cidade. Se em tantos enlatados – o primeiro que me vem à cabeça é “Ponto de Vista” – quem assiste já sabe que o “mocinho” vai escapar, as armadilhas desta cena, em particular, direcionam o espectador a um respiro de alívio ao seu final por conta da tensão provocada com o auxílio fundamental da câmera nervosa de Affleck, que encontra a sintonia perfeita com o trabalho do excelente montador Dylan Tichenor. No entanto, “Atração Perigosa” não se despe totalmente dos clichés e frequentemente opta por caminhos mais convencionais para cair no gosto do público com maior facilidade. O aspecto mais incômodo, nesse sentido, é a determinação da personalidade dos personagens centrais, como a figura do agente do FBI, interpretado por Jon Hamm, que basicamente se comporta como se fosse o bandido da história (irônico, insuportável, temperamental e antiético); Affleck, que flerta com a canastrice no filme, interpreta um sujeito bondoso, apesar do mau caratismo; e, por fim, a ótima Rebecca Hall, que empresta a caricatura da mocinha frágil e desprotegida, conforme exige o roteiro.

Mas ainda que essa caracterização seja grave, não se impõe sobre o trabalho homogeneamente satisfatório do elenco, cujos destaques vão para Jeremy Renner – indicado ao Globo de Ouro, ao SAG e pretendente ao Oscar – e Chris Cooper, que merecia mais atenção pelo filme, já que a única cena em que aparece está simplesmente perfeito. Ainda trazendo ótimos desempenhos da gossip girl Blake Lively e do veterano Pete Postlethwaite, recém falecido vítima de câncer, “Atração Perigosa” é um bom filme que se preocupa com a história da mesma forma que exibe proteção e cuidados com seus personagens, mesmo que o todo não deixe de ser bem previsível.

NOTA: 6,5

ATRAÇÃO PERIGOSA (The Town) EUA, 2010
Direção: Ben Affleck
Roteiro: Peter Craig, Ben Affleck e Aaron Stockard
Elenco: Ben Affleck, Rebecca Hall, Jon Hamm, Jeremy Renner, Blake Lively, Pete Postlethwaite e Chris Cooper

GLOBO DE OURO 2011 – Comentários e Vencedores

2011-01-17T09:59:00.018-02:00

Sem nenhum momento de surpresa ou espontaneidade, a 68ª edição do Globo de Ouro pareceu mais longa do que se somarmos a duração de todos os filmes indicados na premiação – incluindo as 5 horas do francês “Carlos”, um dos premiados da cerimônia. Sonolento e com pouca empolgação, os organizadores da noite apostaram mais uma vez na apresentação do britânico Ricky Gervais para comandar a cerimônia. Se no ano passado, o comediante foi uma das principais atrações da festa, foi terrivelmente embaraçoso, em 2011, acompanhar suas piadas depreciativas e de mau gosto sobre os profissionais que estavam presentes, que até recebeu alguns “puxões de orelha” de Robert Downey Jr. – por uma piada batida sobre sua internação em uma rehab há mais de... hum... 15 anos – e do astro Tom Hanks, que como metade dos espectadores, sentiu-se envergonhado pelo companheiro de estúdio Tim Allen, que não conseguiu esconder a expressão de desapontamento com a brincadeira cretina de Gervais. Simplesmente lamentável. No mais, o ápice deste Globo de Ouro, como não poderia deixar de ser, foi a homenagem a Robert De Niro, que entregou o melhor discurso da noite em agradecimento pelo prêmio Cecil B. De Mille, concedido a algum profissional pela contribuição ao cinema.

No mais, nada de novidade. Exaustivo pela quantidade de prêmios e sem apresentar nenhuma inventividade na forma de apresentá-los, optando pelo esquema mais fácil que incumbe o apresentador de subir ao palco e abrir o envelope, os vencedores foram bem previsíveis – o que não diminui a escolha dos votantes de forma alguma. Eis os comentários sobre cada categoria abaixo. Os vencedores estão em vermelho:

FILME – DRAMA
Cisne Negro
O Discurso do Rei
A Origem
A Rede Social
O Vencedor

Não conferi “O Discurso do Rei”, nem “O Vencedor”, mas o filme de David Fincher era mesmo o favorito da categoria, tendo apenas o sobre projeto sobre a monarquia com reais chances de arrancar seu Globo. Fiquei feliz com o resultado, embora também ficasse se quaisquer dos outros dois brilhantes filmes se consagrassem vencedores.

FILME – COMÉDIA / MUSICAL
Alice no País das Maravilhas
Burlesque
Minhas Mães e Meu Pai
RED – Aposentados e Perigosos
O Turista

Não assisti a “Burlesque” ainda – e nem tenho curiosidade para isso. Recebendo várias críticas com a indicação de filmes terríveis em uma categoria integralmente medíocre, nenhum dos filmes indicados merecia a honraria. Acho “Minhas Mães e Meu Pai” supervalorizado ao extremo, mas tem a sua graça. Dentre essas escolhas infelizes, seria também a minha opção. Mas com alguns filmes de comédia que assisti no ano passado, refaria essa categoria em um piscar de olhos: “O Golpista do Ano”, “Cyrus”, “Sentimento de Culpa” são alguns que humilham essa seleção preguiçosa.

DIRETOR
Christopher Nolan (A Origem)
Darren Aronofsky (Cisne Negro)
David Fincher (A Rede Social)
David O. Russell (O Vencedor)
Tom Hooper (O Discurso do Rei)

Repito o meu comentário na categoria Filme-Drama, já que são os mesmos indicados. Ficaria feliz se qualquer um levasse, mas não dormiria à noite de felicidade se Darren Aronofsky, que entrega uma mise en scène absolutamente fabulosa por “Cisne Negro”, surpreendesse e fosse consagrado. A esperança, então, fica para o Oscar. Dá-lhe Fincher!

ROTEIRO
Aaron Sorkin (A Rede Social)
Christopher Nolan (A Origem)
David Seidler (O Discurso do Rei)
Lisa Cholodenko e Stuart Blumberg (Minhas Mães e Meu Pai)
Simon Beaufoy e Danny Boyle (127 Horas)

Não vi “O Discurso do Rei”, mas desafio a ser tão brilhante como o texto de Sorkin para “A Rede Social”. Essa categoria simplesmente não admitiria outro vencedor.

ATOR – DRAMA
Colin Firth (O Discurso do Rei)
James Franco (127 Horas)
Jesse Eisenberg (A Rede Social)
Mark Wahlberg (O Vencedor)
Ryan Gosling (Blue Valentine)

Não tenho nenhuma autoridade para comentar essa categoria, já que só conferi dois indicados: Franco e Eisenberg. Mas parece que Firth é o “franco” (desculpem o trocadilho) favorito ao Oscar.

ATRIZ – DRAMA
Halle Berry (Frankie & Alice)
Jennifer Lawrence (Inverno da Alma)
Michelle Williams (Blue Valentine)
Natalie Portman (Cisne Negro)
Nicole Kidman (Reencontrando a Felicidade)

Ainda não pude assistir a “Frankie & Alice” e “Blue Valentine”, mas será difícil encontrar neste ano uma atuação tão visceral, tão surpreendente e de total entrega nessa temporada como a de Portman, que parece estar carimbando o seu passaporte ao Oscar com total merecimento. Tilda Swinton por “I Am Love” mandou beijos a todos os votantes.

ATOR – COMÉDIA / MUSICAL
Jake Gyllenhaal (O Amor e Outras Drogas)
Johnny Depp (Alice no País das Maravilhas)
Johnny Depp (O Turista)
Kevin Spacey (Casino Jack)
Paul Giamatti (Minha Versão para o Amor)

Dentre estes, não assisti a “O Amor e Outras Drogas” e justamente o vencedor da categoria, “Minha Versão para o Amor”. No entanto, não posso deixar de comentar dois sentimentos que senti ao ouvir o vencedor: o alívio de não ver Depp consagrado por atuações vexaminosas e a felicidade de ver Giamatti, um dos melhores atores em atividade, sendo reconhecido por um filme pouco assistido. Kevin Spacey, que não tem nenhum Globo, também está grandioso em “Casino Jack”. Mas, convenhamos, quem tem dois Oscars, precisa de Globo pra quê?

ATRIZ – COMÉDIA / MUSICAL
Angelina Jolie (O Turista)
Anne Hathaway (O Amor e Outras Drogas)
Annette Bening (Minhas Mães e Meu Pai)
Emma Stone (A Mentira)
Julianne Moore (Minhas Mães e Meu Pai)

Ainda não vi o filme de Hathaway e só lamento Angelina Jolie ter sido indicado em um filme que ela apenas faz exposição de sua figura. Annette Bening mereceu o prêmio pelo ótimo trabalho em “Minhas Mães e Meu Pai”, mas não esconderia minha satisfação em ver premiadas Moore e Stone, que considero superiores à Mrs. Beatty. Enfim, Bening já está com indicação certa no Oscar e que o “amor” pelo filme pare por aí.

Time de feras: as melhores atuações segundo o HFPA

ATOR COADJUVANTE
Andrew Garfield (A Rede Social)
Christian Bale (O Vencedor)
Geoffrey Rush (O Discurso do Rei)
Jeremy Renner (Atração Perigosa)
Michael Douglas (Wall Street: O Dinheiro Nunca Dorme)

Não testemunhei as performances de Bale e Rush, mas os outros três indicados também são de destaque, sobretudo o retorno de Gordon Gekko na pele do sempre admirável Michael Douglas – aplaudido de pé quando foi apresentar a categoria principal. Seria ótimo vê-lo mais reconhecido pelo seu trabalho, o maior mérito dessa sequência desnecessária.

ATRIZ COADJUVANTE
Amy Adams (O Vencedor)
Helena Bonham Carter (O Discurso do Rei)
Jacki Weaver (Reino Animal)
Melissa Leo (O Vencedor)
Mila Kunis (Cisne Negro)

Mais uma vez, “O Vencedor” e “O Discurso do Rei” empacando a minha avaliação total da categoria hehe. Weaver faz Mila Kunis comer poeira com sua performance dócil e assustadora em “Reino Animal”, mas não posso dizer que a australiana foi injustiçada, porque não conferi o desempenho de Melissa Leo, e não contive o sorriso no rosto ao ver seu nome sendo anunciado. Boa sorte a ela!

"Também 'somo vencedor', manhê!"

ANIMAÇÃO
Como Treinar o Seu Dragão
Enrolados
O Mágico
Meu Malvado Favorito
Toy Story 3

Não vi “O Mágico”, nem “Enrolados”, mas os outros três estão a um abismo de distância com o vencedor da categoria. “Toy Story 3” é simplesmente o melhor filme de toda a relação de filmes indicados ao Globo de Ouro desta edição – dentre os que vi, claro.

FILME ESTRANGEIRO
Biutiful (México)
O Concerto (França)
The Edge (Rússia)
Em um Mundo Melhor (Dinamarca)
I Am Love (Itália)

Só vi “O Concerto” e “I Am Love”. E o italiano acaba com a cantoria do francês fácil, fácil.

TRILHA SONORA
A. R. Rahman (127 Horas)
Alexandre Desplat (O Discurso do Rei)
Danny Elfman (Alice no País das Maravilhas)
Hans Zimmer (A Origem)
Trent Reznor e Atticus Ross (A Rede Social)

Com exceção da enjoada trilha de Elfman, todos foram excelentes escolhas. Ficaria muito feliz se a composição sufocante e magistral de Zimmer para “A Origem” levasse, mas o trabalho original e bem delineado da dupla de “A Rede Social” também fez por merecer a honraria.

CANÇÃO ORIGINAL
“Bound to You” (Burlesque)
“You Haven’t Seen the Last of Me” (Burlesque)
“Coming Home” (Country Strong)
“There’s a Place for Us” (As Crônicas de Nárnia: A Viagem do Peregrino da Alvorada)
“I See the Light” (Enrolados)

Todas chatinhas. Dentre a seleção, ficaria com a de “Country Strong”.

Minhas Mães e Meu Pai

2011-01-12T02:25:00.005-02:00

É notável no cinema contemporâneo certa desvirtuação de valores quando se discute o multifacetado universo do “cinema independente”. Antes, pode-se dizer que talvez fosse o único método para um novato aspirante a cineasta expor seus dotes artísticos, mas havia também aqueles renomados auteurs radicais que reprovavam qualquer intervenção dos estúdios no conteúdo de seus filmes, e optavam pela fidelização de seus sentimentos com obras que os próprios pudessem financiar. Além das qualidades básicas que caracterizam esse tipo de expressão à margem da indústria, como o desvinculo com grandes produtoras e os baixos orçamentos, o cinema indie ganhou nova roupagem, fixando uma noção de identidade própria, que muitas vezes viabilizam filmes memoráveis, mas tantas outras acaba sendo um boicote à originalidade. Não dá pra negar que, nos últimos anos, o cinema independente parece ter criado uma cartilha com elementos peculiares (e inconvenientes) que recheiam uma parcela considerável dos filmes lançados e que, mal saíram do forno, recebem – pela mídia, principalmente – o carimbo de “alternativo” na certidão de registro. Alternativo uma ova! Isso só no nome, porque não passam de estereótipos e clichés criados dentro de casa, que destroem com qualquer conceito de “liberdade” e “independência” que tanto esses artistas tentam pregar. Infelizmente, este é o caso do supervalorizado “Minhas Mães e Meu Pai”, um indie sem autenticidade que não sai de sua área de conforto concebida por essa “mini-indústria”, que como o mercadão hollywoodiano, também reserva graves limitações.

O roteiro, escrito pela também diretora Lisa Cholodenko ao lado de Stuart Blumberg (“Show de Vizinha”), se concentra na família encabeçada pelo casal homossexual formado pela médica Nic (Bening) e a arquiteta paisagista Jules (Moore). Mães de filhos adolescentes, a relação entre os membros é agradável e a paz reina na casa da família até o momento em que o filho mais novo, Laser (Hutcherson), convence sua irmã de 18, Joni (Wasikowska), a telefonar para o Centro de Fertilidade e coletar informações sobre seu pai biológico. Então, entra na história o descontraído Paul (Ruffalo), que se torna uma visita constante na casa da família, o que desenfreia uma crise de ciúmes e desestabiliza o ambiente outrora pacífico do lar.

Talvez o aspecto mais frustrante de “Minhas Mães e Meu Pai” é perceber que o plot do filme renderia uma produção com muito potencial; entretanto a opção de Cholodenko por navegar em mares calmos, utilizando como muleta os conceitos pré-estabelecidos pelo cinema independente norte-americano, fez nascer uma das maiores decepções do ano – não que o filme seja excepcionalmente ruim, mas só ficou na promessa. Dotado de um roteiro absurdamente enferrujado, mais do que intenções artísticas, aparentemente o que a diretora – homossexual assumida – pretende com este filme é mostrar que gays têm dois olhos, uma boca, duas orelhas e um nariz. Em outras palavras, também são pessoas responsáveis, amorosas, com sentimentos e intelectualmente capazes de manter um trabalho e conciliá-lo com uma família perfeita. O tratamento convencional que recebe destoa de uma exigência mais atenta, comprometida e menos óbvia, pois “Minhas Mães e Meu Pai” é sustentado por um emaranhado de convenções que permeia na história.

O roteiro esquemático e calculado ainda tramita por decisões bem insatisfatórias, como o envolvimento entre Jules e Paul, justificado por um motivo patife, que Manoel Carlos deva ter usado em quase todos os seus folhetins da Rede Globo. Esse direcionamento errôneo compromete a trabalho de direção e desencadeia os exageros de Nic, que, em muitos momentos, enche a cara de vinho e age de forma totalmente estúpida, evidenciando não ter domínio próprio ao vomitar várias grosserias para seu cônjuge. Aqui, a razão pelas atitudes da personagem é até aceitável, mas o excesso rebaixa a figura – está mais para isso do que para um personagem sólido, tamanha a caricatura. Ademais, o filme peca pela economia das cenas mais proveitosas e ainda entrega momentos absolutamente mal desenvolvidos e vexaminosos, como aquela maldita parte que envolve um vídeo pornô, que ganha avaliação negativa no quesito sutileza.

No entanto, é muito injusto levantar apenas os defeitos do filme, visto que “Minhas Mães e Meu Pai” é caloroso, acolhedor e deixa transparecer emotividade em seus 25 minutos finais, o que cativa o espectador, mas é uma pena que essa dose de vivacidade só apareça no terceiro ato. Da mesma forma, há momentos isolados que merecem menção como a tentativa de Nic em se aproximar de Paul na ótima cena de jantar, em que ambos fazem um dueto de Joni Mitchell ou quando o rapaz e Jules convencem o espectador de que não vão mais prosseguir com as puladas de cerca para na próxima tomada cortar para os dois na cama, “arrependidos” do sexo. A maior virtude, no entanto, reside mesmo nos seu elenco homogeneamente eficaz. E considerando as limitações do roteiro para o desenvolvimento dos personagens, é até um milagre o que esses talentosos atores alcançaram com suas performances espertas e convincentes.

Sabotado por uma tradução ridícula e cafona, digno de uma comédia dos anos 90 protagonizada por Goldie Hawn, Bette Midler e Chevy Chase (?), seria muito mais coerente a distribuidora (francamente, Imagem Filmes...) usar o pé da letra do título original. Eu interpreto “As Crianças Estão Bem” como aquela resposta automática que muitos pais dão ao serem perguntados pelos filhos, mas, neste caso, seria até uma própria restrição ao personagem de Ruffalo impostas pelas protagonistas, como se se explicassem “as crianças estão bem, não precisam de uma figura paterna para completarem seus caracteres.” Com quatro nomeações no Globo de Ouro, “Minhas Mães e Meu Pai” tem tudo para se consagrar na premiação, visto a lista de indicados igualmente medíocre. Mas lá pode, contanto que essa dobradinha não se repita no Oscar, ficarei bem satisfeito.

NOTA: 5,5

MINHAS MÃES E MEU PAI (The Kids Are All Right) EUA, 2010
Direção: Lisa Cholodenko
Roteiro: Lisa Cholodenko e Stuart Blumberg
Elenco: Annette Bening, Julianne Moore, Mark Ruffalo, Mia Wasikowska e Josh Hutcherson

O Concerto

2011-01-09T21:36:00.012-02:00

Andrey Filipov (Guskov) era o renomado maestro da ostentosa orquestra do Bolshoi, na Rússia, durante a década de 70. Mas após contratar judeus para integrar o corpo de músicos, o então diretor do teatro, Ivan Gavrilov (Barinov), membro fiel do Partido Comunista, demitiu o talentoso regente, que fora relegado ao ostracismo. Nos dias de hoje, Filipov continua empregado no Teatro do Bolshoi, mas como faxineiro, e durante a limpeza do escritório do atual diretor, é enviado um fax direto do Teatro de Châtelet, em Paris, convidando o Bolshoi para substituírem a Filarmônica de Los Angeles, que cancelou uma apresentação de última hora. O ex-maestro, aspirando seu retorno aos palcos, imprime uma cópia, apaga a mensagem da máquina e sai pelas ruas de Moscou atrás de um representante, patrocinadores e recrutando seus antigos amigos músicos, que após o golpe político, ocupam funções aquém de seus dotes musicais, como motorista de ambulância, carteiro, entregador, vendedores ambulantes etc.

Pela breve sinopse descrita no parágrafo acima, alguns devem ter pensado que “O Concerto” talvez possa ser mais uma daquelas típicas comédias européias satisfatórias, com diálogos ágeis, que assumem o ponto forte da produção, cujo desenvolvimento da história, recheado de situações absurdas e engraçadas, esteja acima da conclusão simplificada da trama. Bom... antes fosse. Escrito a seis mãos, o novo trabalho do diretor Radu Mihaileanu, um dos mais importantes por ter evidenciado o cinema romeno para o mundo com o belo “Trem da Vida” – que serviu de inspiração para o intragável italiano “A Vida é Bela”, de Roberto Benigni –, peca gravemente por querer se passar por um filme com intenções artísticas quando, na verdade, seu roteiro totalmente irreal e ilógico – o que não representa integralmente um demérito – exige que seu tratamento seja menos formal, e sim, mais leve e modesto.

A falta de identidade em “O Concerto” é gritante, isso porque o filme permanece em cima do muro durante os dois primeiros atos, tentando posteriormente se camuflar sobre um drama batido sobre reencontro de familiares que não se viam há anos. A falta de inspiração e entusiasmo nas cenas mais cômicas e o drama nada original resultam em um filme que parece ter dificuldades em estabelecer uma personalidade ou, ainda mais urgente, definir-se em um gênero específico. Mihaileanu está completamente perdido diante da inconstância natural do roteiro, que investe em alguns momentos realmente engraçados, mas que acabam sendo enforcados pelo diretor, que opta por tratamentos, em sua maioria, inadequados a determinadas cenas. Da mesma forma, o ótimo trabalho de montagem de Ludo Troch oferece ritmo, mas não suficiente para amarrar a história volúvel e oscilante.

O principal motivo pelo qual “O Concerto” implorava por uma abordagem mais despretensiosa se dá pela inverossimilhança de seu roteiro. Afinal, os roteiristas e o diretor realmente acreditavam que seria possível convidar 55 músicos despreparados para compor uma orquestra em 15 dias e tocarem Tchaikovsky? Acreditavam que um maestro enferrujado, que não praticava há 30 anos, pudesse reger um grupo de músicos que nunca ensaiaram juntos uma única vez? Enfim, esses são alguns dos absurdos que, com um tratamento diferenciado, poderia render uma bela comédia pastelão autoral, ou algo do tipo. No entanto, o único motivo que me faz acreditar que os votantes do Globo de Ouro incluíram este filme na categoria Melhor Filme Estrangeiro é pela sua cena final, a cena chave do filme, compensada por uma edição apuradíssima, que alterna flashbacks e flashforwards que finalizam a história – e acaba tapando alguns buracos caso o filme acabasse por ali mesmo.

Com exceção de alguns atores secundários, o filme ainda é enfraquecido pelo ator russo Alexeï Guskov, que não exibe carisma algum como o protagonista da história, mas nada fica devendo à colega de elenco, a francesa Mélanie Laurent, que talvez eu seja o único que não tenha visto absolutamente nada de especial nela em “Bastardos Inglórios” – a não ser sua ótima personagem, que, infelizmente, caiu nas mãos de uma atriz bem fraca. Infelizmente, “O Concerto” é um filme concebido de forma equivocada, que, ao fim da apresentação, a audiência percebe que se trata de uma sinfonia sem harmonia e não espera a hora para que as cortinas finalmente se fechem.

NOTA: 4,5

O CONCERTO (Le Concert) França, 2009

Direção: Radu Mihaileanu

Roteiro: Radu Mihaileanu, Matthew Robbins e Alain-Michel Blanc

Elenco: Alexeï Guskov, Dmitri Nazarov, Mélanie Laurent, Valeriy Barinov e Miou-Miou

Toy Story 3

2011-01-05T23:32:00.005-02:00

Elogiar a Pixar é chover no molhado. Todo o mundo já se rendeu aos projetos encantadores que o estúdio lança em intervalos anuais; são grandes filmes que atribuíram outra identidade à técnica da animação, antes utilizada para contar histórias mais ingênuas, dirigidas quase exclusivamente ao público infantil. A Pixar não foi a divisora de águas nesse sentido, mas foi a responsável por expandir os horizontes e popularizar essa veia mais amadurecida das animações, equilibrando suas histórias com a inocência típica de uma criança e sentimentos fortes e genuínos, que levam os mais velhos às lágrimas e/ou à reflexão. A trilogia “Toy Story” é um dos exemplos máximos dessa junção tão enriquecedora. Profundamente tocante e nostálgico, mas sem deixar de exibir seu nítido apelo infantil, as aventuras protagonizadas pelo cowboy Woody e sua trupe são simplesmente inesquecíveis porque sensibiliza, evoca lembranças íntimas de quem assiste, e simultaneamente, entrega um vasto repertório de situações cômicas inspiradas, sem perder o tom ou trair quaisquer limitações dos objetos animados. Sinceras emoções assaltam o espectador porque os dramas aparentemente bobos da trama e tão facilmente solucionados pelos seres humanos na vida real são encarados como verdadeiras tormentas para os pequenos e adoráveis bonecos, por quem o espectador cria simpatia sem fazer muitos esforços. Quem (re)assiste “Toy Story”, sem perceber, desperta a criança dentro de si, pois todos torcem pelo batalhão de plástico, torcem pela supremacia da infância. E só por isso, a trilogia dos brinquedos é certamente uma das melhores já produzidas pelo cinema, porque tem alma, tem vida própria, é mágica e embriagante.

A Pixar foi fundada em 1986, mas só lançaria seu primeiro longa-metragem nove anos depois. O sucesso estrondoso de “Toy Story” rendeu outras duas continuações cronológicas, que demonstram o amor que o garoto Andy (voz de John Morris) sente pelos seus brinquedos, em especial Woody (voz de Tom Hanks) e o patrulheiro espacial Buzz Lightyear (voz de Tim Allen). A cena final de “Toy Story 2”, lançado em 1999, proporciona uma rima perfeita com as inquietações compartilhadas pelos bonecos neste terceiro capítulo. Observando pela janela Andy se oferecendo a dar aulas de direção para a irmã de apenas quatro anos, Woody disfarça a preocupação que o corrói por dentro sobre seu dono se desfazer dele no futuro, seja por um braço rasgado ou por não ter mais “idade para brincar”. Perguntado por Buzz se ele está bem, Woody emenda “Sim, vai ser bom legal enquanto durar. Além do mais, quando tudo acabar, vou ter o meu amigo Buzz Lightyear para me fazer companhia. Ao infinito e além”. Se por um lado, a amizade selada entre Woody e Buzz sobreviveu ao tempo, por outro, a aparente tranquilidade do cowboy (e de todos seus companheiros) deu vazão ao desespero de ser rejeitado e descartado na lixeira, e é essa motivação de sobrevivência que move a trama da última aventura dos corajosos heróis de plástico.

Prestes a ir para a faculdade, Andy coloca seus brinquedos – com exceção de Woody, que é posto em uma das caixas da mudança – em um saco plástico onde iria guardar no sótão. Mas, por engano, sua mãe (voz de Laurie Metcalf – a mãe assassina de Billy Loomis de “Pânico”, WTF!) carrega os brinquedos de Andy até a rua, onde o caminhão de lixo se aproxima para recolher os dejetos. Com a intenção de resgatar seus amigos da sarjeta, Woody parte para salvá-los. Para não levantarem suspeita de que têm vida própria, os brinquedos se escondem no porta-malas do carro estacionado na garagem e, quando percebem, estão em uma outra caixa de papelão rumo a um destino certo: a creche Sunnyside, para onde a mãe de Andy está enviando alguns objetos para doação. Lá, eles conhecem outros brinquedos “abandonados” e, à primeira vista, ficam admirados com o lugar, mas depois descobrem que se trata de uma prisão hierárquica, comandada por um “urso maligno que cheira a morangos”.

Aparentemente se comportando como um estranho no ninho, visto que não tinha muita experiência com cinema, muito menos com animação, Michael Arndt – oscarizado pelo excelente roteiro de “Pequena Miss Sunshine” – engana os mais desavisados e se passa como um autêntico membro da Pixar, já que o mesmo mergulha de cabeça na aura levantada pelo estúdio durante todos esses anos e escreve com exímia dedicação o brilhante e muito bem encaixado roteiro do filme. Ainda que a animação por natureza permita que o roteirista “abuse” da história, é interessante notar que Arndt não força a barra e preza pela verossimilhança dos acontecimentos, como uma simples alteração em um manual de instrução ou até o clímax devastador que deixa qualquer um com o coração na boca. Permanecendo sempre fiel ao caráter dos personagens, Arndt cria as situações que recheiam a história sem trair a personalidade e as características marcantes de cada brinquedo, entre eles, o ansioso Rex, o ranzinza Sr. Cabeça de Batata, a valente Jessie, o cético porquinho Hamm ou o fiel escudeiro Slinky. Atribuindo um equilíbrio perfeito por conceder grau de relevância igualitária aos personagens secundários, o excelente script ganha contornos mais cômicos ou dramáticos – dependendo da situação – por não centralizar apenas a história no drama de Woody, mas democratizar importantes fatias do roteiro para os demais, sem se esquecer do sempre esquecido trio de “etzinhos” verdes do Pizza Planet.

Outro semi-estreante que assume a difícil missão de finalizar a série com um filme à altura dos anteriores – e conseguiu a proeza de entregar o melhor da trilogia –, Lee Unkrich co-dirigiu outros três filmes da Pixar, mas tudo indica que a pouca experiência que teve foi suficiente para ele captar toda a sofisticação e inteligência que caracterizam os projetos da produtora. A parceria de Arndt e Unkrich é harmoniosa, e resulta em cenas excepcionais tanto em sua inclusão na história como na concepção estética, como os flashbacks – este em forma de gravação de vídeo – que mostra Andy demonstrando tanto afeto pelos brinquedos ou aquele explicando as origens das raízes malignas plantadas em Lotso (voz de Ned Beatty). Aliás, a apresentação dos personagens no filme também é fantástica. Sem cerimônias e em uma ótima cena de ação, o diretor adentra com eficiência na imaginação do garoto que fantasia um grande resgate envolvendo Woody, seus companheiros e “inimigos”.

No mais, “Toy Story 3” se revela um perfeito balanceamento entre cenas comoventes e outras um tanto cômicas, que representam essa obstinação de agradar a todas as idades – o que conseguem com louvor. O filme também retrata a dolorosa fase do amadurecimento e traz Andy como um adolescente de 17 anos que, como qualquer outro, mostra-se impaciente e deslocado até por ter que enfrentar responsabilidades dignas de um adulto, desta vez, sozinho. Mas, acima de tudo, “Toy Story 3” é um filme que valoriza o companheirismo e a cumplicidade; e perceber esses laços de amizade tão fortes entre os personagens não deixa de ser emocionante, culminando na cena final, que entra para o hall das mais belas (e simples) que eu já vi no cinema. Mas, passando um lenço nas lágrimas, o terceiro capítulo da história também proporciona momentos engraçadíssimos, como o Sr. Cabeça de Batata virando “tortilha”, o fútil relacionamento entre Barbie e Ken e a fabulosa versão espanhola de Buzz, que já se tornou uma cena épica, além, claro, das imperdíveis sequências que acompanham os créditos finais – e eu só lamento os afobados que foram embora do cinema e não assistiram.

Encerrando a trilogia com chave de ouro, “Toy Story 3” repete toda a riqueza de detalhes comuns nas produções Pixar, exibindo um soberbo design para ambientar a história, como é o caso das paredes coloridas de Sunnyside, que, mais tarde, se converte em uma “ruína de desespero”. Mais que um simples filme, “Toy Story 3” representa uma magnífica e inesquecível experiência cinematográfica, pois é incrível como o filme consegue provocar extremidades no espectador – ao menos em mim –, desde ficar com o rosto inchado de choro até fazer doer as bochechas de tanto rir, tudo isso sem perder a qualidade e o ritmo. Por essa e outras, não apenas o melhor filme de 2010, mas considero “Toy Story 3” uma das melhores animações já produzidas no cinema.

NOTA: 10,0

TOY STORY 3 (Idem) EUA, 2010

Direção: Lee Unkrich

Roteiro: Michael Arndt

Elenco: Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Ned Beatty, Don Rickles, Michael Keaton, John Morris e Laurie Metcalf

Cinelista: 10 fatos que marcaram o cinema em 2010

2010-12-31T14:25:00.035-02:00

10) O assassinato de Ronny Chasen

Considerada uma das mais influentes figuras de Hollywood durante a acirrada temporada de premiações, a veterana divulgadora Ronny Chasen praticamente se tornou vítima de um típico filme de Alfred Hitchcock. Em Los Angeles, após conferir a première de “Burlesque”, no dia 15 de novembro, a relações públicas voltava para casa em seu suntuoso Mercedes preto rumo a Westwood, localizado no condado de Beverly Hills, quando, durante a silenciosa madrugada, cinco tiros cravaram seu peito e o carro da estrategista foi encontrado colidido a um poste de luz. Alguns moradores da famosa Sunset Boulevard – onde ocorreu o homicídio – chamaram socorro, mas, inconsciente, Chasen não resistiu aos ferimentos e morreu a caminho do hospital. O mistério envolto a este assassinato é absoluto. A polícia prossegue com as investigações, mas ainda não foram levantados suspeitos, sabe-se apenas que este foi um caso premeditado, excluindo qualquer possibilidade de uma discussão no trânsito ou algo semelhante. A pergunta que fica é: por que e quem encomendaria a morte de uma profissional de marketing especializada em cinema em pleno início da Corrida pelo Ouro?

9) Sandra Bullock vai ao Razzies

Alguns consideraram um absurdo, mas quem acompanha a corrida e as discussões no fórum do site oficial do Framboesa de Ouro sabe que Bullock era franca favorita ao prêmio de Pior Atriz pela tragédia grega “Maluca Paixão”. A única que fazia concorrência a ela era Megan Fox, duplamente indicada por “Transformers: A Vingança dos Derrotados” e “Garota Infernal”. Os envelopes do Razzies foram abertos tradicionalmente um dia antes do Oscar e os membros concederam a Sandra Bullock o título de Pior Atriz do ano. A comediante foi pessoalmente receber a “estatueta” pelo seu desempenho medíocre no filme de Phil Traill e, levando o “reconhecimento” na esportiva, fez um discurso engraçado – mais que o próprio filme –, levando o roteiro para ler junto ao público que assistia à cerimônia e trazendo em uma carriola DVDs de “Maluca Paixão” para distribuir aos presentes na festa. Curioso que no dia seguinte, Bullock seria agraciada com um Oscar de Melhor Atriz pelo filme “Um Sonho Possível”. Abaixo, o vídeo de “agradecimento” de Sandra Bullock na cerimônia do Framboesa de Ouro.

8) A ‘infelicidade’ de Arnaldo Jabor

Depois de mais de 20 anos sem filmar, dedicando-se exclusivamente às atividades jornalísticas, o polêmico Arnaldo Jabor quebra o jejum cinematográfico e lança “A Suprema Felicidade”, filme semi-autobiográfico que reúne algumas passagens e experiências de vida do autor em fases diferentes, desde a infância até a juventude. Com grande expectativa sobre o retorno de Jabor ao cinema, o filme acabou dividindo a crítica especializada. Enquanto o bonequinho do O Globo aplaudiu em pé, tantos outros desceram o sarrafo na última aventura do cineasta/jornalista nas telonas. Visto o insucesso com os críticos brasileiros, Jabor dedicou seu espaço no O Estado de São Paulo – que, claro, concedeu 4 estrelas ao filme – para desmoralizar os atuais profissionais da área e classificá-los como uma “patrulha pop” ignorante e rancorosa. Parte de sua coluna foi direcionada a Eduardo Escorel – irmão de Lauro Escorel, diretor de fotografia do filme –, que criticou negativamente “A Suprema Felicidade” para a revista Piauí. Arnaldo Jabor tinha todo o direito de resposta ao sair em defesa de seu “filho”, mas o mesmo se revela um imbecil por escrever um artigo reacionário, presunçoso, prepotente e tão desnecessário quanto o seu filme.

7) O fogo contra fogo dos bons companheiros

A sétima posição não representa necessariamente um “evento”, mas a notícia deixou cinéfilos de todo o mundo com o coração palpitando quando souberam da reunião de duas figuras importantíssimas, cuja parceria rendeu obras-primas incontestáveis na história do cinema. Martin Scorsese e Robert De Niro are back, bitches! O reencontro será no filme “The Irishman”, que se encontra em fase de financiamento e tem previsão de início das filmagens já no primeiro semestre de 2011. Como se não bastasse Scorsese e De Niro juntos novamente, foram confirmadas as presenças de outros dois atores que fizeram fama e obteram reconhecimento por trabalharem com “Scorsa” no passado: os talentosos Joe Pesci e Harvey Keitel. Além do quarteto fantástico, a inclusão de Al Pacino no elenco também foi decisivo para posicionar o anúncio dessa junção de feras nesta Cinelista dos maiores destaques do ano. As expectativas estão nas alturas. Só esperamos que “The Irishman”, escrito pelo oscarizado Steve Zaillian, esteja mais para “Fogo Contra Fogo” do que para “As Duas Faces da Lei”. Mas com Scorsese na condução, eu não tenho dúvidas de que Michael Mann terá um rival à altura.

6) O desânimo dos principais festivais

Atualmente, Berlim, Cannes e Veneza representam a divina trindade dos festivais de cinema. O calendário dos mais representativos eventos cinematográficos dá a largada em fevereiro, com a congelada semana da Berlinale. A segunda quinzena de maio é o tradicional período em que a Croisette fica pequena diante de tanto talento no conceituado Festival de Cannes. Por fim, Veneza encerra a entrega dos objetos “de ouro” – urso, palma e leão –, geralmente em setembro. Presidido pelos diretores Werner Herzog, Tim Burton e Quentin Tarantino, respectivamente, as escolhas dos principais vencedores das edições deste ano não foram aprovadas pela maioria dos críticos, além de terem sido massivamente criticadas pelo público presente, que apontaram outras produções mais merecedoras de prêmios e presentes na seleção oficial. Considerado inexpressivo e decepcionante – a julgar pelo resultado final –, definitivamente, 2010 não foi um ano de prestígio em se tratando dos (mais aguardados e queridos) festivais. “Um Doce Olhar” – vencedor em Berlim – já foi lançado nos cinemas brasileiros. Resta conferir “Tio Boonme, Que Pode Recordar Suas Vidas Passadas” (Cannes) e “Um Lugar Qualquer” (Berlim) para constatar se o ouro foi mesmo parar em mãos erradas.

5) Jô Soares entrevista Francis Ford Coppola

Vergonha é pouco. Abra um vinho e aperte o play rs.

4) Kathryn Bigelow rompe com suposto “machismo” da Academia

Acima do marketing extraordinário que antecipou sua vitória no Oscar, a norte-americana Kathryn Bigelow foi consagrada com a estatueta dourada, sobretudo, por merecimento, tornando-se a primeira diretora a ser reconhecida nesta categoria. Uma das curiosidades de sua nomeação é que um dos seus concorrentes foi seu ex-marido, James Cameron, diretor de “Avatar”, com quem manteve um relacionamento de quase dois anos. Muitos veículos afirmaram que a Academia é machista neste sentido, tendo indicado apenas 4 diretoras em todos esses 82 anos de premiação – as demais foram Lina Wertmüller por “Pasqualino Sete Belezas” (1977), Jane Campion por “O Piano” (1993) e Sofia Coppola por “Encontros e Desencontros” (2004) –, mas não observo dessa forma, visto a quantidade desproporcional e majoritária de homens nessa função. Premiada pelo seu soberbo trabalho de condução pelo pungente e corajoso “Guerra ao Terror”, Bigelow faz história no cinema e abre caminho para a classe feminina de cineastas ser mais reconhecida pelos seus esforços. Mais do que a premiação de uma mulher, a vitória da diretora representa um avanço em muitos sentidos, incluindo artístico.

3) “Avatar” e sua bilheteria de outro planeta

O filme é de 2009, mas sua grande conquista em termos monetários foi alcançada em 2010, mais precisamente na última semana de janeiro. A ficção-científica futurista “Avatar” superou o faturamento nas bilheterias do romance “Titanic” e quebrou recordes mundiais, arrecadando até essa data, “modestos” US$ 1,85 bilhões. Mas não parou por aí. O filme ficou em cartaz nas salas de exibições ainda por muitos meses em todo mundo, tamanho popularidade entre o público, o que se revelou um verdadeiro fenômeno. No total, segundo o site Mojo, “Avatar” arrecadou nas bilheterias worldwide em torno de US$ 2,7 bilhões. Nada mal para um filme que custou US$ 500 milhões, sendo 40% do orçamento direcionados a campanhas publicitárias. A tecnologia 3D, com que “Avatar” foi concebido originalmente e foi até uma técnica bem popular em 2010, ajudou nos resultados expressivos de faturamento, mas não foi o único fator – talvez o principal. Todo o mundo ficou encantado – ao menos, curioso – com os Na’vis e o universo místico de Pandora e, para alguns espectadores, foi uma experiência inesquecível. Superar “Avatar” nas bilheterias vai ser um trabalho difícil, talvez só o próximo filme em 3D do próprio James Cameron.

2) O corajoso cinema iraniano

Não apenas entretenimento e arte, mas o cinema também pode ser usado como uma poderosa ferramenta de denúncia dos mais diversos âmbitos. Não é de hoje que bravos cineastas do Irã filmam projetos de forte cunho político-social, que mesmo sem explicitar mensagens direcionadas, suscitam a dúvida de uma crítica ferrenha ao método de governo vigente do país. Seguindo os passos do neoditador da Venezuela, Hugo Chávez, o atual presidente do Irã, Mahmoud Ahmadinejad, determinou a censura de diversos filmes iranianos que são considerados subversivos, pois se posicionam contrários à ditadura que o reacionário Ahmadinejad está instaurando na nação. Abaixo, um vídeo do cineasta Bahman Ghobadi, diretor de excelentes filmes como “O Círculo” e “Tartarugas Podem Voar”, incentiva os internautas a baixarem gratuitamente sua última produção, “Ninguém Sabe dos Gatos Persas”, que retrata a repressão no Irã e foi proibida sua exibição nos cinemas do país.

“Olá, meu querido povo iraniano. Aqui é Bahman Ghobadi, diretor deste filme, ‘Ninguém Sabe dos Gatos Persas’. Estou muito orgulhoso de que você possa assistir ao meu filme sem pagar nada (...) No Irã nossos filmes são proibidos de serem exibidos nos cinemas. Então assista! E peço duas coisas: primeiro, assista em grandes monitores com boa qualidade de som; segundo: se você conhece alguém que, como os jovens do filme, trabalha com música underground, ajude-o(a). Essas pessoas trabalham numa situação difícil no Irã, sem nenhuma ajuda do governo ou outras organizações. O futuro do Irã está na mão desses jovens e de outros artistas”.

O caso Jafar Panahi

No início do ano, o cineasta iraniano Jafar Panahi foi condenado à prisão, acusado pelo seu alinhamento político contrário ao regime e por ter ligações diretas com grupos de oposição. O diretor integraria o corpo do júri do Festival de Cannes deste ano, mas não poderia estar presente por conta da prisão decretada. Panahi foi libertado por pressão da imprensa e por petições que incluía o nome de pessoas influentes no meio cinematográfico, e também pela anunciada greve de fome que começou por protesto à sua sentença sem cabimento. A atriz francesa Juliette Binoche, que ilustrou o cartaz do Festival e se consagrou com o prêmio de Melhor Atriz pelo filme do também iraniano Abbas Kiarostami, “Cópia Fiel”, até chorou em uma coletiva de imprensa quando uma jornalista citou esse ato do cineasta enclausurado, registrado no vídeo abaixo. Enfim, tudo em vão. Na última semana, a corte iraniana determinou seis anos de prisão a Jafar Panahi e o proibiu de trabalhar com cinema nos próximos 20 anos (!!!!) pelos mesmos motivos. A pergunta é: até quando essa palhaçada vai durar?

1) O novo recorde do cinema nacional

Há 34 anos, “Dona Flor e Seus Dois Maridos”, adaptação para as telonas do clássico romance de Jorge Amado, dirigido pelo então estreante Bruno Barreto, detinha a maior bilheteria de um filme nacional nos cinemas brasileiros. Os números de arrecadação do filme são imprecisos, mas o registro de quantos espectadores assistiram ao filme nos cinemas, em 1976, é de 10.735.524 pessoas. O recorde, no entanto, foi quebrado por uma turma osso duro de roer. Além de se tornar o filme brasileiro de maior sucesso, “Tropa de Elite 2” confirmou ser o filme mais assistido de todos os tempos em terras tupiniquins, arrastando, até hoje, 11.081.199 curiosos para conferir a guerra travada pelo famoso Capitão Nascimento, interpretado pelo ator Wagner Moura. Há, no entanto, muitos fatores que devem ser considerados para repensar o cálculo, como o aumento da população – de 110 milhões para 150 milhões –, assim como a diminuição significativa de salas exibidoras de cinema. “Tropa de Elite 2” arrecadou até o momento mais de R$ 102 milhões, mas além da repercussão no faturamento, José Padilha cumpriu a missão que lhe fora dada e entregou um filme urgente, reflexivo e dos mais importantes realizados por este país. Não apenas um fenômeno popular; pessoalmente, considero “Tropa de Elite 2” um dos melhores filmes de 2010 e da nossa cinematografia.

Desejo a todos os leitores, uma excelente virada de ano e que 2011 seja um ano repleto de realizações, conquistas e, principalmente, expectativas. Grande abraço a todos!

Gente Grande

2010-12-28T17:29:00.007-02:00

Não é novidade pra ninguém o fato de que alguns diretores, por proximidade e admiração, escalam com frequência determinados atores para integrarem o elenco de seus filmes, preferencialmente assumindo o papel principal da história. Diversas parcerias renderam filmes inesquecíveis, além de terem construído perfis de identificação marcantes de acordo com os estilos, hábitos e outros aspectos de cada profissional. Dentre grandes nomes como Federico Fellini ao lado de Marcello Mastroianni ou Alfred Hitchcock com Cary Grant, há também Dennis Dugan e Adam Sandler, responsáveis pelas maiores catástrofes em formato de “comédia” dos últimos anos. A dupla vem bombardeando o cinema com filmes medíocres, mas que, graças à popularidade do “comediante”, tornam-se sucessos instantâneos de bilheteria. A união começou em 1996 com o assistível “Um Maluco no Golfe”, seguido por comédias que trazem “lições de moral” como “O Paizão” e “Eu os Declaro Marido...e Larry!”, até chegarem ao mais baixo nível da vergonha alheia com o desprezível “Zohan – O Agente Bom de Corte”. Um dia, Sandler, muito gente boa, acordou e resolveu prestar um favor para os amigos sem graça como ele, mas que não dividem o mesmo prestígio do público. Elencou outros quatro atores decadentes, escreveu um roteiro baseado em piadas sobre flatulência, obesidade, mulheres gostosas e homossexuais e defecou “Gente Grande”, mais uma atrocidade que leva o selo Happy Madison – produtora do ator – nos créditos.

Roteirizado por Sandler ao lado de Fred Wolf – cujo currículo no cinema é preenchido apenas por comédias retardadas como esta –, “Gente Grande” começa com um acirrado jogo de basquete entre crianças de 12 anos. Com a arquibancada lotada assistindo à partida, o time vencedor foi o comandado pelo treinador Buzina (Clark), que cheio de orgulho, depois leva a equipe campeã para comemorar a vitória em uma lanchonete. Trinta anos se passaram, e é a morte do coach que acaba reunindo os antigos amigos, agora casados, com filhos, mas com o mesmo “espírito infantil”. Lenny (Sandler), Eric (James), Kurt (Rock), Marcus (Spade) e Rob (Schneider) se reencontram para velar o corpo do antigo companheiro e resolvem passar um final de semana com a família em uma casa de campo que costumavam se encontrar quando eram mais jovens.

É até difícil enumerar a quantidade de defeitos do filme, porque basicamente pouca coisa se salva dessa tragédia grega. Dugan já disse, certa vez, que a público-alvo de seus trabalhos não vai ao cinema em busca de uma mensagem, vão com o único objetivo de dar boas risadas. Tudo bem. Todo mundo precisa assistir a filmes como puro entretenimento, apenas para se divertir, mas “Gente Grande” é debochado ao extremo, não tem qualidade cômica, sequer apresenta a menor preocupação com a narrativa, que só funciona como pretexto para ostentar piadas gratuitas e desconexas. E, nesse sentido, o filme não desperdiça um frame. Até em cenas que exigiam o mínimo grau de sensibilidade, como o próprio funeral do tal treinador, Sandler converte tudo em um stand up comedy dos mais absurdos, levando as pessoas que compareceram à igreja a darem gargalhadas em pleno velório (!). Como ficam os familiares do morto? Onde fica o respeito pela pessoa pelo qual nutriam tanta consideração como os personagens diziam?

Sem dirigir um filme que preste em toda sua ridícula filmografia, Dennis Dugan comprova ser um dos piores diretores em atividade. A preguiça do diretor não imprime identidade em nenhuma cena e sua falta de conhecimento cinematográfico resulta em ângulos totalmente óbvios e outros deslocados. Como se não bastasse, desperdiça grandes chances de não transformar “Gente Grande” na tortura que é, ao menos estabelecendo algumas transações mais elegantes, como no jogo de basquete final – um coisa meio “Doze é Demais 2” – e em tantos momentos amadores e gritantes em sua arbitrariedade. Em suma, é um conglomerado de cenas estúpidas, que submetem os atores a situações vexaminosas, como é o caso da eficiente Maria Bello, que passa boa parte do filme dando de mamar ao filho de 4 anos (!!!).

Os atores são uma fraude. Adam Sandler interpreta sempre o mesmo tipo de cara despreocupado, com piadinhas que denigrem a imagem de outra pessoa, mas com um coração que não lhe cabe no peito (ah vá!). Rob Schneider faz hora extra, Kevin James e Chris Rock só estão para fazer volume à equipe, e o personagem de David Spade, o único solteiro entre os cinco, perde uma grande chance de fazer piadas mais inspiradas, o que acaba se revelando posteriormente o mais idiota e irritante entre eles – e isso não é pouca coisa. É de se esperar uma desgraça retumbante com um elenco como esse, mas o que me deixa mais frustrado em “Gente Grande” é o envolvimento de atrizes talentosas em papeis dignos de uma Jennifer Coolidge da vida. Bello, já citada, e Maya Rudolph até que driblam as péssimas personagens que interpretam, mas quem “surpreende” e entrega a pior atuação do filme é a mexicana Salma Hayek Pinault, pois é notório o esforço frustrado da atriz em fazer a plateia rir, o que acaba só reforçando suas limitações como comediante.

Mas o roteiro também não colabora. No caso de Hayek, tem uma cena específica que ela deve deixar o local para viajar a negócios, mas antes de pegar o voo, junta-se às crianças para atirar pedras e fazê-las quicarem em um riacho. Após perceber que perdeu essa habilidade, Hayek chega ao marido e pede para cancelar sua passagem porque “vai demorar alguns dias para reaprender” (!). E nem sequer o roteiro a mostra treinando jogar a maldita pedra no rio novamente! E que tipo de profissional deixa de viajar para um compromisso no exterior para recuperar a técnica de atirar pedras na água estilo patinho?! Está aí uma das milhares de saídas criadas pela mente fértil dos roteiristas, que ao lado da incapacidade do diretor em criar uma cena no mínimo interessante ou meramente engraçada, entrega uma das maiores bombas do ano, mas também um dos filmes mais assistidos nos cinemas em 2010 – inexplicáveis US$ 162 milhões arrecadados.

“Gente Grande” não parece cinema. Está mais para uma (das várias) campanha publicitária para promover a figura de Adam Sandler, um cara bacana, engraçado, que trabalha em Hollywood e consegue tirar o sutiã de Salma Hayek logo no primeiro encontro, joga basquete melhor do que Michael Jordan e dá piruetas extraordinárias em um cabo de tirolesa. Desta vez, o ator resolveu fazer uma boa ação e dar uma guinada na figuração pública de seus amigos, que parecem não estarem recebendo propostas de trabalho tão boas para aceitarem participar de uma merda como esta, mas enfim, também parece ser o máximo que estes atores são capazes de fazer.

NOTA: zero

GENTE GRANDE (Grown Ups) EUA, 2010
Direção: Dennis Dugan
Roteiro: Adam Sandler e Fred Wolf
Elenco: Adam Sandler, Kevin James, Chris Rock, David Spade, Rob Schneider, Salma Hayek Pinault, Maria Bello e Maya Rudolph

A Fita Branca

2010-12-26T14:29:00.007-02:00

Mestre em retratar os instintos mais obscuros do ser humano, o austríaco Michael Haneke construiu sua carreira no cinema com filmes polêmicos que traçam estudos cruéis sobre comportamento humano atrelados a situações adversas e temas considerados (por muitos) tabus no mundo contemporâneo. Restringindo os comentários aos mais recentes, “A Professora de Piano” (2001) discute a impossibilidade do afeto dos personagens, cujos encontros predominam a perversidade sexual; “Caché”, de 2005, é um poderoso filme sobre a manipulação da imagem e uma história tensa de vingança, que foge completamente das convenções do gênero; e seu projeto mais catártico, “Violência Gratuita” – original de 1997, que ganhou um inexplicável remake em 2007 pelas mãos do próprio diretor –, um filme repulsivo que propõem um “jogo de resistência” com o espectador e prova, no final das contas, sua passividade frente aos atos de barbaridade. São obras(-primas) provocadoras, desconcertantes e que cutucam a ferida de quem assiste. Não muito distante dessas qualidades também está o seu último filme, “A Fita Branca”, vencedor da Palma de Ouro no Festival de Cannes, em 2009.

Concebida pelo próprio Haneke, a história é ambientada em uma aldeia protestante alemã, às vésperas da Primeira Guerra Mundial, onde perversos incidentes acabam preocupando os moradores. Como todos se conhecem e, aparentemente, não sustentam inimizades com os vilarejos vizinhos, os habitantes aceitam com estranheza esses eventos violentos, que ganham maior dimensão e periodicidade, envolvendo pessoas que desempenham funções importantes no local – ou próximas a elas –, como o Barão, o doutor, a única parteira da região, dentre outros. “A Fita Branca” é sustentado por várias subtramas que mostram as reações dos habitantes perante esses acontecimentos sinistros, sendo qualquer um acusado de ser o causador da desordem, como também a próxima vítima.

Porém, mais do que indicar os possíveis autor(es) das brincadeiras macabras à medida que o enredo avança, o filme se preocupa em fazer uma interessante investigação sobre a gênese do mal, remetendo claramente aos eventos duvidosos do pequeno povoado em diálogo com a origem do Nazismo, que infecctou a Alemanha a partir da década de 30. No entanto, muitos se limitam em classificar o projeto como um mero retrato dos antecedentes nazistas, considerando apenas o país em que se passa a trama, mas o filme vai além. “A Fita Branca” se apropria de um argumento que demonstra um dos vários caminhos que direcionam uma sociedade a patamares irreversíveis de opressão, fanatismo e alienação. A educação repressora com que os personagens adultos criam seus filhos são os principais indícios da nascença do autoritarismo naquele local, o que, consequentemente, decai sobre as crianças da aldeia a suspeita pela autoria dos atos de tortura como uma maneira de extravazar a rigidez paternal. Mas essa é apenas uma possibilidade e o flerte com a incerteza apenas enriquece a trama, que se revela um ótimo exercício de dialética.

Intercalado por momentos absolutamente acachapantes, a rispidez de determinadas cenas torna a sessão de “A Fita Branca” uma experiência perturbadora, que mergulhada em um preto-e-branco sombrio e característico à época, alimenta o grau de frieza e desconforto imperantes sobre a narrativa. Apontar apenas uma das cenas soa até injusto, mas aquela em que o garoto confessa ao pai pastor que tem desejos sexuais talvez seja um dos momentos mais tensos de toda a história, explicável porque estampa o cartaz de divulgação do filme. Mas esta cena específica rivaliza com tantas outras, como a do garotinho inocente que descobre as “causas” da morte durante o jantar ou aquela que ilustra um diálogo humilhante e assombroso entre o doutor e a parteira do vilarejo, outrora amantes. O espectador não é apresentado formalmente aos personagens que povoam “A Fita Branca”, mas cenas como estas dizem muito sobre cada um, mais do que muitos filmes que não dizem nada nem sobre o protagonista em seus 90 minutos de duração.

Recurso banalizado em inúmeros projetos como artifício para mastigar a história e torná-la mais compreensível ao espectador, a elegante narração em off de “A Fita Branca” desempenha papel importante, funcionando como catalisador da aura de mistério que alicerça o filme. E é com muito pouco que Haneke, exibindo seu já conhecido rigor técnico e precisão, transforma a pequena aldeia em um antro de maldade, inveja e indiferença. Violento, mas sem ser explícito, a força do filme reside na crueza dos diálogos, em conjunto com a solidez da câmera silenciosa e com um elenco majoritariamente composto por estreantes – sobretudo as crianças –, que assumem personagens desafiadores e rendem performances memoráveis.

Ainda contando com uma fotografia exuberante assinada pelo também austríaco Christian Berger – parceiro habitual de Haneke –, “A Fita Branca” é um filme que não dá respostas fáceis, por outro lado, oferece uma parábola contundente e reflexiva.

NOTA: 8,5

A FITA BRANCA (Das Weisse Band – Eine Deutsche Kindergeschichte) Alemanha, 2009
Direção e Roteiro: Michael Haneke
Elenco: Christian Friedel, Leonie Beneschi, Ulrich Tukur, Burghat Klaussner e Susanne Lothar

Um Doce Olhar

2010-12-21T14:41:00.007-02:00

“Um Doce Olhar” encerra a premiada trilogia comandada pelo diretor turco Semih Kaplanoglu, que discorre sobre diferentes fases da vida de um personagem chamado Yusuf, que, embora tenha o mesmo nome, não se trata, necessariamente, da mesma pessoa nos três filmes. Os dois primeiros são “Ovo”, lançado em 2007, que traz como protagonista um poeta e proprietário de uma livraria que retorna à cidade natal para velar o corpo da mãe; o segundo capítulo, de 2008, é “Leite”, acerca de um adolescente que não consegue aprovação no vestibular e sonha em escrever poesias. Inéditos comercialmente no Brasil, esses filmes conseguiram visibilidade por meio de exibições em festivais de cinema, onde conquistaram prêmios concorridos e estabeleceram o nome de Kaplanoglu como um autor de obras poéticas e que prezam pela sinceridade. Premiado com o Leão de Ouro no Festival de Berlim deste ano, “Um Doce Olhar” – “Mel” seria a tradução literal – reafirma o apuro visual empregado pelo diretor e o naturalismo das cenas, que, aqui, servem para ilustrar o processo de descobertas do jovem protagonista. Dessa forma, o diretor recusa qualquer artifício espetacular para tornar a fita narrativamente mais dramática, preferindo apenas apresentar, com franqueza e de forma sutil, as ansiedades e ambições de uma criança provinciana de 6 anos, o que converte automaticamente o espectador em um mero voyeur de cada reação espontânea do garoto frente às circunstâncias da vida.

No entanto, a despeito das qualidades inegáveis do longa, “Um Certo Olhar” é prejudicado pelo ritmo demasiadamente lento e pelo seu perfil absorto, que impede maior envolvimento emocionalmente por parte do espectador com a história. Escrito pelo próprio diretor em companhia do roteirista Orçun Köksal, o filme se concentra em Yusuf (Altas), um garoto de poucas palavras, introspectivo, que frequentemente sai para procurar lugares na floresta com o pai apicultor, Yakup (Besikçioglu), para fixar colméias e cultivar abelhas fabricantes de mel. Junto com a mãe (Özen), que cuida de uma lavoura de hortaliças, a família mora em uma região montanhosa no norte da Turquia, cenário onde o pequeno Yusuf começa a se relacionar com sentimentos desconhecidos.

A cena inicial é um ótimo convite para o espectador adentrar o universo lírico do filme, mas, infelizmente, essa comunicação se evapora com tantos momentos esteticamente bem construídos, mas isolados e que pouco têm a acrescentar para a narrativa. Rodado em locações externas admiráveis pela sua beleza natural, o diretor opta por imagens abertas e, geralmente, com a câmera estática a fim de explorar as belas paisagens do local, de onde também são extraídos os sons ambientes que compõem a trilha sonora do filme, como o vento uivando ou os pássaros a cantar. Entretanto, a preocupação de Kaplanoglu não se resume à plasticidade, pois essa opção de posicionamento também é interessante por subentender a mediocridade humana frente à imensidão da natureza, porém sem recorrer a mensagens panfletárias. Essa interpretação é possível durante os longos planos panorâmicos que captura o pequeno Yusuf e o meio ambiente que parece o engolir. Trata-se de um filme bucólico, em que a natureza assume um importante papel na história.

Muitos apontariam “Um Doce Olhar” como um típico “filme de festival”. Essa definição é discutível, mas que não chega a depreciar os méritos evidentes do projeto, cuja linguagem não é mesmo acessível a todos os públicos. Na verdade, não é um longa que exige muito do seu espectador, a não ser sensibilidade e paciência. É contemplativo e econômico, para ser observado e apreciado (quem conseguir) com afeição, já que se trata de um singelo filme sob a perspectiva infantil em diversos fatores da vida humana. Alguns podem se encantar com a ingenuidade do protagonista, mas outros podem torcer o nariz pela ausência de diálogos e afetação da história.

Representante da Turquia para o Oscar 2011, “Um Doce Olhar” é um filme delicado e interessante, mas que destoa completamente com algumas passagens deslocadas e, para balancear, é prejudicado pela paixão que sente por si próprio. É como dizem: mel faz bem, mas em excesso, enjoa.

NOTA: 6,5

UM DOCE OLHAR (Bal) Turquia, 2010
Direção: Semih Kaplanoglu
Roteiro: Semih Kaplanoglu e Orçun Köksal
Elenco: Bora Altas, Erdal Besikçioglu, Tülin Özen, Ayse Altay e Alev Uçarer

Abutres

2010-12-18T15:50:00.008-02:00

Enquanto assistia a “Abutres”, vários filmes começaram a pipocar na minha cabeça, porém nenhum deles, necessariamente, serve como parâmetro para fazer comparações concretas com a produção argentina, visto que tanto as propostas como as próprias histórias são bastante divergentes entre si. Mas não custa apontar algumas semelhanças. Um dos que me assaltou a mente foi “Amores Brutos”, grande filme mexicano que marcou a estreia do diretor Alejandro González Iñarritu no cinema. O grau de cotejo é bem tênue, confesso, mas a concepção visual de ambos e a eficiência como thriller urbano sombrio dialogam como nenhum outro. É uma experiência terrivelmente desagradável e perturbadora assistir a essas duas películas. Outro filme do qual me lembrei foi o oscarizado “Crash – No Limite”, apenas porque os dois projetos entregam uma ótima narrativa cíclica, que, coincidentemente, iniciam e finalizam suas histórias com os mesmos incidentes. Por fim, “Atração Perigosa”, última aventura de Ben Affleck como diretor. Tanto este como “Abutres” conciliam com astúcia subtramas completamente opostas, uma envolvendo o submundo do crime e a outra, um caso amoroso que se revelam estepes para os próprios personagens de caráter ambíguo se encontrarem. Além, claro, dos filmes serem ambientados em metrópoles onde a sensação de perigo é constante. “Abutres” é um interessante projeto que celebra o caos, usando a figura do trânsito para ilustrar sua denúncia, que dá até para fazer um paralelo com “Week End”, do Godard, mas acho bom parar por aqui com estes confrontos cinematográficos e discorrer sobre o filme em questão.

Após perder a licença da OAB, Sosa (Darín) se torna um advogado especialista em acidentes rodoviários, pois é este “ramo” que sustenta o mercado de indenizações, considerando os números expressivos de vítimas no trânsito da Argentina que o filme expõe logo em seus primeiros segundos de projeção. Trabalhando para uma agência afundada em corrupção, Sosa passa boa parte de seu tempo nas salas de espera de hospitais, nas delegacias e nas ruas da cidade procurando por clientes potenciais, vulgo, acidentados. Em uma de suas assistências a um motociclista ferido, ele conhece a médica Luján (Gusman), cujo desgastante expediente de trabalho a condena andar em uma ambulância pelas avenidas prestando socorro a casos de emergências. Quando Sosa se demite e passa a trabalhar por conta própria, os mafiosos da empresa corrupta o enxergam como um concorrente, e as ameaças para o advogado e à sua namorada colocam em risco a união do casal.

O diretor Pablo Trapero cria uma atmosfera realista muito pertinente para delinear o desenvolvimento da história. Expondo o conflito das situações acima de qualquer sintoma de misericórdia, Trapero se mostra mais preocupado com os problemas e adversidades que sustentam a trama, tanto que, a não ser quando estão juntos em momentos íntimos, acompanhamos os protagonistas sempre fatigados e claramente infelizes com a profissão que exercem, um deles recorrendo até a remédios injetados diretamente na veia para lhe dar disposição e continuar na ativa. São raros os momentos de respiros no filme, pois geralmente é acompanhado por um clima mórbido, propositalmente desconfortável. Conhecido pelos longos e chocantes planos-sequências que emprega em seus projetos – digo por “Família Rodante” e “Leonera”, os únicos do diretor dos quais assisti –, em “Abutres”, o cineasta também abusa dessa técnica, o que se revela uma opção inteligente por garantir maior dimensão de verossimilhança ao longa, que culmina em cenas com planos absolutamente fantásticos e doloridos, como os que se passam dentro do hospital e exploram a precariedade do ambiente ou a magistral sequência que encerra o filme, não recomendável para pessoas com insuficiência cardíaca.

Mas o impacto dessas cenas não seria integral se “Abutres” não contasse com uma equipe técnica composta por profissionais. A edição apurada e o soberbo design sonoro intensificam a tensão provocada pelo filme, tanto em momentos inesperados como outros que em que o espectador já prevê o que irá acontecer, mas, ainda assim, é surpreendido pela violência e crueza, elementos que o diretor Pablo Trapero não faz questão de ocultar. Este é mais um caso do cinema preocupado com os direitos humanos e com as questões sociais. “Abutres” é um filme visceral e reflexivo, que vai muito além do que lemos e assistimos nos jornais diários, mas evidencia outro ângulo de situações que estamos fartos de conferir nas páginas ou nos programas de TV.

O filme ainda reúne dois dos melhores atores argentinos em atividade. É impressionante a naturalidade com que Ricardo Darín encarna seus personagens, sempre com economia e coerência, não sendo à toa o ator mais prestigiado do país vizinho, merecendo mais créditos ainda por não se deixar seduzir por Hollywood, que já lhe fez propostas, mas ele negou todas. Bravo! E o filme também conta com a excelente Martina Gusman – esposa do diretor e produtora executiva do longa –, que dá um verdadeiro show de performance com sua Luján, uma mulher solitária e frágil, que acaba se envolvendo nesse submundo da lei por acaso e se desdobra, ao lado do amante, para driblar os criminosos.

Está aí mais um belo exemplar do cinema argentino, uma cinematografia que vem colecionando elogios festivais afora. Quanto às premiações, “Abutres” tem a ingrata missão de representar a Argentina no Oscar após a consagração de “O Segredo dos Seus Olhos” na cerimônia deste ano. Não cabe a eu fazer comparações, mas talvez seja uma tarefa difícil chegar até lá. Ao menos, à frente do Brasil, nesse sentido, a Argentina está posicionada, porque a carniça que foi a biografia do Lula, todos sabem, abutres comem e lambem o beiço.

NOTA: 8,0

ABUTRES (Carancho) Argentina, 2010

Direção: Pablo Trapero

Roteiro: Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre e Pablo Trapero

Elenco: Ricardo Darín, Martina Gusman, Carlos Weber, José Luis Arias e Loren Acuña

O Último Exorcismo

2010-12-13T13:14:00.008-02:00

Pegando carona no estrondoso faturamento nas bilheterias de filmes de terror experimentais, como “Atividade Paranormal” e o espanhol “[REC]” – que não demorou um ano, já ganhou uma pobre versão norte-americana chamada “Quarentena” –, “O Último Exorcismo” parece vir predisposto a reafirmar esse tipo de subgênero no cinema atual, que deu início com “A Bruxa de Blair”, há pouco mais de dez anos. Basicamente, trata-se de jovens curiosos munidos apenas de uma câmera, que se submetem a documentar eventos sinistros em locais desprotegidos. Como esses personagens não são cinegrafistas profissionais e ainda se encontram consumidos pelo medo de enfrentar o desconhecido, a imagem registrada não prima pela qualidade, incluindo cenas que sequer o espectador visualiza o que realmente se passa. Para alguns essa técnica funciona, porque o amadorismo proposital desperta a imaginação de quem assiste e ainda garante um grau de realismo que muitos podem até desconfiar de sua natureza ficcional. Para outros, não passa de uma pretensão pouco eficaz de mercenários que apenas almejam lucro fácil e sucesso. Nessa situação, eu jogo nos dois times, embora confesse que nenhum dos filmes citados teve algum impacto sobre mim, pois apesar da câmera trêmula e todo esse artificialismo, não considero apenas a imagem estampada na tela responsável pelo desconforto, mas sim, a conciliação destas cenas com uma atmosfera perturbadora fruto de um roteiro denso e bem preparado. E este último item, infelizmente, nenhum destes horror fake documentaries têm a oferecer.

Depois de uma carreira dedicada a exorcizar pessoas possuídas por demônios nos templos, o pastor evangélico Cotton Marcus (Fabian) desistiu dessa prática após ler um artigo no jornal em que várias pessoas tentaram expulsar o demônio de um garotinho, que acabara morrendo asfixiado. Para denunciar o processo teatral e esquemático do exorcismo, o reverendo permite que uma equipe de documentaristas filme seu último ritual de exorcismo. Dentre várias cartas que recebe de fieis pedindo ajuda, ele escolhe aleatoriamente a de Louis Sweetzer (Herthum), um homem do campo, de Louisiana, que clama por socorro, pois sua criação de gado vem sendo abatido misteriosamente e ele acha que lida com um caso de possessão demoníaca na família. Chegando ao local, o exorcista descobre que é a filha de 16 anos que é a “hospedeira” e a situação começa a ficar fora de controle.

Embora não seja original, a ideia primária do filme é muito interessante: denunciar os porcos que não economizam esforços para transformar uma “sessão de exorcismo” em um show de espetáculo – e não vou sujar meu blog postando links, basta acessar o YouTube e digitar na busca “igreja universal exorcismo” que já dá uma bela mostra dessa picaretagem. Começando de maneira promissora, apresentando a família do pastor, imagens de arquivos e depoimentos de pessoas próximas, “o Último Exorcismo” é convincente em sua alegoria ao real, o que se intensifica por trazer rostos meramente desconhecidos para protagonizar o projeto, fazendo crer que a formação, a aptidão a pregador e todos os outros eventos aconteceram mesmo na vida real. Infelizmente, depois o filme perde o foco e se converte em pura pornografia de terror para deixar o espectador com frio na espinha, o que pouco consegue, já que os sustos se revelam calculados e sem dosagem.

A câmera, nesse caso, é uma das ferramentas mais importantes, mas a direção do semi-estreante Daniel Stamm falha pela falta de autenticidade em algumas cenas-chave, como a que se passa em um celeiro – alguém aí gritou “O Exorcismo de Emily Rose”?. Nos momentos que deveria ser mais eficazes, o filme acaba traindo a lógica visual com que foi concebido, dando poder à câmera de registrar cenas milimetricamente cuidadosas, o que repercute negativamente no trabalho dos montadores. Ao editarem um plano-sequência, obviamente, ininterrupto – lembrando que o filme é registrando por apenas UMA câmera –, conferimos zooms que não foram acionados, cortes sem explicações, jogo de enquadramentos, imagem perfeitamente clean, impossível para uma pequena câmera digital. Enfim, são desleixos que denunciam o despreparo do diretor, dando a entender que “O Último Exorcismo” aparentemente foi um filme feito sob encomenda, com emergência, para ter passado tantos erros básicos de continuidade.

A premissa é ótima, mas perde o tom e descamba para um desfecho curioso, porém pouco original. Em contrapartida a esses defeitos técnicos, o elenco merece destaque. Sobretudo, a garota possuída interpretada pela estreante Ashley Bell. Reconhecida com uma indicação ao Independent Spirit Awards na categoria Melhor Atriz Coadjuvante, é surpreendente seu trabalho corporal nas cenas mais assustadoras, que se opõem completamente com sua doçura e meiguice quando esta toma forma de uma garota simples e inocente. O ator Patrick Fabian também está ótimo, principalmente no primeiro ato do filme, já que depois seu personagem ganha contornos de “herói-que-quer-fazer-justiça” e o espectador só tem sua atenção mesmo virada para Ashley, visceral em cena.

“O Último Exorcismo” não é uma catástrofe. É apenas um filme mediano, decepcionante, que caiu nas mãos erradas e que desperdiça um ótimo argumento em prol de uma estrutura relativamente cansativa. Tem um sustinhos bacaninhas, mas nada que você não tenha visto em tantos outros filmes que você consegue identificar “ela vai fazer isso”. E me digam: como alguém ainda consegue levar sustos com o previsível? Resposta: não consegue. E aí está uma das principais falhas do filme.

NOTA: 5,5

O ÚLTIMO EXORCISMO (The Last Exorcism) EUA, 2010
Direção: Daniel Stamm
Roteiro: Huck Botko e Andrew Gurland
Elenco: Patrick Fabian, Ashley Bell, Louis Herthum, Iris Bahr e Caleb Landry Jones

A Rede Social

2010-12-10T02:51:00.010-02:00

500 milhões de usuários distribuídos em 207 países ao redor do mundo e, hoje, avaliado por uma bagatela de US$ 25 bilhões. Esses são os impressionantes números apresentados pela maior rede social da internet, o Facebook. Inicialmente criado como uma espécie de “fraternidade de elite” exclusiva aos universitários de Harvard, logo o programa tomou proporções estrondosas, conquistando o território de outros campus de faculdades norte-americanas para finalmente atingir os cinco continentes do globo em um curto espaço de tempo. Representando um grande fenômeno da internet, o Facebook é um dos sites que registra o maior número de page reviewers por dia e a frase “me adiciona no Facebook?”, como observa um dos personagens do filme, virou rapidamente um bordão entre os mais jovens, o que não se difere em nada dos dias atuais, apesar dos seis anos que se passaram. A fase anterior à criação, as ideias que customizaram o site, a súbita popularidade e os percalços judiciais que seu criador, Mark Zuckerberg, enfrentou, tudo é examinado com exatidão no magnífico “A Rede Social”. No entanto, enganam-se aqueles que pensam que a película apenas recria a história do nascimento do Facebook. O filme dirigido pelo talentoso David Fincher se apropria do processo de criação da rede social para retratar, dentre outras questões, uma geração de jovens carentes e ambiciosos com fome de reconhecimento, popularidade e aceitação social.

Adaptação do livro “Bilionários por Acaso: A Criação do Facebook”, de Ben Mezrich, “A Rede Social” mostra as etapas de desenvolvimento do site, começando pelo Facemash, em que seu autor, Mark Zuckerberg (Eisenberg), hackeou o sistema online de sete alojamentos e roubou fotos de alunas para comparar a beleza física uma da outra. Esse episódio rendeu ao jovem o primeiro contato com a Justiça, que o puniu por seis meses de suspensão da Academia. Mas este era só o começo de uma enxurrada de processos posteriores – no filme exibem apenas os dois principais. Um deles é dos gêmeos remadores Cameron e Tyler Winklevoss (ambos interpretados pelo ator Armie Hammer), que pretendiam lançar o HarvardConnection, um site de relacionamento exclusivo entre os estudantes de Harvard, e procuraram Mark justamente para o ajudarem com a criação da rede, depois processando-o por roubo de ideia. Simultaneamente, agora com o Facebook já consolidado, foi a vez do cofundador e diretor financeiro da rede social, Eduardo Saverin (Garfield), que levou o melhor amigo à corte porque ele diluiu sua participação nos bens gerados pela empresa sem apresentar explicações. O que pode parecer um filme chato de tribunal é perfeitamente dosado pelo soberbo trabalho do roteirista Aaron Sorkin, que mescla com perfeição os dois processos jurídicos, apresentando flashbacks dos fatos ocorridos e propondo uma brilhante estrutura lógica e narrativa.

Não se pode negar que a internet é mesmo um celeiro que proporciona uma espécie de “falso poder” ao usuário. Na frente de um monitor, o indivíduo se empossa de uma liberdade que ele julga ter o direito de falar e fazer o que lhe bem entender – para citar um caso recente, a jovem racista que humilhou os nordestinos no twitter, culpando-os pela vitória de Dilma Rousseff nas eleições deste ano. Enfim. Em certo momento do filme, uma estudante, ao se defender de ataques pessoais dirigidos a ela através da internet, diz a Zuckerberg para ele “voltar a seu quarto e desfilar o seu veneno como fazem os revoltados de hoje”. Tratando-se de um filme cujas atenções se concentram na criação de um site, é contraditoriamente fantástico esse argumento da personagem de criar um “universo alternativo” para a pessoa expressar seu caráter, pois é covarde o suficiente para se assumir na vida real, passando a utilizar o ambiente online para tentar mostrar ao mundo sua personalidade enrustida. Guardadas as devidas proporções, é com essa intenção que Mark decide criar o Facebook, como se tentasse abrir uma porta para ser reconhecido, ter notoriedade em meio aos membros dos chamados final clubs, que tanto almejava participar. Engraçado que, depois da fama e dos milhões que arrecada, o personagem desdenha completamente a fraternidade acadêmica, mas enquanto era um “Zé” desconhecido, invejava o fato de o amigo ter sido convidado a integrar o clube Phoenix. No entanto, para tentar sair por cima e desfilar a sua prepotência, Mark não pensa duas vezes em ficar na defensiva ao dizer “talvez eles te aceitaram pela cota de diversidade”, fazendo alusão à nacionalidade de Saverin, por ter nascido em um país de terceiro mundo (Brasil).

Aliás, Zuckerberg é mesmo um filho da mãe. Indiferente, arrogante e desagradável, o filme não faz concessões à figura do rapaz, mas também, em nenhum momento, julga sua conduta e modo de encarar as coisas. Pelo contrário, até admiramos a convicção e empenho do jovem, que, por um lado, é dizimado pela falta de experiência em lidar com negócios. “A Rede Social” não faz questão de criar nenhum personagem que conquiste o coração do espectador e isso explica a frieza e individualismo de cada, mas é justamente neste jogo de egos que reside um dos grandes méritos do filme. Com um texto primoroso e diálogos rápidos, ácidos, o filme dispensa qualquer “cena-espetáculo” para ser memorável e prender o espectador na poltrona, sendo unicamente sustentado com a história desenvolvida com magnitude e a inteligência dos realizadores por detrás dessa sinfonia multifacetada.

Mais contido em relação a seus filmes anteriores, o excelente David Fincher acerta ao não abusar das tomadas para não tornar o material excedente, mas ainda assim, entrega um fabuloso trabalho na condução da história, carregando consigo um virtuosismo muito bem trabalhado. Com a câmera sempre atenta às minúcias de cada situação, Fincher captou perfeitamente a essência dessa geração de jovens empreendedores que despontam no mercado e arrecadam alto com suas invenções – além de Zuckerberg, temos Sean Parker (Timberlake), fundador da Napster e que tem participação ativa no Facebook – e muito curioso um cantor interpretar o responsável pela decadência das vendas de CDS que abalou a indústria fonográfica. Vivendo em uma sociedade essencialmente midiática, também não deixa de ser interessante encarar a internet sob essa perspectiva levantada pelo filme de “um mundo de possibilidades”. Em uma das cenas, o presidente da Harvard diz que “os estudantes da universidade estão sempre inventando empregos para ganhar dinheiro em vez de trabalharem em um”. Quer maior exemplo do que este?

As comparações que “A Rede Social” vem recebendo com “Cidadão Kane” não são gratuitas, definitivamente. Da mesma forma que a imprensa abalou a estrutura da sociedade como demonstra a obra-prima de Orson Welles, aqui enxergamos o papel da internet como parte integrante da vida de tantas pessoas, ocasionando até uma “dependência virtual”. O que, de um lado, é libertador, por outro, é uma prisão carcerária a qual o indivíduo se submete e nem sequer visualiza.

Contando com um elenco integralmente composto por jovens promissores, o futuro Homem-Aranha Andrew Garfield está excelente como o amigo traído, aproveitando sempre ao máximo as cenas em que aparece. Da mesma forma, com muita naturalidade, está o ator Armie Hammer, que recebe a difícil missão de interpretar irmãos gêmeos, mas com personalidades diferentes – e escalar um ator (ainda) desconhecido foi uma sacada genial dos realizadores, pois aposto que 95% dos espectadores acreditam que são gêmeos na vida real. Eu caí como um pato. E para a surpresa geral da nação, Justin Timberlake é um dos grandes destaques do elenco. Confortável no papel e muito convincente na caracterização de seu sábio, mas irresponsável personagem, ele protagoniza uma das melhores sequências do filme, que se passa em um restaurante quando conversam sobre o futuro do Facebook ao mesmo tempo em que a cena é intercalada pelo depoimento de Eduardo em uma banca jurídica. Mas ninguém apaga o brilho de Jesse Eisenberg, fantástico no papel principal. Com a fala rápida e certa inexpressividade habitual vista em seus trabalhos anteriores como o espetacular “Zumbilândia”, acho admirável como o ator converte todas essas “deficiências” em qualidades e conquista o espectador seja pelo seu jeito desleixado ou pelo desdém que sente pela raça humana – tanto neste filme como na comédia com os zumbis.

Com a trilha sonora original e muito bem encaixada assinada pelo vocalista do Nine Inch Nails, Trent Reznor, outro ponto positivo de “A Rede Social” é o magnífico trabalho de edição da dupla Kirk Baxter e Angus Wall (parceiros habituais de Fincher), que fornece um ritmo frenético à história, indispensável em se tratando de uma mescla de tantos episódios. Já conquistando vários troféus e indicações nessa temporada de premiações que se inicia, “A Rede Social” certamente é um dos melhores filmes do ano. Inteligente e atual, utiliza um acontecimento verídico para traçar um pertinente registro de uma era que ainda está engatinhando, sem falar no ótimo estudo de personagem que propõe e que se revela magistral em sua ironia: como um cara tão apático conseguiu reunir milhões de “amigos” e conquistar tantos inimigos durante esse processo. Até esse quadro se reverter – e hoje, claro, já se reverteu com a popularidade conquistada pelo rapaz -, aposto que Zuckerberg fez calos nos dedos de tanto apertar a tecla F5.

NOTA: 10,0

A REDE SOCIAL (The Social Network) EUA, 2010
Direção: David Fincher
Roteiro: Aaron Sorkin
Elenco: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Armie Hammer, Max Minghella e Rashida Jones

Coco Chanel & Igor Stravinsky

2010-12-07T22:24:00.013-02:00

Considerada um dos maiores ícones da moda não apenas pela confecção de chapéus e criação de uma fragrância que lhe consagraria no ramo, mas também pelo guarda-roupa “ousado”, tingido de cores neutras pouco chamativas e sem apresentar traços essencialmente femininos. Foi cantando em bares e bórdeis que a jovem francesa Gabrielle Bonheur encantou um velho barão, que abriu as portas de sua mansão para a ambiciosa donzela seduzida pelos ares da burguesia francesa. Anos mais tarde, era justamente na alta sociedade da França que Gabrielle, depois popularmente conhecida como Coco Chanel, se estabeleceria. A fase anterior da jovem estilista até consolidar a sua marca é retratada no ótimo “Coco Antes de Chanel”, filme lançado em 2009, dirigido pela luxemburguesa Anne Fontaine e que trazia o talento e a doçura da atriz Audrey Tautou como a personagem-título. Neste “Coco Chanel & Igor Stravinsky”, a história parte do tórrido relacionamento amoroso entre o casal que batiza a obra. Ela, uma artista no auge de sua carreira, proprietária de uma luxuosa mansão – herdada do barão – e financeiramente independente. E Stravinsky, um famoso compositor russo que cede aos encantos da rica estilista e aceita a ajuda oferecida por ela – moradia e empréstimos em dinheiro – até sua situação ficar equilibrada.

Depois de uma peça teatral de sua autoria ser massivamente reprovada pelos espectadores, considerando-a “obscura” e “obscena”, Igor Stravinsky (Mikkelsen) se vê com a popularidade em baixa. Ao contrário do público conservador, Coco Chanel (Mouglalis) se interessa pela excentricidade da arte desenvolvida pelo russo e acaba se aproximando do artista. Ele não recusa o seu socorro e aceita passar alguns dias na mansão de Coco, ao lado da frágil esposa, Katarina (Morozova), e seu rebanho de filhos. Lá, entre os cômodos frios e silenciosos, a infidelidade impera e surge um lascivo romance entre eles, sem afeto ou sentimento, regido pelo puro prazer da carne.

Da mesma forma que o envolvimento do casal protagonista não apresenta nenhuma paixão, o filme em si é elegantemente frio. Talvez a história entre os amantes nem fosse suficiente para render um filme só para eles, já que o caso extraconjugal, a julgar pelo resultado do projeto, não passa de uma atração sexual atrelada à admiração mútua entre duas pessoas de renome. Propondo quase um exercício de incomunicabilidade com o espectador, o diretor holandês Jan Kounen realiza um trabalho mecânico e com pouca vibração. O filme tem fôlego no seu primeiro ato, a exemplo da ótima cena ambientada no interior do teatro – uma composição belíssima que responde perfeitamente ao desconforto que Kounen pretende transferir ao público –, mas depois o potencial que o filme apresentava se dilui no fastio que acompanha a história até seu decepcionante desfecho. A fragilidade de Kounen fica evidente nas cenas em que os personagens-título estão separados por algum compromisso e ele tenta externalizar a saudade e dependência um do outro naqueles momentos de solidão, utilizando o péssimo artifício de olhar para o relógio e ver como as horas não passam sem o amante, para cenas mais tardes, dá-lhe cenas de sexo e saciação carnal.

É um filme com partes muito gratuitas, sem alma, sem parceria. “Coco Chanel & Igor Stravinsky” não cativa o público por completo, não convida o espectador a ser o terceiro elemento de um ménage a trois, o que é decepcionante. Toma formas e estrutura novelescas e se torna enfadonho, quase assumindo um teste de paciência até chegar ao final. Embora o ritmo de tartaruga manca, o filme ainda exibe alguns preciosismos em determinadas cenas que merecem destaque, como quando Coco lê uma carta escrita pela mulher traída e esta logo aparece ao seu lado, como se estivesse recitando os versos no papel, ou até mesmo uma (das milhares) cena de sexo ardente em que a câmera está posicionada no teto do quarto e registra tudo de cima, descendo lentamente. São passagens isoladas que funcionam bem, mas é uma pena que só serve para sustentar um roteiro que não vai a lugar nenhum.

Mais conhecido por dar vida ao vilão de James Bond no excelente “007 – Cassino Royale”, o dinamarquês Mads Mikkelsen já provou ser um bom ator em outras obras, como no belo “Depois do Casamento” ou até no próprio filme já citado do agente secreto, mas aqui cria um personagem antipático e indeciso em que o roteiro não lhe oferece muitas alternativas, o que não lhe confere destaque maior do que é capaz. Interpretando a sua esposa, a desconhecida Yelena Morozova também é limitada pelo script, mas ainda injeta um pouco de compaixão nos olhares da personagem naturalmente sofredora com as puladas de cerca do marido. E, pra fechar o elenco, com chave de...gesso, temos a falta de expressividade e carisma da francesa Anna Mouglalis, que perdida em sua apatia, atua no piloto automático e não dá sequer um toque de interessante a uma das mulheres mais importantes de um segmento conceituado até hoje. Muito bonita, de fato, mas limitadíssima como atriz. Compará-la com o desempenho de Audrey Tautou no outro filme é uma diferença gritante e, se for pensar, até injusta.

Pouco inspirado e mais longo do que deveria ser, “Coco Chanel & Igor Stravinsky” é, na verdade, um grande novelão travestido de perfume francês. E não é Chanel n. 5, porque este eu já senti e é de qualidade.

NOTA: 5,0

COCO CHANEL & IGOR STRAVINSKY (Idem) França, 2009

Direção: Jan Kounen

Roteiro: Chris Greenhalgh, Carlo De Boutiny e Jan Kounen

Elenco: Mads Mikkelsen, Anna Mouglalis, Yelena Morozova, Natacha Lindinger e Grigori Manoukov

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Recebi de dois queridos amigos blogueiros mais um selo para o blog, o Prêmio Dardos.

São o Reinaldo Glioche, da Claquete, e Rodrigo Mendes, do Cinema Rodrigo. Dois dos melhores espaços da blogosfera cinéfila. Muito obrigado, meus caros!

As regras:

1 – Exibir a imagem do selo no seu blog
2 – linkar o blog pelo qual recebeu a indicação
3 – Escolher outros blogs para receber o prêmio dardos
4 – avisar os escolhidos

Portanto, repasso para:

- A Single Arte

- Dialogando Cinema

- Cine ao Cubo

Cinema Falado Novembro 2010 - Sociedade dos Cineastas Mortos

2010-12-01T18:23:00.007-02:00

DINO DE LAURENTIIS (1919 – 2010)

Atualmente, eu percebo que a figura do produtor é injustamente negligenciada pelas pessoas. Muitos sequer sabem a verdadeira função que os produtores – incluindo os executivos – exercem para o andamento de um filme, nem desconfiando que, se não fossem por estes profissionais, o projeto nem mesmo existiria. Ou até poderia sair do papel, mas em uma versão bem sucateada. Fato é que alguns se tornaram muito conhecidos no decorrer da história do cinema, pelo seu talento, popularidade ou pelo seu temperamento autoritário. Alguns nomes que me lembro de cabeça são Stanley Kramer, Irwin Allen, David O. Selznick e Bob Rafelson, sem contar muitos profissionais de outras áreas que desempenharam este mesmo papel no desenvolvimento do longa, como é o caso de Warren Beatty, que produziu basicamente todos os filme que atuou nas últimas três décadas. Enfim, mas um dos mais ilustres certamente é o italiano Dino De Laurentiis, que exibe um currículo invejável e deixou meio mundo com inveja por ter se casado com um dos mais belos pares de pernas do cinema: Silvana Mangano. Aos 91 anos, De Laurentiis foi para a melhor e o Cinema Falado não poderia deixar passar em branco, concedendo-lhe uma pequena homenagem pela sua imensa contribuição para a Sétima Arte. Fellini, Rossellini, Bergman, Lynch, Lumet, Friedkin, Milos Forman, Cronenberg, Michael Mann e até Sam Raimi no início de carreira. Um legado e tanto. Nós, cinéfilos, só temos a agradecer.

Ouça o programa aqui.

AKIRA KUROSAWA (1910-1998)

Chamem do que quiser, mas eu concordo com aquele outro que diz: “Quem não gosta de Hitchcock e Kurosawa, certamente não gosta de cinema”. Isso não quer dizer que os dois são os melhores cineastas que já existiu – embora, certamente, ambos figurem nessa lista –, mas são dois exemplos de diretores que exploraram verticalmente a linguagem do cinema e acionaram suas potencialidades. Grande nome do cinema japonês, Kurosawa começou sua carreira como assistente de direção até em 1943 assumir a condução de “A Saga do Judô”. Mas só sete anos depois, seu nome seria reconhecido mundialmente com o lançamento do fenomenal “Rashomon”, estrelado pelo seu ator preferido, Toshirô Mifune. Daí pra frente, todos já conhecem a história: uma filmografia exemplar que mescla épicos de narrativas clássicas (“Ran”, “Kagemusha”...) e projetos menores, mais pessoais (“Viver”, “Dodeskaden – O Caminho da Vida”...). Servindo como base de inspiração para grandes filmes de Hollywood como “Star Wars” (“Céu e Inferno”) e “Sete Homens e Um Destino” (“Os Sete Samurais”), Kurosawa conseguiu o apadrinhamento depois de grandes sucessos de pessoas influentes como Steven Spielberg e Francis Ford Coppola no final da carreira, o que rendeu algumas pequenas obras, mas ainda indispensáveis. 2010 marca o centenário de Kurosawa, mas não precisa de uma data comemorativa para falar de um dos maiores cineastas da História.

Ouça o programa aqui.

DENNIS HOPPER (1936-2010)

Em maio deste ano, em consequência de câncer de próstata, o ator e diretor Dennis Hopper morreu, aos 74 anos. Considerado uma das figuras mais controversas e polêmicas de Hollywood, Hopper tinha James Dean como o seu próprio role model, tendo conhecido o galã durante as filmagens de “Juventude Transviada” e repetido a parceria no oscarizado “Assim Caminha a Humanidade”. Sendo assim, pode-se dizer que Hopper não era lá um bom moço, muito pelo contrário, foi justamente o seu comportamento “porra louca”, sua agressividade (espancava as namoradas e suas quatro esposas) e seu temperamento instável – para não dizer outra coisa – que fez dele uma figura tão marcante. Mas, o que muitos devem se perguntar é: agindo dessa forma, como ele fez carreira? Oras, além do talento comprovado em filmes como “Veludo Azul” e “O Selvagem da Motocicleta”, Hopper dirigiu, roteirizou e protagonizou uma das grandes obras da contracultura norte-americana, “Sem Destino”, dividindo a cena com Peter Fonda e um jovem Jack Nicholson. Somando sua rebeldia “sem causa”(?) a este grande filme, Hopper se tornou um símbolo do movimento de contracultura dos EUA. Assim, o status também o ajudou bastante a transformá-lo na figura icônica que virou. Dirigiu filmes menores e dispensáveis e depois atuou em tantas outras baboseiras como “Waterworld” e “Os Irmãos Id & Ota”, mas nada que apagasse o talento de um dos homens mais odiados e reverenciados de Los Angeles durante a década de 1970.

Ouça o programa aqui.

O Cinema Falado é um programa semanal transmitido pela Rádio Universitária Cesumar. Atualmente na 5ª temporada, toda sexta-feira o trio de apresentadores cinéfilos – eu, Thiago Ramari e Marcelo Bulgarelli – seleciona um filme para que seja colocado em discussão, contanto que o escolhido se enquadre dentro da série mensal estabelecida pelos produtores. Tentando ser justo em abranger os diversos segmentos cinematográficos, o Cinema Falado não se restringe a filmes comerciais, nem aos considerados cult, pois tudo faz parte do mesmo balaio dessa arte que todos nós adoramos – uns mais que outros, mas viver de preconceito pra quê? Desde Bergman até Michael Bay, tudo que envolve o mundo do cinema é assunto para um papo descontraído e com muito bom humor. Para dar um toque especial, a trilha sonora do filme em questão acompanha a conversa de fundo e algumas canções/composições são ouvidas durante os intervalos.

O ouvinte é peça fundamental do programa, afinal a participação e interação de outros cinéfilos é deveras importante para buscarmos novos horizontes acerca do mesmo tema. Sinta-se livre para indicar os filmes e participe também do nosso programa.

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RED - Aposentados e Perigosos

2010-11-28T22:36:00.006-02:00

“RED – Aposentados e Perigosos” é o filme ideal para o espectador que não pretende assistir a uma obra exigente, mas apenas sentar na poltrona da sala de exibição, relaxar e se divertir com cenas um tanto quanto incomuns no cinema, como aquelas em que Dame Helen Mirren está portando uma submetralhadora ou quando John Malkovich rende uma mulher indefesa no aeroporto. A propósito, são essas “raridades” que não costumamos conferir com frequência na telona, acompanhadas por uma atmosfera leve e agradável com que o filme foi concebido, que torna “RED” uma sessão imperdível. Entretanto, se predispormos a analisar o filme com olhares clínicos, percebemos o quanto o diretor Robert Schwentke e os dois roteiristas desperdiçaram um material excelente e entregaram apenas um filme mediano que se sustenta por boas gags, por um elenco afiado sem medo de soar ridículo e pela excentricidade natural dos personagens badass da terceira idade – o que é uma contribuição maior do HQ que serviu como base para o roteiro. Nessa equação, os idealizadores acabaram deixando a desejar, mas ainda são bem sucedidos por manterem o público atento à história que contam.

Escrito pelos mesmos (ir)responsáveis por “Terror na Antártida”, é uma pena que os jovens irmãos Erich e Jon Hoeber parecem se limitar ao convencional em vez de abusarem da criatividade para ousar a narrativa, pois “RED” (e o outro filme de terror citado) não se reinventa, pois repetem o senso comum de outros filmes do gênero, mas desta vez com personagens “idosos”. O filme começa primeiramente investindo na boa comédia ao mostrar o relacionamento amoroso que surgiu pelos telefonemas insistentes do ex-agente da CIA Frank Moses (Willis) para a telefonista da Previdência Social, Sarah (Parker). Eles não se conhecem, mas depois que Frank se torna alvo de criminosos, ele sequestra Sarah com medo de que a matem por vingança e “RED” passa a mesclar o cômico com cenas típicas de um filme de ação. Os dois atravessam os Estados Unidos recrutando os antigos comparsas do ex-policial para ajudá-lo, dentre eles o sóbrio Joe (Freeman), a sexy atiradora profissional Victoria (Mirren) e o ensandecido workaholic Marvin (Malkovich).

De nacionalidade alemã, o diretor Robert Schwentke estreou em Hollywood com o decepcionante “Plano de Voo” e emendou, quatro anos depois, o sci-fi romântico “Te Amarei para Sempre”. Desta vez, no comando de “RED”, o diretor parece estar procurando a sua vocação no cinema, chutando para todos os lados a fim de descobrir em qual gênero melhor se encaixa. Definitivamente, não é na comédia. Nem no romance, muito menos nos filmes de ação. Com baixo teor de adrenalina, o diretor faz apenas o básico, mantendo-se na superfície sem explorar o seu material, e ainda arquiteta umas tantas cenas sem sentido e pouco empolgantes, como quando as duas personagens femininas do filme estão dando cobertura do lado de fora de uma mansão e vários inimigos aparecem atrás delas, parecendo ignorá-las. Até mesmo a cena do estacionamento, que parecia ter potencial, se revela relativamente frouxa e sem muito entusiasmo. Entretanto, há outras que merecem destaque como a luta entre os personagens interpretados por Bruce Willis e Karl Urban em um escritório e outra bem planejada ambientada no aeroporto, que também se revela divertida pela sua violência, mas seu desfecho sofre pela falta de originalidade.

Também crucificado pela edição picotada e por piadinhas bobas do roteiro meia-boca, Schwentke tenta tirar água de pedra para fazer de “RED” um filme meramente engraçado. Entre algumas boas investidas, como Willis e Parker “conversando” dentro de um carro ou o russo apaixonado pela personagem de Mirren, interpretado por um Brian Cox sedutor e hilário pela sua canastrice, o filme carece de uma condução mais firme e sólida para que as cenas sejam efetivamente proveitosas, principalmente as que têm pretensão em fazer o público dar boas risadas. Mas os roteiristas erram por adicionar piadas sem espírito próprio e já batidas, que somadas com a deficiência do diretor em construir cenas mais longas e de extrair a comicidade do grupo de atores, acabam prejudicando o filme em seu lado cômico.

Ainda bem, no entanto, que “RED” conta com um elenco de profissionais. Assumindo o chamariz para se assistir a película, é, portanto, no conjunto de atores veteranos que se encontra o grande mérito do filme. É legal conferir Bruce Willis reencarnando esses personagens perigosamente engraçados que o consagrou, e o ator revela uma ótima química com a comediante Mary-Louise Parker. Da mesma forma, é sempre um prazer ver Morgan Freeman nas telonas, e o mesmo se encaixa à bela Helen Mirren, convincente em um papel que não condiz com sua imagem, mas que ela consegue conciliar com seu charme e classe. E jurava que Ernest Borgnine já tinha ido pra melhor, foi uma grata surpresa vê-lo no filme, a despeito de sua curta participação. Mas é o insano John Malkovich que torna o filme mais prazeroso, e os tão questionáveis tiques de atuação do ator se encaixam perfeitamente para seu personagem neurótico.

Apesar das críticas negativas, “RED” é um filme recomendável mais pela curiosidade em ver Malkovich assumindo o papel de um homem-bomba e Helen Mirren mirando com sua arma do que realmente a história que tem pra contar. A arrecadação do filme somente nos Estados Unidos ultrapassou a marca dos $ 90 milhões, e isso é um indicativo de que se pode aguardar uma sequência nos próximos anos. Mas tomara que tenham bom senso e contratem bons realizadores para dar mais fôlego e arrojo a um material que merecia muito mais.

NOTA: 6,0

RED – APOSENTADOS E PERIGOSOS (RED) EUA, 2010

Direção: Robert Schwentke

Roteiro: Erich Hoeber e Jon Hoeber

Elenco: Bruce Willis, Mary-Louise Parker, John Malkovich, Morgan Freeman e Helen Mirren

O Solteirão

2010-11-24T12:27:00.006-02:00

Dentre uma infinidade de personagens desagradáveis e moralmente desprezíveis que assumiram o papel principal em grandes obras do cinema, algo interessante de se analisar são as estratégias usadas pelos filmes para que o espectador, assumindo um caráter subversivo, acabe se simpatizando com uma pessoa que é movida pelas suas imperfeições. Apesar de interpretar bruacas em tantos clássicos, quem nunca deu um sorriso maléfico com as perversidades de Bette Davis? Quem não considera Hannibal Lecter um dos personagens mais incríveis da Sétima Arte? Quem não pagou pau para o Kevin Spacey em “Os Suspeitos”? Não precisam ser personagens assumidamente vilões, mas, por exemplo, Meryl Streep no recente “O Diabo Veste Prada”. Quem não admira Miranda Priestly? A aproximação do público com esses personagens reúne vários elementos determinantes para sua eficácia, desde um trabalho de direção seguro, por vezes delicado (depende muito do gênero do filme) até os direcionamentos bem elaborados de um roteiro, sobretudo os diálogos – para ilustrar, cito mais uma vez Bette Davis, insana e divertidíssima como a megera Baby Jane Hudson. Entretanto, um fator que é indispensável para conquistar o espectador é uma boa atuação, senão todo o esforço dos demais envolvidos praticamente vai por água abaixo. “O Solteirão” é mais um desses casos bem sucedidos, mais pela soberba atuação de Michael Douglas do que qualquer outro departamento, sendo, portanto, pertinente classificá-lo como um filme de ator.

Roteirizado pelo também co-diretor, Brian Koppelman, o filme acompanha o declínio pessoal e profissional do magnata Ben Kalmen (Douglas), um sexagenário galanteador que não faz questão de esconder sua atração sexual pelas mulheres. Ele namora uma jovem divorciada, Jordan (Parker), simplesmente porque o pai dela pode sanar os problemas financeiros pelo qual Kalmen enfrenta com a falência de uma concessionária de carros do qual era proprietário. Porém, quando a mulher descobre que seu parceiro transou com Allyson (Poots), sua filha mimada de 18 anos, as consequências de sua vida particular começam a surgir, agravando-se com o relacionamento instável que divide com a filha e também pela única coisa que parece lhe tirar o sono a esta altura da vida: mulheres. Jovens, de preferência.

Promovendo um ótimo estudo de personagem, o filme explora a personalidade do protagonista conforme os integrantes secundários do elenco cruzam o seu caminho. Egoísta e irresponsável no sentido de não medir suas atitudes, certamente não estamos diante de um role model a ser seguido, mas isso não distancia o espectador de Ben, por mais que seja, como qualquer outro ser humano, cheio de defeitos. É admirável, por um lado, a convicção de que o homem tem sobre as suas escolhas, fruto das experiências que já passou na vida. Quando, em certo momento, se encontra com um jovem universitário (interpretado por Jesse Eisenberg) e lhe enche de conselhos para transar durante o período da faculdade, é curioso vê-lo passando tantas orientações quando ninguém lhe pergunta sobre coisa alguma. Percebe-se que Ben alimenta uma ânsia de querer repassar seus conhecimentos adiante, como quando analisa a lábia do jovem pelo qual sua enteada está interessada e tenta convencê-la com argumentos pessoais de que o rapaz é um fracassado. Por outro lado, o protagonista também revela sua parcela de humildade quando se reencontra com um antigo amigo de faculdade (interpretado por Danny DeVito). Eles batem papo, relembram os velhos tempos e comparam como a vida de cada um tomou rumos diferentes, fazendo até um contraponto entre as personalidades divergentes de ambos, como se o próprio indagasse: “por que ele deu certo e eu estou assim?”.

Trata-se de um personagem complexo e a viagem interior que Ben embarca é muito bem pontuada pelo roteiro, que em momento algum julga seu protagonista, muito menos lhe dá cobertura e apoio pelos seus atos inconsequentes. Daí o título do filme, “um homem solitário”. Embora esteja rodeado de pessoas à sua volta, Ben está sozinho, abandonado, pois o próprio não percebe que suas atitudes acabam afastando as pessoas de perto de si, incluindo o neto por quem ele nutre tanto carinho. Com uma equipe atrativa de profissionais coadjuvantes, além dos já citados, somam as presenças de Susan Sarandon, que finalmente está em um projeto que utiliza o talento adormecido da atriz e da ótima Jenna Fisher. Mas “O Solteirão” só tem espaço para uma pessoa brilhar, e aqui, Michael Douglas está insuperável, sem dúvida, em uma das melhores atuações de sua carreira – e falo do ator que encarnou Gordon Gekko, emocionou meio mundo em “Garotos Incríveis” e ainda revelou um ótimo timing cômico no subestimado “O Rei da Califórnia”. Douglas é a alma do filme, desaparece na pele do personagem com sua fantástica composição e naturalidade.

Enfraquecido com terceiro ato pálido e muito repente, “O Solteirão” ainda é uma ótima “dramédia”, que mescla com propriedade algumas tiradas engraçadas e uma atmosfera levemente melancólica. E, acima de tudo isso, o desempenho brilhante de Douglas, que esperamos que se recupere do recente câncer diagnosticado e venha a oferecer mais atuações, que, como esta, é digna de seu imenso talento.

NOTA: 7,5

O SOLTEIRÃO (Solitary Man) EUA, 2010
Direção: Brian Koppelman e David Levien
Roteiro: Brian Koppelman
Elenco: Michael Douglas, Mary-Louise Parker, Jenna Fisher, Imogen Poots, Jesse Eisenberg, Susan Sarandon e Danny DeVito

Filmes em Diálogo: "Tudo o que o Céu Permite" (1956), "O Medo Devora a Alma" (1974) e "Longe do Paraíso" (2002)

2010-11-21T18:36:00.010-02:00

Considerado o mestre do melodrama, o dinamarquês Douglas Sirk consolidou a sua carreira e posteriormente tornou-se referência neste estilo por acrescentar sofisticação e agradável formalidade visual a filmes com histórias aparentemente simples e convencionais. Sem exigir muito do intelecto do espectador, a filmografia de Sirk consiste em tramas sentimentais e de fácil compreensão, que procura atingir e envolver o público. Por vezes, flerta com o sentimentalóide, mas renega o exagero das composições e apenas pinta (ou tenta) uma fração da realidade que nos ronda. Esse conteúdo acessível foi ligeiramente emprestado pelas rádios e pela televisão como base de suas novelas, mas daí o termo “melodrama” acabou sendo banalizado, referindo-se a histórias maniqueístas e que se debruçam sem pestanejar sobre o sentimentalismo barato e ofensivo. Dentre as contribuições mais marcantes de Douglas Sirk para o cinema estão “Palavras ao Vento” (1956), “Almas Maculadas” (1958), “Imitação da Vida” (1959) e o fabuloso filme que, nesta postagem, pretendo dialogar com outros dois, “Tudo o que o Céu Permite” (1956).

Consumado por um technocolor embasbacante, “Tudo o que o Céu Permite” mostra o envolvimento de uma delicada viúva de meia-idade (interpretada por Jane Wyman) com o seu jardineiro, um belo rapaz consideravelmente mais novo (Rock Hudson, um dos maiores galãs da Velha Hollywood). Aprisionada pela ideologia do american way of life, seus amigos mais próximos, incluindo os filhos, passam a reprovar as atitudes da mulher, anteriormente vista como um exemplo para todos, e ela se torna alvo de fofocas e invenções referentes à sua fidelidade e respeito com o marido falecido. Com o tempo, o longa ganhou destaque e serviu até de inspiração para o controverso diretor alemão Rainer Werner Fassbinder, que em 1974 filmou “O Medo Devora a Alma”. O filme é basicamente o mesmo plot do de Sirk, só mudam as caracterizações dos personagens. Trata-se da relação amorosa entre uma viúva idosa (Brigitte Mira) com um imigrante marroquino que trabalha na Alemanha como mecânico (El Hedi bem Salem). Além das diferenças culturais, soma-se a idade de ambos: a mulher tem três filhos e mais de 60 anos, enquanto o estrangeiro é 20 anos mais novo.

Por fim, chegamos aos anos 2000, mais precisamente em 2002, para conferir a homenagem que o talentoso diretor Todd Haynes (“Velvet Goldmine”, “Não Estou Lá”) presta a Douglas Sirk. Mergulhando na atmosfera dos anos 50, Haynes se apropria dos convencionalismos estéticos de Sirk para retratar o casamento esmorecido de Frank (Dennis Quaid) e Cathy (Julianne Moore), uma mãe dedicada e exemplar dona-de-casa, que acaba encontrando em seu jardineiro negro e viúvo (interpretado por Dennis Haysbert) um reconforto pela sua vida matrimonial em ruínas. Essas três excelentes obras contam, cada uma à sua maneira, histórias de casos amorosos ou de aproximação entre pessoas solitárias e solidárias, mas que acabam se tornando vítimas dos preconceitos abomináveis que regem toda uma cultura reacionária presente na sociedade. No entanto, deixando-se se levarem pela repreensão de terceiros, essas mesmas pessoas também acabam se tornando reféns de suas próprias escolhas. Enquanto um deles encontra espaço para o happy ending, outros dois são mais emocionalmente pessimistas e depressivos.

Em uma sociedade que valoriza as posses em detrimento dos sentimentos, em que o status é posto acima da existência de caráter, é revoltante testemunhar as fofocas e suposições que são criadas e espalhadas ao vento sobre os personagens centrais. Seja a vizinha fofoqueira ou a falsa amiga ricaça, toda essa petulância em querer cuidar da vida dos outros indicam certa infelicidade por parte dessas pessoas, ou talvez frustração, inveja por estarem soterradas em uma vida medíocre. Ainda mais lamentável é perceber que esses atos de intolerância reverberam até os dias de hoje. Alguns dizem que já avançamos muito nesse sentido, devo concordar com esse posicionamento, pois percebo que há maiores liberdades, mas ainda há muitas pessoas que têm a mentalidade da Idade Média e depositam na fé, na “cultura” ou “educação”, mas nunca na própria ignorância, a discriminação que pratica. Não sei se isso indica necessariamente uma evolução, mas analisando por outro lado, também não representa um retrocesso. A dura realidade é que ainda estamos estagnados nesta ideologia limitada.

Sem contar que os filmes também jorram uma fonte de egoísmo partindo dos personagens secundários. Cegos pelo individualismo, a própria família das mulheres preferem vê-las relegadas à infelicidade e ao vazio existencial do que terem seus nomes correndo boca a boca dos invejosos. Em “Tudo o que o Céu Permite”, os filhos mimados da viúva alegam que o envolvimento da mãe com um jardineiro mais novo iria acabar com a imagem da família e que sua atitude é um desrespeito contra o pai morto. A mulher, em razão dos filhos, põe um fim no relacionamento. Mais tarde, a garota diz à mãe que vai se casar e o filho vai morar no exterior, e o que seria da personagem de Wyman? Desapareceria no ostracismo, apenas alimentado as amizades frívolas que pouco lhe acrescentava. Em “O Medo Devora a Alma”, a filha se posiciona contrária à mãe idosa se relacionar com um estrangeiro, mas não percebe que seu marido alemão (?) é um verme incapaz de levantar do sofá e procurar emprego. Da mesma forma, em “Longe do Paraíso”, o marido que reprime seus desejos homossexuais aponta o dedo para a esposa que está (apenas!) se encontrando com o jardineiro negro, mas mantém, às escondidas, um relacionamento extraconjugal com um homem com quem trabalha no escritório – e isso, não, de maneira alguma mancharia sua vida pessoal e sua carreira profissional.

Compreendo que analisar essas situações isoladas de fora é muito mais fácil, complicado seria se eu estivesse na pele desses personagens. No entanto, não faço exceção a mim e nem a ninguém quanto a alimentar preconceitos: todos têm em maior ou menor grau, o que fere é que alguns parecem fazer questão de mostrar e serem propositalmente desagradáveis com seus posicionamentos. Para estes, só desejo uma morte bem lenta (hahaha, brincadeira!). É a aquela velha história de olhar para a janela afora e dizer que os vizinhos não lavam bem a roupa, quando, na verdade, é a sua vidraça que está imunda. O relacionamento sincero de duas pessoas (dois seres humanos) serem dizimados por conta da xenofobia, do preconceito racial, preconceito de idades, pela renda financeira ou pela posição que assume na sociedade. Isso é lamentável.

São três grandes filmes que se dialogam nesse sentido de apresentar a cumplicidade e o encontro de duas pessoas amáveis, mas que são apedrejadas pelos demais por sustentarem diferenças entre eles. “Tudo o que o Céu Permite” é um filme romântico e encantador, apresenta um departamento técnico arrojado e detalhista, contando com atuações sinceras de atores que dão maior dimensão ao sofrimento de seus personagens. Enquanto isso, na Alemanha dos anos 70, “O Medo Devora a Alma” – parece título de filme de lobisomem –, apresentam duas pessoas de baixa escala socioeconômica que se apaixonam. Com uma estrutura seca, o filme é amargo e tece uma pertinente crítica social, obtendo como resultado dois prêmios no Festival de Cannes. E retornando aos subúrbios norte-americanos, o ousado “Longe do Paraíso” se torna um filme mais enriquecido com a subtrama espetacular envolvendo o personagem do marido e, em algumas de suas cenas, mostra que o câncer da mentalidade social não é resolvido por tratamentos médicos, e nem existem remédios para esse tratamento a não ser a aceitação e paz interior.

“A felicidade nem sempre é divertida”. Essa é a frase que aparece quando o filme de Fassbinder começa. Muito curiosa. Seria a felicidade apenas um estado de espírito passageiro? É possível alcançar a felicidade integral? Eu acho que não, mas todo mundo tem direito a uma pequena parcela, e, quem sabe, talvez o primeiro passo para se alcançar essa pequena quota de felicidade é começar cuidando exclusivamente de nossas próprias vidas.

Cinema Falado Awards 2010

2010-11-16T23:54:00.013-02:00

Após completar cinco temporadas no ar, o programa Cinema Falado comemora essa conquista com uma “premiação” descontraída, que serve como indicação aos ouvintes dos filmes e atores que mais se destacaram no ano de 2010. O trio de apresentadores cinéfilos Thiago Ramari, Marcelo Bulgarelli e Elton Telles escolheram os melhores do ano das quatro categorias abaixo. Não há limite de votação, pode exercer seu voto quantas vezes quiser, sem documento com foto, muito menos título de eleitor. No final de novembro, os mais votados serão revelados e os vencedores ganharão um programa especial.

O Cinema Falado vai ao ar às sextas-feiras, às 20h30, ao vivo.

Qual o melhor filme de 2010?

Qual o melhor ator de 2010?

Qual a melhor atriz de 2010?

Se preferirem, aqui está o link original da enquete.

Soul Kitchen

2010-11-15T03:23:00.010-02:00

Na lista dos cineastas mais promissores mundo afora, é indispensável a inclusão do alemão-turco Fatih Akin, diretor de filmografia que constam poucos filmes, mas que exibe um currículo invejável a qualquer um que esteja no ramo. Aos 37 anos, o diretor já ostenta prêmios nos mais importantes festivais cinematográficos do mundo. Em 2004, conquistou o Urso de Ouro, prêmio máximo concedido pelo Festival de Berlim ao melhor filme da seleção oficial, que, naquele caso, foi o conturbado “Contra a Parede”. Três anos depois, era a vez de Cannes reconhecer o trabalho de Akin como roteirista, laureando-o com o prêmio de Melhor Roteiro pelo brilhante “Do Outro Lado” – o melhor de sua filmografia com folga. Para fechar a trinca, desembarcamos na Itália, na concorrida edição do ano passado do Festival de Veneza. Além de sair com o Prêmio da Juventude, o júri presidido pelo diretor taiwanês Ang Lee outorgou o Prêmio Especial do Júri, para a surpresa de todos, à “Soul Kitchen”, uma divertida comédia de erros que dá continuidade ao assunto retratado pelo demais filmes dirigidos por Akin: o choque cultural entre nações diferentes. No entanto, o filme está longe de ser “indigesto” como os demais citados; trata-se de um projeto mais despretensioso do diretor, que revela um ótimo timing cômico ao entregar uma rara comédia alemã que não tem vergonha de flertar com o pastelão e faz o espectador dar risadas.

A origem do título do filme vem do restaurante administrado pelo protagonista, um rapaz de nacionalidade grega Zinos (Bousdoukos), radicado na Alemanha. Encontrado em péssimas condições físicas, na verdade, o “restaurante” é um galpão abandonado que passou por reformas consideráveis e foi transformado em uma espelunca carente de clientes, do qual o protagonista é proprietário. Zinos passa por momentos turbulentos em sua vida, ao tentar conciliar a direção do estabelecimento, alvo da Vigilância Sanitária, com a recente hérnia diagnosticada; com a ida da namorada a Xangai; com o irmão criminoso que cumpre liberdade temporária; com um funcionário casca-grossa recém-contratado; com um amigo de infância que pretende destruir o seu patrimônio, dentre outros problemas que surgem para atormentá-lo.

Essa é a “desculpa” que Fatih Akin teve para fazer um filme divertido e agradável: mostrar um cara que parece um guitarrista de black metal cheio de problemas pendentes a serem resolvidos. Todos os dilemas do protagonista recaem sobre o Soul Kitchen, e o local acaba assumindo papel importante para os desdobramentos do roteiro, tornando-se um dos vários personagens excêntricos da história – e não é à toa que o filme é batizado com o seu nome. Navegando pela gastronomia retratada pelo cinema, há vários âmbitos que podem ser explorados, desde um filme boboca sentimental (“Chocolate”) até uma fantástica fábula de humor negro (“Estômago”). Neste filme, Akin não aprofunda a questão da culinária, mas pela trama se passar quase exclusivamente dentro de um restaurante, o diretor aproveita para confirmar o poder afrodisíaco da comida, mostrando uma suruba alucinada que se revela uma das cenas mais WTF do filme. A irreverência de “Soul Kitchen” só contribui para tornar a película ainda mais bacana, incluindo o pé no escracho, que faz algumas cenas ficarem realmente deslocadas, mas outras se tornam ainda mais compensadoras.

O filme tem um ritmo frenético, contemplado pelo ótimo trabalho do editor inglês Andrew Bird, e a música é um dos componentes essenciais de “Soul Kitchen”. Fartas contribuições do Soul, como Quincy Jones, Isley Brothers e Louis Armstrong – embora seja mais influente no jazz –, mas que também ganham toques de bandas recentes e pouco conhecidas como Locomondo e a alemã Love Ravers. Outro componente indispensável seria a reunião de um elenco de rostos novos e talentosos da Alemanha, e mais do que um bom desempenho para atuar, “Soul Kitchen” também exige improviso e talento cômico. Nesse quesito, o ator e co-roteirista Adam Bousdoukos se sai invicto. Criando Zinos como um rapaz irresponsável e de temperamento instável, seu jeito estabanado e o pensamento rápido e ilógico em muitos momentos converte-o em um cara naturalmente engraçado. Da mesma forma, o ótimo Moritz Bleibtreu – mais conhecido por ser o namorado em “Corra, Lola, Corra” e dado vida ao terrorista Andreas Baader no recente “O Grupo Baader Meinhof” – consegue sair por cima, fazendo do seu personagem criminoso, uma pessoa em quem o espectador passa a confiar e torcer por um final justo. Porém, o grande destaque mesmo fica com o ensandecido chef interpretado com concentração pelo talentoso Birol Ünel, o viciado de “Contra Parede”.

Fato é que basicamente todos os principais atores deste projeto já trabalharam previamente com Akin em filmes anteriores – alguns deles sequer lançados no Brasil. Isso comprova o ambiente de conforto e cumplicidade de se realizar um filme mais leve, sem grandes compromissos, como se este fosse um respiro das películas que Akin vinha produzindo recentemente. De qualquer maneira, um projeto acima da média se comparado a tantas comédias desmioladas dos últimos anos. Direção penetrada, atores dedicados e um roteiro bem elaborado que adiciona doses de inteligência e pitadas volumosas de sarcasmo: essa é a receita de “Soul Kitchen” para se fazer uma comédia de primeira linha.

NOTA: 8,0

SOUL KITCHEN (Idem) Alemanha, 2009
Direção: Fatih Akin
Roteiro: Fatih Akin e Adam Bousdoukos
Elenco: Adam Bousdoukos, Moritz Bleibtreu, Anna Bederke, Birol Ünel e Pheline Roggan

Cinema Falado Outubro 2010 - Jornalismo na Sétima Arte

2010-11-13T00:05:00.019-02:00

BOA NOITE, E BOA SORTE (2005)

Durante as filmagens de “Boa Noite, e Boa Sorte”, o diretor responsável pelo projeto, George Clooney, foi vítima de chantagens diretas advindas de estúdios, que o ameaçou alegando não distribuir mais nenhuma produção que o ator integrasse o elenco se ele não interrompesse as gravações do filme em questão. Tal covardia se explica pelo conteúdo corrosivo do roteiro, que embora retrate um verídico episódio ambientado nos anos em que os EUA viviam cobertos pela nuvem negra do Macartismo, “Boa Noite, e Boa Sorte” reflete uma crítica mordaz ao governo Bush. Dessa forma, os republicanos mais conservadores se sentiram emparedados e aproveitaram do poder que detinham na indústria para censurar o desenvolvimento do filme politicamente engajado. No entanto, “Boa Noite, e Boa Sorte” era um filme independente, financiado pelo bolso dos próprios envolvidos e mesmo que tenha patinado para que uma distribuidora demonstrasse interesse, felizmente a finada Warner Independent Pictures comprou os direitos e, em 2005, o filme foi lançado nos cinemas. Resultado: 6 indicações ao Oscar, 4 indicações ao Globo de Ouro, 5 prêmios conquistados no Festival de Veneza e uma nova reputação ao astro George Clooney, que, até então, só detinha o título de galã. Corajoso e pungente, “Boa Noite, e Boa Sorte” é uma aula de jornalismo, mas não é restrita apenas a essa classe, é obrigatório para todos que apreciam cinema de qualidade.

Ouça o programa aqui.

BLOW UP - DEPOIS DAQUELE BEIJO (1966)

Obra mais conhecida da admirável filmografia do italiano Michelangelo Antonioni, “Blow Up” se enquadra facilmente na série de filmes que gostamos ainda mais a cada conferida. Afinal, o espectador tem a oportunidade de fazer a digestão do conteúdo reflexivo e adquirir mais familiaridade com a riqueza de detalhes presentes no filme – que passam despercebidos –, sendo capaz de chegar a interpretações distintas devido à ambiguidade apresentada pelo roteiro. “Blow Up” não fornece respostas fáceis e ainda enche o espectador de dúvidas e incertezas, mas é uma experiência deliciosa porque Antonioni realiza um trabalho magistral na direção, conduzindo a trama com firmeza ao mesmo tempo em que permite brincar”, convertendo o filme em um brilhante trabalho autoral. Cenas memoráveis – do parque, das sessões de fotografia e, sobretudo, do tênis imaginário – envolvem o espectador, ainda que o mesmo não tenha noção do que está acontecendo na cena. A questão é que “Blow Up” não é mesmo um filme para ser compreendido, mas para ser apreciado e encarado como um brilhante objeto de veneração.

Ouça o programa aqui.

MERA COINCIDÊNCIA (1997)

Para cobrir uma acusação de abuso sexual cometido pelo presidente norte-americano, a poucas semanas da eleição, quando tenta se reeleger e permanecer no cargo por mais quatro anos, é convidado um especialista, que vai auxiliar nas táticas da assessoria de imprensa da Casa Branca para que a mídia ignore o ocorrido. O que eles planejam? Inventam uma guerra fictícia entre os EUA e a Albânia – justamente porque ninguém conhece esse país – para que o foco do assédio sexual seja desviado, pois todo mundo, sobretudo os norte-americanos, parece que adoram uma guerra e acompanham sempre com olhos atentos os ataques e explosões nos noticiários. Além das atuações pontuais e divertidas de Robert De Niro, Anne Heche, Woddy Harrelson e, principalmente, do hilário Dustin Hoffman, é do cineasta David Mamet e da roteirista Hilary Henkin o grande mérito do filme. Dirigido pelo competente, mas talvez superestimado, Barry Levinson, “Mera Coincidência” faz da antiética no exercício do jornalismo, uma das comédias mais inteligentes, proveitosas e ácidas dos últimos anos.

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TROPA DE ELITE 2 (2010)

Leia a crítica do filme aqui.

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REDE DE INTRIGAS (1976)

Ao ser lançado, em meados da década de 1970, “Rede de Intrigas” foi prontamente comparado como um “Cidadão Kane” moderno. Os motivos para tal comparação foram inúmeros, desde o trabalho magistral do diretor Sidney Lumet, da brilhante adaptação feita pelo roteirista Paddy Chayefsky – muitos críticos consideram o melhor texto já escrito para o cinema, e eu não lhes tiro a razão – e do elenco em total sintonia, cada um mais monstruoso que o outro. Peter Finch está possuído em cena, mergulha totalmente na alma perdida de seu insano personagem, e a vontade é se levantar do sofá e aplaudir seus ataques histéricos que dá nos programas de TV. Da mesma forma, o elenco invejável composto por William Holden, Faye Dunaway (sou apaixonado pela ambiciosa Diana Christensen, uma das personagens mais ordinárias que já vi no cinema), Robert Duvall, Beatrice Straight, dentre outros atores que rendem verdadeiros shows de atuação. “Rede de Intrigas” é um tapa na cara da sociedade consumista e bem na época do boom da televisão, criaram um filme excepcional que critica esse meio alienado que manipula as pessoas que o assiste. Recheado de cenas memoráveis e com uma inteligência de concepção voraz, “Rede de Intrigas” se estabelece como um verdadeiro clássico do cinema. Para ver e rever sempre.

Obs. Esse seria o quinto filme a ser comentado dessa série, mas não houve programa no dia. Mas eu escrevi o texto e não quis desperdiçar.

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The Runaways - Garotas do Rock

2010-10-25T00:37:00.011-02:00

Em meados da década de 1970, período em que o cenário do rock era dominado por homens, cinco garotas de 15 a 17 anos abriram as portas para as mulheres se munirem de baquetas e guitarras elétricas na guerra pelos direitos iguais sobre os palcos. Nascia o The Runaways, considerada uma das principais bandas do punk rock e a pioneira da história da música composta exclusivamente por integrantes do sexo feminino. Amadoras e com pouca visibilidade de mercado, o quinteto acabou encontrando no famoso empresário Kim Fowley – que já trabalhou com bandas como Guns n’Roses, Mötley Crue, Frank Zappa, Kiss, Alice Cooper, dentre outros – a oportunidade de serem agenciadas por um profissional do ramo e unirem a vontade de gritar ao mundo suas composições feministas com uma forma de conquistarem a independência econômica. Ainda que a crítica especializada as considerassem um produto fabricado pela indústria cultural, nos quatro anos que permaneceram em atividade, o The Runaways lançou cinco álbuns, esgotavam casas de shows, fizeram turnês internacionais, lançaram singles que viraram hinos do rock n’roll e inspiraram diversas bandas femininas posteriormente como L7, Babes in Toyland, Hole, 7 Year Bitch, dentre outras. Por apresentarem uma trajetória tão conturbada, incluindo os preconceitos e a rejeição das rádios, o The Runaways é um verdadeiro paradoxo musical, já que conquistaram sucesso relâmpago estrondoso e também pela sobrevivência no tempo, já que carregam uma valiosa importância na música pela qual são reconhecidas até hoje.

Diante de tanta riqueza sobre trajetória da banda, chega a ser frustrante o caminho equivocado pelo qual a diretora e roteirista Floria Sigismondi preferiu percorrer. Escrito pela própria, a história de “The Runaways - Garotas do Rock” tem início em 1975, quando Joan (Stewart), de 17 anos, passa a maior parte do seu tempo nas ruas tocando violão com as amigas, interrompendo os acordes apenas para tragar seu cigarro sem filtro. Enquanto isso, Cherie (Fanning), de 15, fica se maquiando em frente ao espelho de seu quarto, remendando Ziggy Stardust, personagem criado pelo seu maior ídolo: David Bowie. Em uma festa, Joan conhece o famoso produtor musical Kim Fowley (Shannon) e o convence a apoiar seus dotes artísticos. Mais tarde, o futuro empresário contata mais algumas adolescentes para integrarem o grupo, dentre elas a recatada Cherie, e está formado o The Runaways. O filme acompanha a banda desde seu auge, com o lançamento do CD homônimo até a desintegração do quinteto, fruto de brigas internas e desentendimentos entre as integrantes.

Somando ao trabalho de direção pouco inspirado de Sigismondi – famosa como diretora de videoclipes -, o maior motivo para o semi-fracasso de “The Runaways” foi traçar uma versão muito comportada sobre os episódios mais adversos que comprometeram a carreira da banda. Afinal, o filme omite a dependência química das integrantes que quase acabou com o grupo, não mostra a recusa declarada da mídia por classificá-las como “rebeldes sem causa” imaturas e inconsequentes e, além disso, ignora totalmente a discriminação pela própria classe do rock, que descia em cima delas por se tratarem de garotas adolescentes inexperientes que tocavam enfurecidas no palco vestidas de lingerie. É claro que 105 minutos não seria suficiente para condensar todo o material que ronda a história da banda, mas certamente a biografia do The Runaways (e não só delas) exigia a reprodução fiel e sem retoques das dificuldades enfrentadas por todas. Ou o trabalho de pesquisa de Sigismondi para conceber o filme se resumiu ao Wikipédia ou simplesmente a diretora deveria dedicar os seus préstimos exclusivamente aos videoclipes.

à esq., as atrizes de "The Runaways"; à dir., as verdadeiras fugitivas

O roteiro do filme é terrivelmente preguiçoso e a impressão que passa é de que o The Runaways atingiu o estrelato em um estalar de dedos, pois acompanhamos o ensaio da banda em um trailer minúsculo, e na cena seguinte já vemos um show lotado, com pessoas cantarolando suas composições, além de várias revistas conceituadas estampando as garotas rebeldes na capa. Pouco depois, elas já estão em turnê internacional pelo Japão e tudo é simplificado, raso e com pouca substância. Sem contar o pobre desenvolvimento das personagens, de quem o espectador conhece o básico e mantém certo distanciamento involuntário fruto da incompetência do script mal desenvolvido. E devo mencionar aqui o beijo lésbico entre as protagonistas que virou uma ferramenta de marketing ferrenha para promover o filme, que, na verdade, revelou-se uma mera desculpa para fazer com que garotinhas sapecas fiquem se pegando e ainda colocar as famosas personagens da “Saga: Crepúsculo” em cenas ultra “picantes”. Comparado ao filme, a novela global das 8 é puro hardcore XXX.

“The Runaways” é um filme desperdiçado, mas nem por isso deixa de ser proveitoso em algumas passagens. Apesar de maquiar excessivamente a história, o filme possui ritmo e não empaca, e ainda compreende bem a filosofia “sexo, drogas e rock n’roll” que imperava os anos 70, vistas as apresentações, o figurino e a recriação da rebeldia enraizada nos locais. E se muitos duvidaram da interpretação das atrizes, ambas cumprem bem ao que pede o roteiro limitado, com maior destaque para Dakota Fanning, que como Cherie Currie e sua expressão blasé durante boa parte do filme, protagoniza uma cena que se passa no supermercado que merecia aplausos pela ousadia e desenvoltura, mas infelizmente trata-se de uma cena isolada do restante da projeção. Kristen Stewart troca o vampiro albino pelo cabelo estilo Chitãozinho e Xororó e convence como Jett, conferindo autenticidade à personagem. Mas as duas, talvez por inexperiência, perdem todo o brilho quando Michael Shannon está em cena. Beneficiado por um personagem irreverente e hilário em suas provocações, é na extravagância da atuação que reside os méritos do ator, roubando toda atenção para si.

No entanto, o esforço dos atores não faz de “The Runaways – Garotas do Rock” um filme recomendável, já que as arbitrariedades do roteiro e a maquiagem pesada na história impediram a evolução do filme, que não faz jus à trajetória conflituosa e sensacional da banda homônima.

Em uma palavra, Glenn Close resume a minha opinião sobre o filme:

NOTA: 5,0

THE RUNAWAYS – GAROTAS DO ROCK (The Runaways) EUA, 2010
Direção e Roteiro: Floria Sigismondi
Elenco: Dakota Fanning, Kristen Stewart, Michael Shannon, Scout Taylor-Compton e Riley Keough

Tropa de Elite 2

2010-10-18T18:21:00.005-02:00

Antes mesmo de estrear nos cinemas, há exatamente três anos, “Tropa de Elite” já havia atingido um alto índice de downloads não-autorizados na internet, além de ser a primeira opção na lista dos consumidores de DVDs piratas. Essa comercialização ilegal de cópias falsificadas poderia, ingenuamente, até ser considerada um golpe de marketing involuntário que perdeu o controle, já que tal episódio rendeu ainda mais visibilidade e transformou “Tropa de Elite” em um fenômeno de abrangência nacional. Em contrapartida, os produtores e envolvidos com o filme se saíram comercialmente prejudicados, pois embora o filme tenha ultrapassado a invejável marca dos 5 milhões de espectadores no “país da telenovela”, a clandestinidade converteu a obrigatória ida ao cinema em uma mera opção. Para evitar problemas semelhantes com a tão aguardada sequência, o diretor José Padilha, temeroso, decidiu não exibir a continuação sequer para os críticos profissionais, optando, inclusive, em não candidatar “Tropa de Elite 2” para disputar a concorrida vaga para ser o representante brasileiro no Oscar 2011 – e a distância deste filme para o selecionado, “Lula – O Filho do Brasil”, é abissal. Dessa forma, mesmo que não tenha repetido a repercussão antecessora dominante que o original teve em 2007, a popularidade do filme já reverbera Brasil afora, e as mais de 600 (!) cópias da continuação invadiu os cinemas para, além de contar mais uma história revoltante e super atual, levantar discussões polêmicas a respeito da atuação do sistema vigente em nosso país.

“Tropa de Elite 2”, na verdade, é uma explícita denúncia político-social travestida de filme. É um grito desesperado que branda por justiça e punidade de autoridades políticas que reverteram o conceito básico de corrupção, transformando-a em mais um tipo de patrimônio cultural no Brasil – e deve-se deixar claro que o filme não faz analogia com nenhum político específico, mas de todo um sistema operacional que trabalha “a favor” da “ordem e progresso” no nosso país. O primeiro filme da série focava na guerra diária entre os policiais pertencentes ao Batalhão de Operações Especiais (Bope) contra o tráfico de drogas que sustenta as favelas cariocas. Já essa vigorosa sequência, imbuída de coragem, retrata o engodo da desvirtuação de poder envolvendo a Polícia Militar do Rio de Janeiro e os políticos democraticamente eleitos daquele Estado. Levando em conta que a história ficcional não está muito distante da nossa realidade, o mais doloroso é perceber a cegueira crônica da população diante de tanta sujeira escondida debaixo do tapete.

Ao ser injustamente responsabilizado por uma operação fracassada no Bangu I, o Coronel Nascimento (Moura) acaba sendo exonerado do cargo por decisão do governador, já que a pressão sufocante da mídia em cima do fato obteve repercussão internacional – e já começam por aí as denúncias do filme. Anos mais tarde, o mesmo governador, respeitando a vontade da estúpida elite votante, que enxerga Nascimento como uma figura heróica, promove o ex-coronel a subsecretário de Segurança do Estado do Rio de Janeiro. Paralelamente, o roteiro conta a história de ascensão de PMs corruptos, que exterminam traficantes não para garantir segurança à população, mas por tomarem conta da favela e transformá-la em uma rentável fonte particular. A principal milícia é comandada pelo major Russo (Rocha), um homem sem escrúpulos, que mata companheiros pelas costas e rouba sem peso na consciência. Quando percebe que a máquina de matar que já capitaneou se tornara uma das peças para alimentar o sistema corrupto e desmoralizante, Nascimento declara guerra aos elementos da corja repressora. Sem negar seus princípios e apelar para o discurso dos direitos humanos, como o deputado Fraga (Santos), o ex-capitão busca meios igualitários para se defender: combatendo a violência com clamor de justiça - o que, claro, não exclui métodos violentos.

O multifacetado roteiro escrito por Bráulio Mantovani e pelo próprio Padilha exibe um inteligente painel sobre as interrelações de poder entre alguns complexos presentes na sociedade, principalmente a polícia, o poder manipulador exercido pela imprensa e, claro, a intervenção política para mediar essas corporações. Extremamente crítico e pessimista – ou seria realista? –, “Tropa de Elite 2” é brilhante nos desdobramentos de sua história naturalmente complexa, pois evita o didatismo e não permite que o espectador se perca diante dos vários núcleos e da grande quantidade de personagens reunidos na trama. Lançado a poucas semanas antes do segundo turno que vai decidir o futuro presidente do Brasil, o filme também se revela urgente e atual, pois pinta um desanimador retrato dos bastidores da política brasileira, onde um palhaço retardado ou um apresentador de TV com sangue nas mãos – papel do ótimo André Mattos – são eleitos com maior número de votos, fruto da popularidade e não das propostas apresentadas – o que não deixa de ser uma crítica à imbecilidade dos eleitores na hora de escolher os seus candidatos.

Com um discurso mais maduro não apenas na temática apresentada, mas também no desenvolvimento dos personagens, essa continuação praticamente leva o ex-capitão Nascimento ao seu limite como ser humano. Demitido, carregando uma acusação que não lhe é cabida, solitário e deprimido, o protagonista ainda divide o drama de perder o apoio de sua família desestruturada, principalmente o do seu filho adolescente interpretado pelo ator Pedro Van Held. Em um filme recheado de armadilhas e momentos tensos, é até um alívio se deparar com a bela cena em que o personagem central convida o filho para uma luta de karatê, e entre golpes e ataques, dialogam sobre questões que envolvem educação e a figura paterna. E dentre diversos motivos, mas por incluir uma passagem sensível e emocionante em meio a tiroteios incessantes, é que o sensacional roteiro da dupla, editado pelo extraordinário e sempre competente Daniel Rezende, faz de “Tropa de Elite 2” um filme mais prudente e amadurecido.

Entretanto, jamais o resultado seria tão vigoroso se não fosse pelo trabalho exemplar do diretor e co-roteirista José Padilha. Denunciando forte cunho social desde sua estreia nos cinemas com o fabuloso documentário “Ônibus 174”, que já acusava a indecência dos órgãos públicos supostamente construídos para ajudar a população, Padilha realiza um trabalho visceral na condução deste filme. O diretor já havia demonstrado talento em arquitetar eficientes cenas de ação no longa original, mas nessa sequência, vai de cenas mais irônicas – como o discurso feito por um dos crápulas do filme, com o microfone em uma mão e uma .38 na outra – passa pelo bizarro – quando os bandidos enterram o corpo de duas vítimas carbonizadas – até cenas mais tocantes como a descrita no parágrafo anterior, sem perder o foco denunciador principal do filme. Demonstrando total domínio sobre a narrativa, Padilha ainda concebe cenas memoráveis, de tirar o fôlego do espectador, deixá-lo mudo e ligeiramente inconformado com o que testemunha.

Se já não bastasse, o impecável elenco de rostos majoritariamente desconhecidos também é peça fundamental para o sucesso de “Tropa de Elite 2”. E se fosse para descrever as minúcias soberbas da atuação de cada integrante deste filme, espantaria qualquer leitor desse humilde blog, portanto vou me conter. Mas há de se ressaltar nomes como Sandro Rocha, André Ramiro – muito melhor que no primeiro –, Milhem Cortaz, a pequena e marcante participação de Seu Jorge, Maria Ribeiro, André Mattos, Tainá Muller, o desconcertante Irandhir Santos, em um papel à altura de seu talento e, claro, Wagner Moura, mais uma vez soberbo na pele do imortal Roberto Nascimento, personagem já tombado na cinematografia nacional.

Confesso que não é fácil digerir todas as informações de “Tropa de Elite 2”, mas o projeto é um belíssimo exercício de reflexão que não deve ser ignorado por nenhum brasileiro. Se ao término do primeiro filme, o espectador não tem como se esquivar da arma apontada contra a câmera e o efeito catártico da cena rapidamente aflora os sentimentos de desamparo e insegurança em quem assiste, o final dessa sequência não é lá muito diferente, já que é responsável por um terrível nó na garganta do espectador e, de brinde, acompanha a total desmotivação de apertar a tecla verde nas eleições do próxima dia 31.

NOTA: 9,5

TROPA DE ELITE 2 (Idem) Brasil, 2010
Direção: José Padilha
Roteiro: Bráulio Mantovani e José Padilha
Elenco: Wagner Moura, Irandhir Santos, Sandro Rocha, André Ramiro, Milhem Cortaz, e André Mattos

Os Homens que Não Amavam as Mulheres

2010-10-07T17:56:00.005-03:00

Quando o diretor Stanley Kubrick levou aos cinemas a sua versão da claustrofóbica obra de Stephen King, “O Iluminado”, a reação de desprezo da crítica especializada, que avaliou o seu trabalho como uma reinvenção infiel ao material de origem, dentre outras atribuições negativas, só aumentou a curiosidade do público e o filme se tornou um instantâneo sucesso de bilheteria na época. É praticamente impossível traçar um parâmetro sobre a aprovação dos espectadores que saíam das sessões, mas todos sabem da insatisfação que o próprio criador da história fez questão de tornar pública. O descontentamento de Stephen King resultou, quase 20 anos depois do lançamento de “O Iluminado”, em uma minissérie de três episódios, dessa vez, seguindo à risca página por página do livro. Essa versão não ficou necessariamente ruim, mas comparada aos inspirados contornos e elaborados simbolismos semi-ocultos da releitura de Kubrick, a diferença é do tamanho do Hotel Overlook. E não precisa ser um gênio para saber que é justamente a versão ousada e original de Kubrick que se imortalizou na história do cinema como um clássico do terror moderno. “O Iluminado” transcende o status de adaptação literária – assim como outro clássico de sua autoria, “Laranja Mecânica” – e se consagra um filme tipicamente kubrickiano, com as evidentes marcas já patenteadas nos filmes anteriores do diretor.

Ao adaptar um livro para o cinema, os envolvidos devem se atentar para as diferentes linguagens dos seus veículos, e isso pode implicar, naturalmente, em adicionar certos conteúdos e omitir outros para que a narrativa cinematográfica tenha fluidez e seja coerente. Sem contar que o diretor deve transparecer autonomia e ser o carro-chefe do projeto, em vez de ser dominado pelo material original. Não defendo criar uma história totalmente diferente e paralela, mas adicionar elementos criativos e inovadores, a fim de enriquecer a trama do filme. O grande problema da adaptação de “Os Homens que Não Amavam as Mulheres”, baseado no primeiro capítulo da trilogia “Millennium”, escrita pelo sueco Stieg Larsson, é que aparentemente não foram feitas concessões no roteiro. Em vez de dar uma garimpada na obra e incluir apenas os momentos essenciais na versão cinematográfica, os roteiristas tinham a pretensão de, basicamente, transferir todos os desdobramentos presentes no livro para o filme. O resultado contabiliza 152 minutos, que inclui um primeiro ato promissor, um desenvolvimento pouco empolgante e um desfecho simplista e relativamente frustrante.

Roteirizado a quatro mãos, “Os Homens que Não Amavam as Mulheres” tem início com o afastamento do jornalista investigativo Mikael Blomkvist (Nyqvist) da revista Millennium, onde trabalhava há anos. O motivo da demissão é referente a acusações de difamação e calúnia por parte de um homem influente da cidade de Estocolmo, capital da Suécia. Sem emprego, Blomkvist é acionado por um milionário que amarga por anos o sumiço misterioso da sobrinha, na época com 14 anos. Determinado a descobrir o paradeiro da moça desaparecida, o jornalista mergulha de cabeça em uma investigação particular, ao lado da enigmática e antissocial detetive Lisbeth Salander (Rapace).

Remetendo a uma versão mais comercial de “Twin Peaks”, “Os Homens que Não Amavam as Mulheres” possui todos os elementos de um thriller: um caso de possível assassinato, detetives astutos que adentram lugares pouco explorados e começam a conviver com personagens misteriosos e ambíguos, que aparecem em cena com a palavra “suspeito” estampada na testa, além das várias pistas que são oferecidas no decorrer do filme para que o espectador desconfie de certos personagens e não de outros. Por mais contraditório que possa parecer, a adaptação para o cinema do best-seller peca exatamente por se manter excessivamente fiel ao livro, e o diretor falha por tentar materializar em celulóide diversas passagens da obra, que na leitura funcionam, mas se revelam deslocadas na versão para o cinema. Um dos exemplos que podem ser citado é o rápido affair entre os personagens centrais. Se no livro, Blomkvist e Lisbeth, antes de se relacionarem sexualmente têm seus anseios e fragilidades expostos pelo narrador e usam o sexo para se sentirem “humanos”; no filme, a impressão que fica é que eles transam somente para saciar o prazer passageiro. Nesse caso, uma reestruturação no relacionamento desses personagens seria urgente para que tanto não criasse uma visão deturpada dos protagonistas como para não obstruir o ritmo do filme com cenas pouco relevantes.

Isso não quer dizer que estamos diante de um filme ruim, apenas é notável que o ótimo material adaptado não fora aproveitado com precisão, optando pela convencionalidade em vez do arrojo. O convidativo primeiro ato se resume na apresentação dos personagens e na preparação do espectador para uma investigação profunda e arriscada. Mas só fica na promessa, pois “Os Homens que Amavam as Mulheres” frustra as expectativas ao apresentar um desenvolvimento meramente distante, com poucas cenas impactantes e nenhuma delas memorável – isso sem contar o desfecho preguiçoso e decepcionante.

Entretanto, o filme também reserva as suas qualidades, como a trilha sonora bem encaixada e, principalmente, a química entre os atores. Michael Nyqvist acerta no tom ao encarar o papel do jornalista sem heroísmos e mostrando-se tão humano quanto qualquer outro cidadão comum – algo que me remete ao Ewan McGregor do recente “O Escritor Fantasma”. O bom desempenho de Nyqvist já até lhe rendeu um convite para ser o próximo vilão da franquia 007 – o que não deixa de ser curioso, pois levantando os intérpretes anteriores dos vilões de James Bond, também são atores estrangeiros e talentosos (Mads Mikkelsen e Mathieu Amalric), e nenhum deles seguiu carreira em Hollywood. O grande destaque, claro, é a atriz estreante Noomi Rapace, que dá vida a um protótipo de Marylin Manson com saias, o que não deixa de ser interessante acompanharmos uma “heroína” que foge dos padrões e carrega consigo um visual tão exótico – pra não dizer outra coisa. Rapace despertou o interesse do diretor Guy Ritchie e vai integrar o elenco da sequência de “Sherlock Holmes”, cujas filmagens já estão em andamento.

E não são apenas os protagonistas que atravessaram o Atlântico. Já foi anunciado que “Os Homens que Não Amavam as Mulheres” vai ganhar um remake hollywoodiano sob o comando do sempre eficiente David Fincher, com previsão de estreia para 2011. Se o filme sueco já tem por natureza uma estrutura de cinema norte-americano comercial, esperemos que, ao menos, Fincher faça um trabalho autoral e com identidade, coisa que o diretor Niels Arden Oplev parece que fez questão de esconder.

NOTA: 6,5

OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES (Män Som Hatar Kvinnor) Suécia, 2009
Diretor: Niels Arden Oplev
Roteiro: Nikolaj Arcel e Rasmus Heisterberg
Elenco: Michael Nyqvist, Noomi Rapace, Sven-Bertil Taube e Peter Andersson

Fúria de Titãs

2010-09-08T01:31:00.005-03:00

Não precisa assistir ao original de 1981, nem pedir a um amigo que já tenha assistido a nova versão de “Fúria de Titãs” para lhe contar os melhores momentos do filme e como termina a história; basta o espectador assistir aos 5 primeiros minutos da fita e ele já estará informado suficientemente sobre a trama que se arrasta por 100 minutos e, pior, sobre seu desfecho pouco inspirado. E se o corajoso indivíduo tiver paciência e ficar curioso para assistir aos “melhores momentos” do remake, já adianto: são poucas e relativas as cenas realmente proveitosas. Totalmente prejudicado pelas entregas gratuitas do roteiro denunciador e pela aparente falta de comprometimento do diretor francês Louis Leterrier – que dirigiu recentemente o mediano “O Incrível Hulk” –, o primeiro ato de “Fúria de Titãs” não faz cerimônias ao revelar praticamente todas as adversidades que o jovem Perseus terá de enfrentar para vingar a morte de sua família, culminando no tão esgotado assunto do confronto final entre o semideus e o Kraken, um monstro gigantesco mantido em um mundo subterrâneo. Dessa maneira, o espectador já está condicionado a conferir uma série de combates entre humanos e criaturas ameaçadoras, e nada de especial ou de inovador irá surgir no meio do caminho, incluindo nesse pacote de “spoilers” o terceiro ato, cuja conclusão já é anunciada logo no início do filme. Assistir a “Fúria de Titãs” é basicamente como assistir “O Sexto Sentido” já sabendo do paradeiro do personagem interpretado por Bruce Willis.

Escrito a seis mãos, sendo alguns dos roteiristas responsáveis pelas bobagens “O Terno de Dois Milhões de Dólares” e “Aeon Flux”, a nova versão de “Fúria de Titãs” difere do enredo do filme original dos anos 80. Ao acompanhar o assassinato de sua família pelas mãos do deus Hades (Fiennes), o jovem pescador Perseu (Worthington) estaciona na cidade de Argos em busca de vingança e lá é apontado como o filho bastardo de Zeus (Neeson), o deus máximo do Olimpo. Em uma sociedade descrente e revoltosa com os deuses, intencionando levantar a “Era dos Homens”, os gregos declaram guerra aos líderes divinos, e Perseu, aproveitando a jornada para se vingar de Hades, acaba assumindo o posto de líder dos soldados rumo à batalha. Durante a odisséia, os combatentes irão se deparar com caranguejos gigantes, com os encantamentos da górgona Medusa e com o temido Kraken.

Estabelecendo as sequências do filme com a lógica de um jogo de videogame – a cada vilão derrotado, aparece um mais temeroso até alcançar o “chefão” – a linearidade de “Fúria de Titãs” acaba limitando a possibilidade de o roteiro episódico inovar com a inclusão de flashbacks que possam esclarecer, por exemplo, a origem ou dimensão de perigo natural de cada inimigo que o exército grego enfrentará. Todas as informações que podemos capturar são de conhecimentos básicos e citações dos próprios soldados, o que naturalmente limita a percepção do espectador quanto ao grau de desafio e esforços exigidos de cada um em situações isoladas. Os confrontos, apesar de bem ensaiados e amparados por efeitos visuais de ponta, são simplesmente vomitados no decorrer do filme, que evita a chance de criar tensão em cenas que imploram por uma apresentação mais elaborada antes de qualquer batalha. Há alguns momentos que podem ser considerados bem sucedidos nesse sentido, como a apresentação dos belos cavalos voadores ou a cena com as bruxas, que antecipa a luta contra a temível Medusa. Mas até mesmo o clímax de “Fúria de Titãs” é completamente desperdiçado pelo diretor, que se mostra terrivelmente despreparado para encarar um filme que demandava uma atmosfera com mais emoção e aventura.

Até agora dedicando seus dotes como diretor exclusivamente em filmes de ação, como os dois primeiros capítulos da trilogia “Carga Explosiva” e o envolvente “Cão de Briga”, o francês Louis Leterrier também falha ao abordar a “administração” no Monte Olimpo, retratando Zeus como uma figura totalmente sem autoridade e desinteressante, ao passo que seu irmão, Poseidon (Huston), um dos três integrantes que destruíram os Titãs do título, entra muda e sai calado, assim como os demais olimpianos da mitologia grega. Junto a uma trilha sonora deselegante e deslocada, Leterrier praticamente assume a falta de dinamismo e conexão entre as cenas de “Fúria de Titãs”, apelando sempre para travellings e cortes panorâmicos de imagens paradisíacas para, assim, mudar o núcleo de personagens que pretendia retratar a partir de então. E se o espectador louva a Zeus que seu filho bastardo não se interesse pela princesa Andrômeda (Davalos) como no original de 81, o roteiro e o diretor fazem questão de incluir uma semideusa diretamente da capa da Vogue, Io (Arterton), para ser a guardiã do protagonista, o que não precisa ser um gênio para desconfiar o que vai surgir dessa parceria.

Esbanjando mais um show de inexpressividade como nos filmes anteriores que atuara – exceto quando era um Na’vi e habitava Pandora –, é preocupante a falta de carisma provavelmente natural do britânico Sam Worthington, que aparenta apatia crônica para liderar um time de guerreiros e para protagonizar um filme em que o espectador, ao menos, deve criar laços com o personagem central. Liam Neeson faz o possível para que o seu Zeus, completamente zoado pelo roteiro, seja agradável, ao passo que Ralph Fiennes fisicamente parece primo do John Travolta naquela desgraça “A Reconquista”; aqui, ele interpreta Hades, que fora absurdamente retratado como o vilão do filme, em uma visão deturpada, maniqueísta e reprovável do mito grego. Se os destaques para o elenco são quase inexistentes – a despeito do original, em que víamos shows de vários atores respeitados – os efeitos visuais é um ponto de concordância entre todos quanto à qualidade dos técnicos desse departamento – idem o original, liderado pelo lendário Ray Harryhausen.

Nem vou entrar no mérito de discutir a sacanagem que foi o lançamento do filme em cópias 3D simplesmente para arrecadar alguns a mais na bilheteria, mas fato é que “Fúria de Titãs” em terceira dimensão ou não, merece ser mais um desses remakes que devem ir para o limbo e se perderem no tempo. Se Zeus quiser.

NOTA: 3,5

FÚRIA DE TITÃS (Clash of the Titans) EUA, 2010
Direção: Louis Leterrier
Roteiro: Travis Beacham, Phil Hay e Matt Manfredi
Elenco: Sam Worthington, Liam Neeson, Ralph Fiennes, Gemma Arterton, Mads Mikkelsen e Alexa Davalos

Cinelista: As 10 Melhores Cenas Musicais do Cinema

2010-08-31T22:58:00.008-03:00

Regra principal para elaboração do ranking: NÃO SERÃO INCLUSOS MUSICAIS. Decidi excluir esse gênero porque é até um pouco óbvio, levando em consideração que a maioria dos musicais constrói suas tramas baseadas em performances e sequências de dança espetaculares que irão explodir durante o filme a qualquer momento, sem contar que muitas vezes escalam atores que possuem uma boa voz para cantar – com exceção de Johnny Depp, que comprovou que nem todo ator é completo. Há!

Enfim, pra ser conciso, o que eu definiria como uma “cena musical”? Basicamente, um(a) ator/atriz cantando uma canção em um filme que não seja pertencente ao gênero musical, além dessas cenas serem bem encaixadas no filme e que revelem algum significado orgânico para a trama. Sendo assim, estabeleci algumas normas para tais cenas serem classificadas para essa Cinelista:

1 – O(A) ator/atriz tem mesmo que ser o dono da voz que se ouve. Não precisa ser um Pavarotti, mas a voz tem que ser autêntica. E playback é permitido.
2 – Ou melhor, não pode ser Pavarotti, nem qualquer outro cantor(a) profissional que se arrisque nas telonas. Essa Cinelista é exclusiva para atores.
3 – A cena em si também é avaliada. Tanto isoladamente quanto a sua relevância para com a história do filme – e para a história do cinema.

Recomendação: apertem o play e aumente o volume...

10) Diane Keaton em “Annie Hall” (1977)

Canção: “Seems Like Old Times”

Depois da desastrosa apresentação de “It Had to Be You” em um clube nova-iorquino, Annie Hall volta aos palcos mais segura e, com sua voz suave e olhares que deixam qualquer homem intimidado, ela entrega uma performance simultaneamente sexy e pueril. Ao ouvir os aplausos, é a vez de ela ficar enrubescida com o show que acabara de entregar, finalizando com um “thank you” acuado e tímido, cujos agradecimentos, com justiça, mais partem do público do que realmente da intérprete. Não tem como desviar os olhos dessa cena, da mesma forma que a câmera de Woody Allen se mantém fiel em mostrar a apresentação na íntegra e sem cortes. E outro fator que contribui para o sucesso dessa sequência musical é a beleza incontestável da jovem Diane Keaton, em seu grande papel de destaque no cinema. Apesar da insegurança e distração da personagem, tem que fazer muito esforço para não se apaixonar por Annie Hall.

9) Mike Myers e Dana Carvey em “Quanto Mais Idiota Melhor” (1992)

Canção: “Bohemiam Rhapsody”

A melhor definição para esse filme está no próprio título. E isso, acreditem, é um baita elogio. Wayne e Garth formam uma das duplas mais engraçadas já vistas em comédias. Antes de estrelarem o programa televisivo “Wayne’s World” e lutarem contra Rob Lowe para conquistar o coração da headbanger nipônica interpretada pela atriz Tia Carrere, os amigos inseparáveis, durante os créditos iniciais, ressuscitam o clássico hino do rock “Bohemiam Rhapsody”, famoso na voz do icônico Freddy Mercury, em uma das cenas mais famosas dos anos 90. Essa cena fez tanto sucesso que só os marcianos não a imitavam na época, e até hoje tem malucos que a reproduzem quando entram em um carro acompanhado de um amigo (cri cri cri). Mais uma vez a diretora Penelope Spheeris presenteia o público adolescente com um filme vigoroso e representativo da juventude daquela época, além de extremamente bobo e engraçado. Certamente, o espectador não vai escutar essa música do Queen da mesma forma.

8) Bette Davis em “O Que Terá Acontecido a Baby Jane?” (1962)

Canção: “I’ve Written a Letter to Daddy”

Os dotes artísticos que possui como atriz, certamente Bette Davis não os repetiu como cantora. Mas quem se importa? É justamente sua voz aguda e desafinada que imortalizou a bizarra cena em que cacareja “I’ve Written a Letter to Daddy”. Com uma voz insuportável de taquara rachada e usando um vestidinho branco aparentemente inocente, a esquizofrênica Baby Jane Hudson canta uma das canções que lotavam as casas de shows quando se apresentava ainda criança. A cena musical, ao lado da bandeja com a ratazana, é uma das mais famosas do filme, que ainda finaliza com uma dancinha exótica e sedutora (hahaha). Tenham medo. Crente de que está arrasando, a convicção da personagem-título é evidenciada pelo talento descomunal de Davis, que rouba o filme inteiramente para si.

7) Justin Bond em “Shortbus” (2006)

Canção: “In the End”

Controverso, polêmico, chocante e escatológico. “Shortbus” é uma incógnita no cinema contemporâneo, e não desmereço àqueles que alimentam certo distanciamento do filme, considerando-o uma pornografia gratuita ridícula e desnecessária. Particularmente, acho um filmaço desafiador e que exige muito do espectador, principalmente em se despir de qualquer preconceito e abrir a mente e o coração. Ainda que seja naturalmente devasso, é um filme sobre o amor, o que é realmente contraditório. Mas não digo o amor entre duas pessoas – digam não à monogamia! –, mas o amor para com a vida em geral, a explosão da felicidade e do entusiasmo, a convivência em harmonia e comunhão. Tudo isso pode ser facilmente identificado na apoteótica cena que finaliza o segundo filme do talentoso John Cameron Mitchell. É praticamente impossível ficar indiferente a essa cena, ainda mais quando o espectador acompanha todos os percalços percorridos pelos personagens no decorrer do filme. Marcante e único, final contagiante e laudatório. Difícil assistir sentado.

6) Rita Hayworth em “Gilda” (1946)

Canção: “Put the Blame on Mame”

“A maioria dos homens dormiam com Gilda, mas acordavam com Rita Hayworth”. Nossa, eu sinto pena desses homens... Francamente, que roubada foram se meter, hein? Uma das cenas mais sensuais e provocantes da história do cinema, Gilda entra no clube lotado, dança e canta “Put the Blame on Mame”, que tem uma letra que se opõe completamente ao sex-appeal de sua intérprete e, mesmo assim, arranca suspiros do público masculino. O figurino generoso, o penteado rigidamente conservado, os lábios voluptuosos e a sensacional cena em que a personagem-título retira as luvas, encarando a câmera/espectador e mexendo com a imaginação dos homens; tudo não passa de um jogo de sedução irreversível. A grande estrela é Hayworth, mas o diretor húngaro Charles Vidor também merece créditos pelos closes fabulosos que ressaltam ainda mais a beleza de Gilda e dá um quebra no distanciamento da cena. O espectador, aqui, é privilegiado com essa aproximação fantástica, resultando em uma das cenas mais orgásticas do cinema, que deixa Sharon Stone comendo poeira.

5) Eric Idle e os crucificados em “Monty Python – A Vida de Brian” (1979)

Canção: “Always Look on the Bright Side of Life”

“A Vida de Brian” é uma obra-prima incontestável e antológica. É um dos filmes mais engraçados e hilários que já assisti e considero, apesar das acusações de blasfêmia levantadas pela Igreja Católica, um filme que deve ser assistido por todos, independente das doutrinas religiosas que creem, por ser uma sátira inspirada de uma história universal. Ao ser confundido com Jesus Cristo e ser exaltado como Messias, Brian posteriormente é crucificado ao lado de dezenas de insurgentes. É então que ele se depara com um bandido otimista, que lidera o coro de “Always Look on the Bright Side of Life”. A cena é muito engraçada, absurda por natureza e nonsense. Exatamente como o filme. Explicar pra quê, né? Aperte o play!

4) Elenco de “Quase Famosos” (2000)

Canção: “Tiny Dancer”

O filme de Cameron Crowe é embalado por uma trilha sonora excepcional, que vai de Simon and Garfunkel, passa por The Who, esbarra em Beach Boys e Jethro Tull, compilações de Deep Purple, David Bowie e Fleetwood Mac, e com canções de Neil Young e Led Zeppelin. Tudo o que tem mais de bacana no rock faz parte da trilha de “Quase Famosos”, e chega a ser estranho escolher justamente a cena em que toca Elton John (!) em meio a tantas bandas lendárias. Mas não é pra menos. Quem assiste, não se esquece. “Tiny Dancer” representa, junto à cena da turbulência no avião, momentos que imortalizaram esse filme mágico. O personagem de Billy Crudup está em crise com o Stillwater, banda em que é guitarrista, e depois de uma noite de farra, seus amigos vão atrás dele. Em vez de os pedidos de desculpas virem com uma cena comum, a redenção vem através da música na bela cena em que todos da banda, os roadies, as groupies estão a bordo do ônibus Doris e cantam em coro. Por quebrar o esquema tradicional do roteiro, ser uma ode à música em geral e fazer com que Elton John pareça um bom cantor rs, o filme de Cameron Crowe fica em 4º lugar.

3) Julie Delpy em “Antes do Pôr-do-sol” (2004)

Canção: “Waltz for a Night”

Celine é uma das personagens femininas mais interessantes que eu já vi no cinema. A preocupação do espectador por ela e pelo destino do casal é genuína, já que as conquistas e frustrações amorosas de ambos são narradas com tanta convicção e riqueza de detalhes que nos tornamos totais cúmplices e testemunhas do relacionamento dos dois, prejudicado pelo tempo, pela ingenuidade e, principalmente, pela falta de comunicação voluntária. Se antes a mulher se mostrava completamente frustrada e sem esperança para que a chama do amor se acendesse novamente, ao corresponder um pedido de Jesse – interpretado por Ethan Hawke – de tocar uma de suas composições, eis que o espectador – e o rapaz – é brindado com a belíssima e inesquecível “Waltz for a Night”. E Julie Delpy, como quase sempre, é formidável.

2) Malcolm McDowell em “Laranja Mecânica” (1971)

Canção: “Singin’ in the Rain”

“Horrorshow!” Escolhi “Laranja Mecânica” pela doentia cena em que Alex e seus companheiros calhordas invadem a mansão de um casal burguês. Na residência, eles espancam o homem e o faz assistir de camarote o estupro da própria mulher, que também é surrada e tem sua roupa friamente cortada por uma tesoura estrategicamente nas partes íntimas para satisfazer os prazeres do jovem delinquente. É uma cena revoltante ao mesmo tempo assustadora. E para enaltecer a indignação do espectador, o protagonista começa a cantarolar “Singin’ In the Rain”, canção que ficou famosa na voz de Gene Kelly no filme homônimo. No clássico musical de 52, Kelly expressa sua alegria ao finalmente se relacionar com a personagem de Debbie Reynolds. No filme de Kubrick, a inclusão da música torna a cena ainda mais traiçoeira e repulsiva. É ou não é um clássico?

obs. O vídeo que está aí não é da cena específica, porque não encontrei nenhum que permitisse a incorporação do link. Mas pra quem quer assistir, é esse aqui.

1) Elenco de "Magnólia" (1999)

Canção: “Wise Up”

“... so just give up”.